Элементы рококо: Стиль рококо. Черты стиля рококо в архитектуре, интерьере, в одежде, живописи, фото стиля рококо

Рококо — Архитектурные стили — Дизайн и архитектура растут здесь

Рококо́ (в переводе с французского «рокайль» — «декоративная ракушка») — стиль, который появился в начале XVIII века во Франции. Он стал своеобразным продолжением стиля барокко и развивался вплоть до 60-х годов. Сам термин вошёл в употребление в середине XIX века.

Характерными чертами рококо являются утончённость, большое количество декоративных элементов, изящество. Практически во всех работах в стиле рококо прослеживается орнаментальность, часто присутствуют мифологические мотивы. 

Этот стиль изначально стал применяться в оформлении интерьеров, позже он вошёл в архитектуру и изобразительное искусство. Элементы этого стиля имитировали естественные, природные текстуры. Вместе с этим для рококо характерен избыток предметов декора и обилие завитков.

 

Рококо в архитектуре 

Рококо – переходный стиль, поэтому он не обладает ярко выраженными индивидуальными чертами, его скорей можно назвать вариацией стиля барокко. Он находил применение в дворцовых и храмовых ансамблях Европы XVIII века.

Архитектура рококо характеризовалась отказом от парадности и напыщенности, она стала более лёгкой и игривой. В рококо сочетание и распределение частей сооружения отходят на второй план.  На смену логичности форм приходит произвольность, строгой симметричность сменяется вариативностью и обилием орнаментальных деталей. 

Но это не означало, что склонность к роскоши прошла – она лишь приняла новую форму. На смену замкам 17 века пришли городские дома с зелеными садами. При этом архитекторы часто отступали от рациональности и жёсткой пропорциональности – они частично сохранялись лишь в фасаде отеля. Внутренняя же планировка изменялась. Принцип парадной анфиладности не выдерживался, проявлялась тяга к разнообразию в расположении комнат, к композициям асимметричным, разорванным, лишенным объединяющей оси. Внутреннее пространство получило свободное и рациональное расположение в соответствии с требованиями комфорта. Небольшие по размерам уютные комнаты, предназначенные для повседневного обихода, и залы обособлялись, их делали различными по форме в зависимости от назначения. Жилые комнаты обычно располагались вдоль второго фасада, обращенного в сад. Уделялось внимание и удобствам.

Основной элемент декора эпохи рококо называется «рокайль»  — он представляет собой орнамент, который выглядит как соединение природных камней с раковинами и листьями растений. Для орнамента характерны плавные линии и постепенные переходы, что позволяло создавать цельный и гармоничный декоративный фон. Данный элемент часто применялся для оформления интерьеров, садовых беседок и ротонд, для облицовки террас, отделки ворот и фонтанов. 

Что касается линий, то прямые линии и плоские поверхности почти исчезают, прикрываются фигурной отделкой. Архитектурные ордеры не встречаются в чистом виде – они видоизменяются и приукрашиваются. Например, постоянно изменяется длина колонн – они то меняют длину и скручиваются. Изменениям подвергаются и капители, карнизы становятся двойными, всё чаще можно увидеть расставленные на постаментах вазы и статуи. Как снаружи, так и внутри зданий используются затейливые лепные орнаменты – в основном они напоминают листья растений, цветы и раковины. Несмотря на отсутствие рациональности, в стиле рококо было создано много памятников, отличающихся оригинальностью и живостью.

Ландшафт в стиле рококо

После излишне роскошного барокко появилась потребность в уюте и естественности. Возникла мода на загородные павильоны, стилистически близкие к природе – это отразилось и в ландшафте. Пейзажи парка становятся более сдержанными и менее искусственными, ценилось умение сохранить впечатление природной естественности.

Была ещё одна разновидность рококо – оно носило название рококо Шинуазри (от фр. «китайский») и отражало всеобщее увлечение восточным искусством, которое в этом плане служило прекрасным примером. В Европе стали в больших количествах появляться «китайские» павильоны и мостики – правда, увлечение Востоком касалось только искусства, о философии пока речи не шло.

Сады рококо создавались специально для прогулок, что располагало к романтике больше, нежели возвышенный стиль барокко.  

Для садов рококо были характерны оптические иллюзии, лабиринты, сложные композиции и оптические иллюзии.

 

Интерьер в стиле рококо

Рококо можно с уверенностью назвать одним из самых роскошных и сложных стилей. Чтобы оформить интерьер в стиле рококо, лучше всего выбирать помещение овальной либо ассиметричной формы.

Основная идея интерьера рококо – показать все богатство помещения, так что неотъемлемым элементом стиля стала позолоченная мебель и мебель из ценных пород дерева, а также лепнина и дорогие ткани. Несмотря на то, что функция стиля рококо в основном декоративная, все элементы декора предназначены для комфортного отдыха.

Рассмотрим некоторые особенности рококо в интерьере.

Цветовая гамма. Одним из наиболее заметных отличий от предшествующего стиля стала смена палитры: вместо сочетания золотого и голубого стали применяться пастельные оттенки. В комнатах преобладают насыщенные цвета – как по отдельности, так и в комбинациях: белый цвет часто сочетается с золотым, красным, салатовым. Стали применяться перламутровый, жемчужный и лиловый оттенки.

Несмотря на то, что от строгих канонов рококо отошёл, гармония элементов всё же соблюдается. Стены и потолок отделываются одним и тем же материалом. Часто для оформления интерьера помимо лепнины применяют резные деревянные панели, настенную живопись и драпировку тканями. В качестве напольного покрытия используют паркет и керамическую плитку, а пол застилают дорогими коврами.

Одним из неотъемлемых атрибутов рококо является камин из природного камня. Не обойтись без больших окон слегка закругленной формы и украшенных шторами.

Аксессуары очень важны для оформления интерьера: часто можно увидеть статуэтки из керамики, подсвечники, античные статуи и ширмы. Приветствуется большое количество зеркал – чаще в резных рамах, также для лучшей освещённости используются многочисленные осветительные приборы: от люстр до подсвечников. Характерными атрибутами являются скульптуры, статуэтки и прочие предметы декора, стилизованные под античность.

Что касается мебели, то она фактически создаёт стиль помещения. Мебель эпохи рококо очень изящна, она украшена сложной резьбой и позолотой. Ножки мебели изящно выгнуты. 

Стиль рококо нашёл применение во многих художественных и промышленных отраслях – в частности,  в изготовлении изделий из фарфора, который довольно быстро вошёл в моду. Кроме того, большой популярностью стало пользоваться серебро – из этих материалов было изготовлено большое количество посуды. Стало развиваться искусство сервировки.

 

Примеры архитектуры рококо

 

Китайский дворец Екатерины II в Ораниенбауме

Архитекторы эпохи рококо уделяли довольно много времени созданию архитектурных ансамблей – к их числу можно отнести дворцовый комплекс в Ораниенбауме, построенный для Екатерины II итальянским архитектором Антонио Ринальди. Строительство длилось с начала 60-х до середины 70-х годов XVIII века. По проекту этого архитектора был разбит парк, включающий элементы природного парка с лужайками и зарослями, живописными аллеями, дорожками и водоемами. Это было личное жильё, которое и строилось не для приемов, а для отдыха. 

Терраса дворца облицована гранитом, вокруг него стоит ограда с изящной кованой решеткой. Внешний вид дворца отличается лаконичностью: одноэтажный, с большими окнами, стеклянной галереей. Стены с красивыми пилястрами и полуколоннами ещё возвращают в эпоху барокко, но в гораздо более простой форме. Архитектурные элементы обладают мягкостью, а пастельные кремовые и розовые тона здания придают ему спокойствие, свойственный архитектуре рококо.

В этом ансамбле можно отметить ещё одно здание в стиле рококо – Китайский дворец, который строился примерно в это же время по проекту Ринальди.

 

Архиепископский дворец в Праге

Архиепископский дворец также еще называют Вирхув дворец в честь ведущего архитектора  рококо в Праге Яна Йозефа Вирха (1732-1782), который занимался реконструкцией этого монументального здания.

В центральной части дворца изначально был расположен мраморный портал, который архитектор не только оставил, но и подчеркнул его за счёт монументального фасада. Дворец был расширен по бокам, а также добавился четвёртый этаж.

Двор разделён двухъярусным мостом, а также в нём присутствует крытый коридор на аркадах с колоннами. Яркими элементами рококо здесь стали херувимы с канделябрами на карнизе и группы скульптур на главной лестнице.

В интерьерах дворца стиль рококо ярче всего проявился в конструкции парадной лестницы и бело-золотых интерьерах светлых салонов. До сих пор в Тронном зале сохранилась коллекция из французских гобеленов. Витиеватая резьба по дереву, лепка, украшающая потолки и стены салонов и других помещений, большое количество стекла, фарфора, люстр и стильной мебели дополняют интерьеры дворца в стиле рококо.

В настоящее время стиль рококо продолжает существовать в интерьере, однако в несколько изменённом виде: он стал более лаконичным, практически пропала позолота, однако тенденция к использованию дорогих материалов высокого качества сохранилась.

 

Архитектурный стиль рококо

umi-cms.ru/TR/umi»>

Келуш (Queluz) — жемчужина архитектурного стиля рококо. Португалия. Округ Лиссабон. Строительство дворца началось в 1747 г. Проект архитектора Матеуша Винсенте де Оливейра (Mateus de Oliveira).

Стиль рококо (rococo) появился во Франции в первой половине 18 века во времена правления Регента Филиппа Орлеанского (1715—1723 гг.) В середине 18 века стиль рококо критики называли «испорченным», «выкрученным» и «вымученным». Этот стиль стал отражением светской культуры королевского двора, образа мышления французской аристократии, стремившейся создать собственный идиллический мир. Философию стиля рококо сформулировали королевские фаворитки: мадам Дюбари, маркиза де Помпадур, Мария Лещинская, которые основой жизни считали чувственные наслаждения, изысканность, утонченность. Личный комфорт, в это время, становится на первое место. Основное внимание обращалось на эротические и мифологические сюжеты в украшении комнат и зданий, детализированность декора. Продолжая традиции барокко, стиль рококо в архитектуре теряет его масштабность, грандиозность и поклонение Божественному, переключившись на интересы человека с изысканным вкусом. Стиль рококо в архитектуре стал более легким, игривым, чем предшествующее барокко. В рококо архитекторы меньше обращали внимания на функциональность, сочетание форм. Декорирование строилось на асимметрии, вариативности членений плоскостей, перегруженности деталями. Архитектурный стиль рококо стремится уйти от прямых линий.

Португальское рококо. Церковь Франциска Ассизского в Оуру-Прету архитектора Алейжадинью. 1765 г

Ордера не присутствуют в фасадах зданий. Колонны выполняют эстетические функции, они становятся уже, меняют свои пропорциональные размеры в отношении к габаритам здания. В зданиях в рококо стиле капители колонн дополняются изящными изгибами, сами колонны приобретают меньшие размеры, чем при барокко, однако, в них больше декора. Нередко вместо полуколонн, пилястр используются украшения в виде лепного ленточного переплетения, орнаментальных рельефов, составленных из завитков, щитов, масок, гирлянд, фестонов. По краю крыш создают балюстрады, для которых характерны фигурные балясины, постаменты с вазами или статуями. Криволинейные фронтоны украшены скульптурами, пирамидами, вазами, трофеями. Рельефный орнамент окантовывает оконные и дверные проемы.

Амалиенбург под Мюнхеном. «Охотничий домик» курфюрстины Амалии в Нимфенбурге, загородной резиденции курфюрстов Баварии Виттельсбах (Wittelsbacher). Выполнен французским архитектором Ф. Кювилье 18 в. /em>

В интерьерах в стиле рококо рельефный декор присутствует в обрамлении зеркал, в декоре мебели стены, потолков, плафонов. Основной мотив рококо – рокайль (изображение стилизованной ракушки). Модными становятся имитации объемных форм, когда нарисованные на стенах, потолках изображения выполнялись настолько точно, что их можно было принять за настоящие скульптуры. В те времена очень популярными были художники — квадратуристы, которые специализировались на создании подобных изображений. Чаще всего такие имитации создавали во внутренних помещениях. Стены дворцов украшали также городскими пейзажами, особенно популярными были виды Венеции, изображенные реалистически точно. Став продолжателем барокко, стиль рококо заимствовал многие детали и из других стилей. Переняв от барокко плавность форм, по своей философской сути рококо стал противоположностью этого стиля, изменив его монументальности и масштабности, заменив их тонкостью, изящностью, приблизив его к человеку. В цветовой палитре стиля рококо светлые, пастельные тона: розовый, салатный, голубой, много белых и золотых деталей.

Гостиная в стиле рококо с амурами. Зимний дворец. Акварель Э.П. Гау. 19 в.

Архитектурный стиль рококо оставил о себе память в небольшом количестве сооружений, поскольку больше применялся для оформления интерьеров, где стиль рококо в своем стремлении к легкости, стремился видоизменить пространство, увеличить его с помощью больших окон, зеркал, масштабных и перспективных росписей на стенах и потолках. Случалось, что сложный витиеватый декор внутреннего убранства в стиле рококо контрастировал со строгими фасадами здания. Примером может Малый Трианон в Версале архитектора Габриеля (1763-1769 гг.).

Малый Трианон в Версале, фасад здания. Архитектор Габриэль Жак Анж. 18 в.

Интерьер помещений Малого Трианона в Версале. Архитектор Габриэль.

Наивысшее развитие рококо в архитектуре получил в Баварии, Австрии, куда он попал из Франции, где в основном использовался для оформления интерьеров и достиг своей вершины при Людовике XV. В Германии стиль рококо называли также «Perückenstil», это название произошло от напудренных париков — характерного атрибута европейской аристократии той эпохи. Примером оформления здания в рококо стиле может служить церковь архитектора Иоганна Неймана (Johann Neumann, 1687 -1753 гг.) в Фирценхайлигене, где масштабность барокко сочетается с характерным для стиля рококо богатым скульптурным декором, создавая впечатление изысканности и лёгкости.

Церковь в Фирценхайлигене. архитектор Нейман. 1743-1772 гг.

В Англии рококо больше проявлялся в прикладном искусстве, например в инкрустации мебели и производстве серебряных изделий, здесь были известны мастера Хогарт или Гейнсборо, работы которых соответствует этому стилю. В Италии в стиле рококо работал архитектор Тьеполо. Знаменитые здания в рококо стиле, соединенном с элементами барокко — Версальский дворец, Цвингер в Дрездене, Зимний дворец в России, в Баварии — Амалиенбургский павильон замка Нимфенбург, Дворец Шарлоттенбург в Берлине, Малый Трианон в Версале и ансамбль трех площадей в городе Нанси.

Дворец Шарлоттенбург(Schloss Charlottenburg) — летняя резиденция для прусских королей. Был построен в 1699 г. королем Пруссии Фридрихом I для своей супруги Софии Шарлоты. Здание подвергалось перестройке: в 1701-1707 гг. (архитектор Э. фон Гёте), в 1740-1743 гг. (архитектор Т.В. фон Кнобельсдорф). Дворец был отреставрирован после войны.

Стиль рококо во Франции уже к середине 18 века стал терять свою популярность под влиянием исторических событий, а в странах Центральной Европы к нему относились с интересом еще до конца века.

Автор текста: Марина Калабухова

Стиль рококо в архитектуре, интерьере

Искусство с древнейших времен до наших дней является зеркалом, в котором отражается история развития человечества. Каждый народ в отдельные периоды налагает отпечаток на особенности культуры, быта, искусства не только на территории своего государства, но и за его пределами. Италия, ассоциируется с классическим искусством античности, Германию называют центром романского стиля, а Франция, подарила миру rococo.

Истоки стиля
Архитектура и живопись
Фарфоровые фантазии
Серебряная эстетика
Ювелирные изыски
Бронзовая магия

Истоки стиля

История термина берет название от французского слова рокайль (rocaille). Именно так называли декоративные элементы из грубовато обработанных камней и раковин, украшавших малые архитектурные формы. Постепенно произошла трансформация слова, им стали обозначать затейливые, нарочито вычурные элементы декора. Термин закрепился за художественным стилем в искусстве и нашел отражение в архитектуре, одежде, аксессуарах, мебели и посуде.

Рококо́ пришел на смену барокко в XVIII веке. Устав от высокопарности, скучности и ограниченности форм, светское общество, возглавляемое регентом Филиппом Орлеанским, жаждало нового – легкого и парящего. На смену многолюдным торжественным приемам пришли приватные встречи в салонах, которые несли некоторую интимность и требовали такой же утонченно-укромной обстановки. Потакая прихотям регента, появились миниатюрные диванчики на двоих с закругленными ножками и завитушками в орнаменте. Интерьер сменился на удобный, со множеством зеркал, с резными амурчиками, ажурными гирляндами на стенах и потолках, создающими настроение вечного праздника. Светское общество обратилось к предметам, не носившим смысловой нагрузки. Рококо характеризуется таким понятием, как «bagatelle» («пустяк»). У милых безделушек была одна цель – радовать глаз. Вся эпоха рококо характеризуется некой театральностью, легкомысленностью, иллюзией праздника.

Смещение идеала

Новый стиль постепенно закрепился и в моде, зародился иной эстетический идеал. На смену женской фигуре с несколько выступающим животиком, пришел новый силуэт – талия, которую утягивали корсетом. Женский образ стал загадочным и эротически привлекательным благодаря открытым плечикам, глубокому декольте, огромному количеству декорирующих элементов на костюме: бантиков, завязочек, рюшек. После тридцатилетнего господства общество навсегда распрощалось с прической «фонтаж», более походившей на замысловатое сооружение достигавшее, порой, 35 см. в высоту. Женскую головку стала украшать «простая» аккуратная прическа с локонами, с изящным кружевным бантом.

Надо сказать, что мужской гардероб не отставал в наличии украшающих элементов. Мужской и женский образы были похожи и напоминали изнеженных фарфоровых куколок. Молодые и зрелые аристократы, пренебрегая возрастом, носили одинаковую одежду с вышивкой, украшенную тесьмой, отделанную бахромой и кружевными оборками. Они не скупились на косметику, предаваясь увеселительным развлечениям.

Архитектура и живопись

Изысканность и декоративность, некая игривость и воздушность легли в основу нового стиля и отразились в архитектуре. Начиная с XVIII века, при украшении зданий господствуют мыслимые и не мыслимые воображаемые формы. В этот период вы не встретите геометрически четких линий, тяжелых колонн, гнетущих выступов. Арки, окна, крыши затейливо орнаментируются закруглениями, завитками, стилизованными цветочными гирляндами. Потолки и стены украшаются масками, раковинами, фигурками в игривых позах. Человек всегда стремился к новизне, поэтому набирая популярность, рококо постепенно проник в каждый уголок страны, жаждущий превратить обывательскую скуку в праздник.

Художественный стиль здесь идет в ногу с политической обстановкой Франции, поэтому отличается свободным и легким отношением к жизни.

Художники ищут новые формы, чтобы передать светлый взгляд в настоящем, его красоту, мимолетность. Вместо монументальных кариатид появляются миниатюрные скульптуры, подобно «Речной нимфе» Клода Мишеля, «Мальчик с клеткой» Жан Батиста Пигаля. Полотна украшают любовные сцены, соблазнения в романтической обстановке, пикники на поляне с музыкантами и танцорами: «Любовная записка» Жан Оноре Фрагонар (Fragonard), «Аллегория музыки» Франсуа Буше, «Арлекин и Коломбина» Антуан Ватто. В живопись приходит легкость, естественность, пластичность линий тела. Колорит картин максимально естественен, мягкий, передается цветовыми контрастами максимально реалистично. Композиция динамична, общий фон художественных произведений позитивен и не перегружен смысловыми ассоциациями.

Фарфоровые фантазии

Германия

Трудно заранее определить будет ли художественный стиль популярен или канет в небытие. Только истинное способно пройти сквозь столетия, оставаясь вечно прекрасным и в настоящем. Рококо удалось не только покорить Европу, но и оставить после себя фарфоровые шедевры.

Стиль рококо господствовал на протяжении столетия. Поэтому он логично проник во многие сферы жизни, не обойдя стороной декоративно-прикладное искусство. Фарфоровые изделия XVIII века – уникальные раритетные вещи, в полной мере отражающие модные тенденции. Выпущенная посуда в стиле рококо невероятно изящна по форме: ручки с завитушками, элегантно изогнутый носик кувшина, витиеватые ножки-основания. Фабрика в г. Мейсене (Германия) в восемнадцатом столетии являлась законодателем фарфорового мастерства. В 30-х годах модельной мастерской задавал тон Иоганн Иоахим Кендлер, а чуть позднее – И.Ф. Эберлейн. В этот период выпускаются знаменитые многопредметные сервизы в стиле рококо, появляются новые виды отделки в плоском рельефе. Кендлер считался энтузиастом своего дела и тщательно подходил к любой работе.

Ему были заказаны очень дорогие сервизы – для графа Александра Зулковского (1735-1737) и “Лебединый сервиз” (1737-1741) – для саксонского министра Генриха Брюля.

Сегодня сервизы признаны шедеврами. Супница представляет собой изящный сосуд на гнутых ножках, с необычными ручками в виде обнаженных красавиц и живописными украшениями. Широкий верх венчает фигурная куполообразная крышка с нимфой. Сосуд украшен волнообразным узором и покрыт позолотой. Несмотря на внушительный размер, супница кажется изящной и легкой.

Сервиз с лебедями считается идеальным воплощением мастерства фарфорового искусства. Все предметы объединены единой темой, каждый из них – это эпизод, миг сближения человека с птицей. Белизна фарфора дает возможность увидеть рельефность рисунка, а неброская, даже скромная роспись лишь подчеркивает трогательные сюжеты. Сервиз действительно похож на лебединую песню, материализовавшуюся в фарфоре. Она чиста, скромна, совершенна и благородна.

Завод выпускал большой ассортимент посуды и статуэток в период господства рококо.

Мэйсенский фарфор, период рококо (около1745-1774)

Франция

Во Франции, близ Парижа в 1756 году был открыт Севрский фарфоровый завод. Мануфактуре несказанно повезло. Опекаемая Людовиком XV и влиятельными патронессами, фабрика была обеспечена королевскими заказами и имела монопольное право на выпуск фарфоровых изделий. Сюда стремились лучшие художники и дизайнеры, благодаря их стараниям сегодня мы можем любоваться воздушными статуэтками из неглазурованного (чистого, не расписанного красками) фарфора в стиле рококо.

Статуэтка Enfants jouant а-ля loterie,1757. Севр.

Купание Дианы, Луи Симон Буазо, 1790

Фарфоровые заводы в XVIII веке открывались в Италии и России.

Однако, учитывая позднее появление технологии, качество сырья, национальные особенности, стиль рококо не стал лидирующим в вышеназванных странах, хотя собрания раритетной фарфоровой посуды многолики и представлены как в частных, так и государственных коллекциях.

Серебряная эстетика

Во Франции рококо продержался до конца 80-х годов XVIII века, в отличие от Англии, Северной Америки, где он совершенно не прижился. Хотя нападки на стиль стали появляться с самого зарождения: трудно было удержать эстетическое равновесие. То, что в начале считалось легким, радостным и изящным, с годами стало вычурным, манерным и легкомысленным. Однако истинным художникам за несколько десятков лет удалось создать дорогостоящие коллекции посуды, в том числе, из серебра.

Европа переживала период некой театральности, появилась страсть к столовому этикету, соответственно и посуда приобрела не только утилитарную функцию. Столовые приборы стали не просто предметом для еды, а неким декоративным элементом, сопровождающим действо.

Даже обычная ложка стала выпускаться разной формы и размера: для супа, чая, сахара, клубники. Ее форма была причудливо изогнута, а ручка украшалась воздушными раковинками и драгоценными камнями. Изменились и чайные/кофейные сервизы.

Германия, Ханау, мастерская — Storck & Sinsheimer, 1874-1893

Франция, Париж, мастерская — Leon Lapar, 1878-1897

Франция, Париж, мастерская — Etienne-Auguste Courtois, 1819-1838

Стиль рококо узнаваем по пузатеньким сосудам с гнутыми ножкам, изощренно выгнутым носикам, витиеватым узорам, косым граням, характерным ракушным элементам, создающих впечатление движения. Можно бесконечно любоваться филигранной резьбой чайника и дивиться мастерству ювелиров.

Серебряная посуда до последних десятков лет была привилегией знати. Лечебные свойства в совокупи с декоративной орнаментальностью отличали ее высокой стоимостью. Столовые предметы изготавливали на заказ. Аристократы могли пользоваться ею ежедневно, зажиточный класс довольствовался только по праздникам, либо ограничивался созерцанием на выставках и в магазинах.

Традиционные блюда отличались исключительным качествам, серебряная поверхность была настолько чиста и гладка, что в нее можно было смотреться. Облегченный орнамент, словно кружась, лишь слегка украшает край. На дорогих разносах запечатлевали традиционные сцены быта, доставшиеся по наследству от барокко, разбавляя массивность завитушками и ажурной резьбой с элементами рокайля.

Ювелирные изыски

Не обошел стороной новый стиль и ювелирные украшения. На смену тяжелым цепям барокко, грузным брошам пришли легкие, витиеватые заколки для волос, изящные серьги, браслеты. В средние века ювелирные украшения являлись символом власти, богатства, эталоном стиля. Королевский двор был подвержен модным веяниям и быстро сменил массивные кулоны на более простые ювелирные украшения.

Украшения любили женщины и мужчины. Последние, следуя моде, декорировали одежду кружевным жабо и прикалывали к нему броши, руки были украшены перстнями. У дам популярностью пользовались серги-жирондоли, эдакие многоярусные украшения, напоминающие каскадные фонтаны. Драгоценные камни были изощренно укутаны ажурным серебром и на свету переливались безумно красивым светом.

Бронзовая магия

Bronze – древнейший сплав, выплавленный человеком, который использовали не только в практических целях, но и декоративно-прикладном искусстве. К XVIII в. бронза становится важным элементом убранства дворцовых и парковых ансамблей. Ее можно встретить в тяжеловесных рамах для зеркал, отделке мебели, люстрах, бра, подсвечниках. Элементы нового стиля рококо широко представлены в отделке декоративных предметов: курильницы, вазоны, часы. Сплав материала пластичен, а богато разработанный рельеф позволял использовать его не только как основу предмета, но и для его украшения.

Boudoir table clock of Vernis Martin, French,1880

Потрясающие настольные часы в стиле рококо, отделанные золоченой бронзой. Это типичная форма для часов того времени, напоминающая женскую фигурку: покатые плечики, талия. Сочный цвет лака с золотыми чешуйками добавляет часам королевской феерии. Часы украшены цветочными фестонами, а на основании любовная сцена в загородном пейзаже. Два бронзовых херувимчика украшают циферблат. Сверху, полусферу венчает орел.

Clock with Dolphin by A. D. Mougin, French,1880

Оригинальные старинные часы из позолоченной бронзы с дельфином у основания. Красивый и изысканный стиль рококо выражен и форме, и в декоре. Часы украшены сложными завитками, листьями, цветочными гирляндами. В верхней части находится сосуд с характерными фигурными ручками и цветочным навершием. Дельфин расположен, словно в раковине, у основания и является самым необычным и привлекательным элементом. Часы превосходны, их высота 47 см.

XVIII век жаждал света и зрелищ, поэтому одним из популярнейших будуарных предметов были подсвечники.

До наших дней дошли искусно смоделированные из бронзы подставки с разветвлениями на 2, 5 или 7 свечей с резным основанием, украшенные всевозможными скрученными элементами, фигурками ангелочков. Мастера рококо любили украшать изделия растительным орнаментом, особенно часто используя для этого листья аканта, стилизованные или передающие красоту растения с природной точностью. Изогнутые линии канделябров в изобилии украшались виноградными лозами, купидонами, что придавало эпохе аромат утонченной роскоши, пресыщения и мечтательности.

Нельзя не упомянуть и бронзовые скульптуры XVIII века, которыми украшали не только парковые зоны, но и, в зависимости от размера, гостиные, столы, ниши. Бронзовая миниатюра и сегодня удерживает первенство по популярности среди раритетных подарков: мадмуазели в пышных юбках-панье с мудреными прическами, амурчики, играющие на музыкальных инструментах, влюбленные парочки, веселящиеся на балу – бесценный подарок для дома или офиса.

Несмотря на то, что к концу века стиль рококо был низвергнут из-за привязанности к излишней помпезности, он не канул навсегда. Притаившись на сотню лет, рококо во второй половине XIX века потерпел перерождение и вновь вернулся, радуя причудливыми изгибами и нескучными формами.

Стиль рококо в интерьере

Стиль рококо (в пер. с французского — декоративная раковина, рокайль) появился в начале 18 века во Франции как развитие стиля барокко. В отличие от многих других известных стилей, он сразу возник как интерьерный. Многие его элементы и приемы остаются актуальными и в наше время. Отличительные черты стиля рококо — элегантность, грациозный орнамент, декорация композиций и интерьеров, акцент на мифологии, иллюзиях, несимметричность композиций. Изящество и легкость в сочетании с откровенно выраженной декоративностью достигались за счет пластических приемов и цветового решения. При создании интерьера в этом стиле используют нежные пастельные тона, приглушенные и забеленные краски, полутона, белый, розовый, палевый, фисташковый, светло-голубой с позолотой. Наиболее часто встречающиеся сочетания белого с зелёным, розовым, голубым, золотым, бледно лиловым, жемчужные, мраморные оттенки. В интерьерах стиля рококо встречаются передвижные ширмы, легко изменяющие пространство, гобелены, на которых изображены пагоды, цветы, люди в китайской одежде; китайский фарфор, цветущие орхидеи, аквариумы, тонкоствольные деревья и изящная мебель, покрытая лаком. Совет руководителя студии Юлия Семенцова Руководитель студии Каждый наш проект отражает потребности, вкус и образ жизни нашего клиента В отделке помещений используются резные панели, лепнина, позолоченные орнаменты, зеркала. Мелкий орнамент в форме переплетений, завитков, орнаментов в форме ракушек и гротесков. В этом стиле оформлялись аристократические гостиные и распространенные в состоятельных частных домах будуары. В архитектуре интерьеров появились резные рельефные тонкие обрамления, узоры, лепнины, завитки, головки амуров. Помещения обычно небольшие, уютные, с закруглёнными углами, овальные или ассиметричные. Большинство элементов отделки имеют тоже округлую форму — это дверные, оконные проёмы, декоративные панно, зеркала. Для дополнения декора используются медальоны овальной и круглой формы, банты, листья, свитки и виньетки. Главный элемент интерьера — невысокий камин, покрытый мраморной плитой. Плита украшается бронзовыми накладками, на ней расставляются часы, фарфоровые вазы, канделябры. Над камином — зеркало в позолоченной раме. Характерная черта стиля — множество зеркал, встроенных в стены, обрамленных в рамы и развешанных над каминами и столиками, украшающих простенки между окнами. Зеркало традиционно символизировало призрачность, соединение иллюзии и реальности. С практической точки зрения, зеркала способны визуально расширить пространство, создавая впечатление бесконечности анфилады комнат. Общая тенденция пространства — тяготение к живописности. Характерным приемом рококо считается рельефная лепнина, переходящая в роспись золотом по белому. Интерьер зачастую сопровождался настенной живописью, а также потолочной, продолжавшей сюжетную линию стен. Для стиля типично украшение стен шпалерами с некрупным орнаментом, вытканными шелком или шерстью, позже стали использоваться обои. Для интерьера в стиле рококо характерны тонкие рельефные обрамления, гротески вперемежку с элементами рокайля, а также закругленные углы стен. Вместо карниза, отделяющего плоскость стены от потолка, — падуга, плавный полукруглый переход, который тонким орнаментальным рельефом, выполненным из гипса и стукко. Так же декорируют уголки, плафоны и карнизы. Потолочный декор в гостиной, столовой, прихожей — помпезный и сложный, в детских, спальных комнатах — скромный и сдержанный. Потолочная люстра бронзового цвета, с плафонами в виде свечей. Настенные светильники из материалов, имитирующих фарфор, стукко или фаянс, с поверхностью, отражающей свет, — напротив зеркал либо рядом с ними. Пол деревянный или глянцевый керамический. Мебель не крупная, но очень удобная. Диваны, двойные стулья, кресла, шезлонги, кушетки, канапе, различные скамеечки, секретеры, множество разновидностей столов и столиков: туалетные, рукодельные, столы-серванты, столы-консоли, ломберные и пр. Мебель имеет гнутые, резные ножки, волнистые контуры, орнаменты в виде вьющейся лозы и цветочных гирлянд. Во французском рококо всем деталям уделялось огромное внимание: художники с одинаковой тщательностью прорисовывали лепной декор стен, зеркал и каминов, мебели, канделябров и формы дверных ручек. Большая роль в интерьере отводится текстилю. Это могут быть мебельные чехлы, подобранные им в тон занавеси, ниспадающие до пола, скатерти на столики. Текстиль легкий, с мелким цветочным узором. В качестве аксессуаров — чайные и кофейные сервизы, вазы и табакерки, туалетные и письменные приборы, очаровательные статуэтки и скульптурные композиции, каждый из которых — маленькое произведение искусства.

&copy Статья написана специально для компании ВИРА. При полном или частичном использовании материалов активная ссылка на www.eremont.ru обязательна. Авторство подтверждено для Яндекса и Google.

Рококо | Архитектура и Проектирование

Рококо — первый безордерный стиль, игривый и изящный, считающийся несерьезным и легкомысленным, ставший, тем не менее очень популярным и оказавший огромное влияние на развитие всех видов искусства, особенно декоративного. Это первый в истории архитектуры и дизайна помещений «уютный и беззаботный стиль».

Рококо часто считают поздней стадией барокко. Но как по используемым внешним формам, так и по своему внутреннему настроению, этот стиль очень отличается от шумного и грандиозного барокко.

Рококо часто упрекают в бездумности и легковесности, но за этими внешними впечатлениями скрываются высшая утонченность, блестящий художественный вкус и совершенство формы.

В отличие от героического пафоса барокко, рококо обращается к интимным, камерным темам. Личные желания, прихоти, удобства стали играть первостепенную роль в сложении типов, форм, в декорации не только мелких бытовых предметов и мебели, но и крупных архитектурных ансамблей.

Стиль Рококо, возникший во Франции в начале XVII век, был своего рода ответной реакцией на Большой Стиль —  монументальный классицизм и парадно-официальный стиль барокко, выразившийся в архитектуре и внутреннем убранстве Версальского дворца Людовика XIV и господствовавший во французской архитектуре на протяжении почти всего периода правления короля-Солнца (1643-1715).

Термин «рококо» происходит от французского «rocaille» ,что означает декоративные раковины и камни, которыми было принято украшать искусственные гроты. Основные черты этого стиля – динамичные ассиметричные формы (раковин таких моллюсков, как гребешки), различные завитки (S-и C-образные), натуралистично выполненные побеги цветов и волнообразный растительный орнамент. Встречаются экзотические китайские мотивы, сюжетные орнаменты: Элементы стихии и Времена года. Палитра – золотой, белый, цвет слоновой кости, кремовый, а также пастельные оттенки голубого, зеленого, розового и желтого. Французское рококо – своего рода передышка после тяжеловесного барокко, а характерное для него обилие стенных зеркал (прием, использованный в Версале, в конце строительства которого уже проявились элементы рококо) придало интерьерам воздушную легкость. Стиль рококо – это скорее оформление интерьеров, чем архитектурных зданий. В его духе делались мебель, посуда, драпировка, металлическая утварь. Экзотические узоры в «китайском стиле» были важными элементами рококо, зачастую сочетаясь с чисто европейским растительным орнаментом. Китайские мотивы балдахина, мебельной обивки и расписанных по трафарету стен, присутствие повсюду золота, которое использовали, чтобы выделить важные элементы и детали: те же завитки, раковины, рамки филенок. Для фонов интерьеров характерны были пастельные тона: голубые, зеленые, розовые, желтые, кремовые, беловатые и цвет слоновой кости. С ними хорошо гармонировали глянцевые коричневые тона дерева твердых пород. Мотивы в восточном вкусе становятся одной из самых характерных особенностей рококо.

В ранний период развития французского рококо (примерно до 1725) в отделку помещений вводился дробный орнамент, предметам обстановки придавались прихотливо изогнутые формы (так называемый стиль регентства). Развитое рококо (примерно 1725-50) широко использовало в декоре резные и лепные узоры, завитки, разорванные картуши, рокайли, маски-головки амуров и т. д. ; в убранстве помещений большую роль играли рельефы и живописные панно в изысканных обрамлениях (десюде-порты и др.), а также многочисленные зеркала, усиливавшие эффект лёгкого движения (так называемый стиль Людовика XV). Орнамент, направленность стиля рококо ограничила его влияние на тектонику и наружный облик сооружений. В архитектуре французских отелей (Жиль-Мари Оппенор, Ж. О. Мейсонье, Габриель Жермен Бофран (Germain Boffrand, 1667-1754) и др.) пышное оформление рокайльных интерьеров сочеталось с относительной, строгостью внешнего облика. Распространяясь в зодчестве стран Европы: Германии (Георг Венцеслаус Кнобельсдорф (Knobeisdorff), Иоганн Бальтазар Нёйман (Neumann), отчасти М. Д. Пёппельман), Австрии, Польши, Чехии, стиль рококо часто являлся своеобразным местным вариантом позднего барокко.

Интерьер отеля в стиле рококо. Габриель Жермен Бофран (Germain Boffrand)

Потсдам, Пруссия, Сан-Суси (1745—47) Королевская резиденция, которую архитектор Георг Венцеслаус Кнобельсдорф (1699—1753) построил в Потсдаме, пригороде Берлина, для короля Пруссии Фридриха II (1740—86). Название «Сан-Суси» переводится с французского как «без забот». Это вытянутое одноэтажное здание с изящной балюстрадой по карнизу — наиболее удачный пример немецкого рококо. В центре дворца — овальный зал, крытый куполом. Полукруглый парадный двор окружен колоннадой. Огромные окна-двери паркового фасада, делающие стену почти прозрачной, и плавно сбегающие в парк лестницы-террасы создают ощущение единства природы и дворцовых интерьеров. Все элементы: скульптура, декоративная живопись, мебель, зеркала — образуют цельный, тщательно продуманный ансамбль. Своей изысканной простотой резиденция должна была создавать ощущение гармонии, настраивать на особое восприятие мира — радостное и беззаботное.

Берлин, Пруссия. Георг Венцеслаус Кнобельсдорф. Шлютер Андреас. Дворец Шарлоттенбург (Charlottenburg, 1696—1745).Первоначальное здание дворца (носившее имя Линценбург) было построено архитектором и скульптором Андреасом Шлютером в стиле итальянского барокко в 1696 г., при короле Фридрихе I. После смерти супруги Фридриха, королевы Шарлотты, дворец в ее честь был переименован в Шарлоттенбург. В последующие годы здание неоднократно расширялось. Именно здесь, в Шарлоттенбурге, была устроена знаменитая янтарная комната, впоследствии подаренная королем Фридрихом Вильгельмом I Петру Великому. При Фридрихе Вильгельме II архитектор Георг Венцеслаус Кнобельсдорф пристроил к замку с восточной стороны новый флигель.

Для живописи, скульптуры и графики рококо характерны камерные по духу галантные сцены, эротико-мифологические и пасторальные сюжеты, асимметричные композиции. В скульптуре рококо преобладали рельефы и статуи, предназначенные для убранства интерьера, небольшие статуэтки, группы, бюсты, в т. ч. из терракоты, расписного или неглазурованного фарфора (Ж. Б. Лемуан во Франции, И. И. Кендлер в Германии). Богатая тонкими переливами и несколько блёклая по колориту рокайльная живопись (на её стилистические особенности во многом повлияла декоративная изысканность произведений А. Ватто, эстетическое содержание творчества которого, однако, далеко выходит за идейные и художественные рамки рококо) также имела преимущественно декоративный характер (французские мастера Н. Ланкре, Ф. Лемуан, Ж. М. Натье, Ф. Буше, отчасти Ж. О. Фрагонар). Совершенно особенным очарованием обладают интимные, элегантные, грациозные, жеманные портреты эпохи рококо.

Преобладающим типом здания становится не дворец, а особняк-«отель», рассчитанный на одну семью. Архитекторы разрабатывают такой тип планировки внутренних помещений, который способен обеспечить уют со всеми возможными удобствами. Отель стал архитектурной нормой эпохи. В соответствии с этой нормой часто перестраиваются уже существующие помпезные здания дворцов, сохраняя торжественный внешний облик в духе классицизма. В интерьерах же массивные формы, пышность коринфского ордера, геометрическая правильность и строгость заменяются овалами, дугами, причудливым рокайльным орнаментом, стена становится легкой и хрупкой, либо почти растворяется под обилием изящного декора.

Архитекторы отдают предпочтение волнистым линиям, округленным углам, большое значение придается лепному и резному изящному орнаменту, мелкой пластике, живописи, мебели и, конечно, всевозможным «штучкам» — приятным мелочам, изящным, удобным, не только украшающим быт и создающим уют, но и облегчающим его.

Радикально изменяется внутренняя планировка помещений: здесь нет огромных парадных залов, торжественных лестниц, сквозных анфилад. Все помещения становятся небольшими, камерными, гораздо более замкнутыми и интимными.

Женственность и изящество становятся главными критериями красоты. Даже парадные помещения напоминают будуар — все в них интимно и камерно: светлые, нежные цвета отделки, обилие зеркал, кружевная вуаль орнамента, изящные изгибы стен, архитектурных деталей, мебели, каминов. Здесь нет ни одной цельной плоскости: все дробится лепниной и живописными вставками. Все части интерьера оказываются вовлеченными в эту прихотливую и беспечную игру цвета, линий и форм.

Интерьеры демонстрируют высокий уровень, которого достигает в эпоху рококо синтез искусств, продолжая в этом смысле, лучшие традиции барокко. Скульптура, живопись, лепнина, мебель, предметы декоративно-прикладного искусства создаются лучшими мастерами своего времени и выдерживаются в одном стиле.

С 1760-х гг. стиль рококо повсеместно вытесняется второй волной классицизма. В России веяния рококо, особенно сильны в середине XVIII века, проявились главным образом в отделке дворцовых интерьеров (в том числе созданных Франческо Бартоломео Растрелли-Младшим (Francesco Bartolomeo Rastrelli), лепном декоре зданий, в ряде отраслей декоративно-прикладного искусства (резьба по дереву, художественное серебро и фарфор, мебель, ювелирное искусство).

В итоге рококо, сменивший в свое время барокко, уступил место неоклассицизму. Однако присущий ему тонкий орнамент и пастельная, непременно с золотым компонентом, палитра продолжали вдохновлять следующие поколения оформителей, более того он послужил почвой для направления «ар-нуво», расцвет которого приходится на конец XIX-начало XX века, для которого также характерными были волнистые линии, асимметрия и растительный орнамент.

Что такое стиль рококо в искусстве, 173 картины, примеры в архитектуре, черты в живописи, особенности в культуре

Искусствоведы величают рококо самым легкомысленным и даже вульгарным из всех существовавших когда-либо стилей. Однако, он представляет интерес, как предмет изучения, поскольку в XVIII оказал непосредственное влияние на последующее развитие культуры России. Основные принципы этого направления можно видеть в фундаментальном градостроении обеих столиц и других старинных городов России. Картины, написанные в тот период, до сих пор хранятся в лучших музеях нашей страны, студенты изучают их в художественных вузах.

1 / 10

• Описание стиля
• Характерные черты, особенности стиля
• История возникновения «скального» стиля
• Рококо в России
• Отличие рококо от барокко, классицизма, сентиментализма, модерна, романтизма
• За что стиль рококо подвергался критике?
• Рококо в других видах искусства
• Влияние стиля на моду
• 10 художников рококо
• 10 известных картин в стиле рококо

Описание стиля

Название стиля произошло от французского слова rocaille, что в переводе означает «скальный». Этимологически термин «скальный» так же связан с декором гротов и парковых павильонов Версаля и Марли. В отличие cartoccio, voluta, (художественные элементы в виде закругленных уголков, завитков, спиралей), присущих барокко, завиткам «скального» стиля характерен разрушающий, атектонический характер. Характерным элементом стиля, давшим ему название, является рокайль – морская раковина. Это своеобразная форма завитка, напоминающего морскую раковину.

Впервые именно рококо внесло единство в интерьер. Едиными и гармонирующими стали стены, потолки, мебель в помещениях. Появилась некая цельность и в архитектуре.

Рококо ввел в моду различные безделушки, которые также украшались узорами и орнаментами, характерными для этого стиля. Тяготение к светлым тонам заметно и в живописи, и в декорировании стен, безделушек, обивке тканей на мебели. «Скальному» стилю присущи пастельные, светлые оттенки, белые, золотистые голубые сиреневые цвета.

Легкость, игривость, царившая в этом направлении искусства, создавалась асимметрией расположения декоративных элементов, их формой. В лепнине применяются обрамления, переплетения, завитки, головки амуров, разорванные картуши, гротеск, как сочетание, казалось бы, несочетаемых элементов. Гармонично вписалось в рокайль китайское искусство.

Характерные черты, особенности стиля

В архитектуре фасадов домов и дворцов в интерьерах господствуют резные по дереву или лепные узоры, разорванные картуши, головки амура, в скульптуре, в живописи целые фигурки амуров, изящные обрамления, завитки, напоминающие морские ракушки. Очертания дворцов, а соответственно и форма внутренних помещений приобретают округлые формы.

На стенах и потолках оформляются медальоны, внутри которых помещались фрески с пасторальными, мифологическими, реже – флористическими сюжетами. В аристократической Франции стены украшались шелковыми тканями, которые гармонично сочетались с портьерами и шторами на окнах, дверях. Стены плавно переходили в потолок, и эта плавность также достигалась посредством декоративных карнизов из гипса.

Рококо в живописи выразилось в легкой и жизнерадостной тематике картин. В них также преобладают светлые оттенки, лица центральных фигур счастливые и жизнеутверждающие. Если художник писал жизнь аристократов, то это либо счастливая сцена в гостиной, в будуаре, либо на лоне природы. В искусстве царствует чувственная эротика.

История возникновения «скального» стиля

Рококо как стиль в искусстве зародился во второй четверти XVIII века во Франции, и его возникновение совпало с периодом правления регентского совета, возглавляемого Филиппом Орлеанским по причине малолетства Короля Людовика ХV.

Вступив на престол, Людовик ХV правил Францией 58 лет. Это при нем рококо дало развитие всем направления искусств и стало своеобразным образом жизни.

Этот период правления короля по прозвищу Влюбленный, назвали эпохой рококо. Людовику XV принадлежат слова, ставшие пророческими: «после нас хоть потоп». Пока король и его приближенные предавались наслаждениям и чувственным радостям, экономика страны дряхлела, а сама страна нищала и приходила в упадок.

Сменивший Людовика Влюбленного, следующий король Людовик XVI, получил вместе с троном недовольное население в экономически ослабленном государстве.

Так получилось, что Людовик ХV в многочисленном семействе оказался единственным претендентом на трон, и потому его драгоценную жизнь оберегали, а его самого баловали, не озадачивая государственными делами. Он, по сути, не занимался управлением государством.

Сначала это делал за него герцог Орлеанский, потом кардинал Флери. В 1745 году он всецело подпал под влияние маркизы де Помпадур, которая по своему усмотрению назначала военачальников и своей расточительностью разоряла страну. Обнищавшие парижане начали с враждебностью относиться к своему королю.

Однако обнищание страны не мешало аристократии строить и обустраивать замки, шить дорогостоящие наряды, которые порой надевались всего один раз, и щеголять друг перед другом своей роскошью, порой эфемерной эфемерной.

После смерти маркизы де Помпадур, у короля появилась новая фаворитка – мадам дю Барри. Эти две дамы и супруга короля Мария Лещинская и стали законодательницами мод и стиля во Франции, из которой рококо перекочевал в соседние страны. Наивысшего расцвета в архитектуре рококо приобрел в Баварии.

Отдельным ответвлением стиля стало китайское направление, или шинуазри. В этом направлении присутствуют китайские мотивы и элементы. Так, в моду вошли чайные домики; тип женщин, похожий на китайские фарфоровые статуэтки и восточные элементы декорирования.

Основателем рококо в живописи принято считать французского художника Жана Антуана Ватто (1684-1721). Это член королевской академии живописи и скульптуры с 1712 года. Кисти Антуана Ватто принадлежат следующие творения:

• «Затруднительное предложение»;
• «Урок любви»;
• «Общество в парке»;
• «Любовная песня»;
• «Капризница» и др.

Творческая жизнь Антуана Ватто была короткой – всего лет 12, но у него появились последователи. Его картины стали образцом для творчества Франсуа Буше, который достиг совершенства в этом направлении.

Рококо в России

В России рококо расцвел во время правления Елизаветы Петровны, которая получила образование во Франции. Правда, в благочестивой, патриархальной России он не получил столь чувственной направленности и выражался более в архитектуре фасадов, интерьеров, в убранстве залов, чем в живописи или скульптуре. Впрочем, здесь можно вспомнить нескольких художников, работавших в рокайльной направленности:

• И.П. Аргунов. «Умирающая Клеопатра»,
• И.Я. Вишняков. Портрет Сары Элеоноры Фермор
• Б.В. Суходольский. «Астрономия».

Для Аргунова эта картина, скорее исключение из правил. Иван Петрович был склонен к классицизму, граничащему с реализмом. Это великолепный портретист, сохранивший истории лица императриц Елизаветы Петровны, Екатерины II, ряда видных государственных деятелей и аристократов, приближенных к царскому двору. Иван Вишняков тоже портретист, но он писал портреты во французском стиле рококо. Суходольский – мастер пейзажа и крупных композиций в том же стиле, характерном для галантного века.

В архитектуре стиль рококо отразился в следующих памятниках русской архитектуры:

• Китайский дворец и дворец Петра III в Ораниенбауме;
• Китайский театр в Царском селе;
• Летний дворец Елизаветы Петровны в Петербурге. Здание не сохранилось, но есть картина М. И. Махаева с его изображением и дающая полное представление о нем.

В зданиях, созданных итальянцем Растрелли, присутствуют элементы рококо и барокко. Так, в декоре уже упомянутого дворца Елизаветы Петровны присутствуют картуши, рокайли, маски львов, сдвоенные колонны, ризалиты, вазы, формирующие визуальную неровность стен. Архитектурный ансамбль дополняют статуи.

Отличие рококо от барокко, классицизма, сентиментализма, модерна, романтизма

Стиль рококо значительно отличается от других течений, бывших до него и возникших после. Хотя некоторые элементы одного стиля все-таки могут проникать в другие стилистические решения.

Барокко

Легкий и игривый стиль рококо пришел на смену помпезному, массивному, фундаментально тяжелому барокко. Он зародился в Италии и просуществовал около 100 лет.

В живописи барокко присутствуют глубокие переживания, картинам темные и зачастую контрастные, насыщенные цвета, в то время как в рококо напротив доминируют светлые цвета и оттенки, а настроение картин – радость, праздник, пасторально приятное время препровождение. На смену трагической религиозности пришли языческие сюжеты из древнегреческой и древнеримской мифологии. Стилю рококо в живописи и архитектуре присуща эротика – игривая, пикантная, жизнеутверждающая.

Одновременно с тяжеловесным барокко и строгим классицизмом в средневековом искусстве XII-XVII веков существовал готический стиль. Он проявился в возведении храмов монастырей, соборов. Готика в литературе – это ужасные сюжеты с потусторонними сущностями, с вампирами, происходившие с литературными героями в старинных готических замках.

Классицизм и неоклассицизм

Классицизм соседствует с уходящим барокко и господствующим рококо. Этот стиль придерживается античной направленности в архитектуре, скульптуре и живописи. Классицизм, классика означают образцовость.

В нем нет тяжеловесной вычурности, присущей барокко, отсутствует также фривольность, присущая рококо. Архитектурные элементы применяются, но они строго симметричные, правильные. В архитектуре классицизма присутствуют:

• колонны и полуколонны;
• треугольные фронтоны;
• барельефы в круглых или овальных медальонах,
• статуи, в том числе кариатиды и атланты, поддерживающие балкон, или иную конструкцию;
• ротонды на крыше как правило треугольные.

Черты, характерные для эпохи античности, также присутствуют в живописи и скульптуре. Классицизму характерна идеализация формы тела. Женщины изображаются более женственными и изящными, чем есть на самом деле, а мужчины – атлетически сложенными.

Сентиментализм

Сентиментализм переводится как чувство, чувственность, и, казалось бы, философия этого стиля должна быть близкой стилю рококо. Однако сентиментализму присуще сопереживание, сочувствие, в то время как в рококо каждый живет для себя, любит и радуется жизни по-своему.

Сентиментализм проповедует культ нравственной чистоты, неиспорченности, утверждение богатого духовного мира в человеке, чаще у представителей низшего сословия. В стиле сентиментализма творили художники Ван Дейк, Дж. Ромини, Дж. Рейнолдс, У. Хор. Сентиментализм нашел благодатную почву в русской патриархальной культуре.

Модерн

Модерн как художественный стиль пришел на смену рококо на рубеже XVIII-XIX веков. Второе его название арт-нуво (новое искусство). Этот стиль зародился в Англии, а свое развитие получил во Франции и продержался более 100 лет, до первой мировой войны.

Это был стиль развивающейся буржуазии, ее основанием служили органичность, простота и функциональность. Арт нуво начал распространяться в другие страны Европы благодаря Всемирным выставкам, на которых выставлялись достижения современных для того времени технологий и прикладного искусства.

Характерная черта модерна — отказ от прямых линий, углов в пользу плавных, обтекаемых форм, приближенным к растительным. Арт-нуво свел к минимуму наличие узоров, завитушек, картушей и других декоративных элементов.

Романтизм

Романтизм, как направление в искусстве просуществовал недолго. Он был порожден революционными, бунтарскими настроениями, царившими в Европе. Он торжествовал в литературе и живописи, характеризовался изображением сильных характеров, противопоставляющих себя существующему миропорядку. Романтизм противопоставляется классицизму.

Основные представители романтизма в живописи — Франсиско Гойя, Антуан-Жан Гро, Карл Шпицвег, Люси Мэдокс Браун. Ярким представителем романтизма в литературе был лорд Байрон. В русской литературе ему подражали Лермонтов, Пушкин, Бестужев-Марлинский и другие.

Показать таблицу

Виды искусства →	Живопись и скульптура	Архитектура	Литература	Музыка
Стили↓
Барокко. (причудливый) Центр стиля Италия	Фантастические, библейские сюжеты, пестрота палитры и броскость сюжета, подчеркнутая театрализация образов	Склонный к излишествам в декорировании стиль барокко особенно ярко проявился в архитектуре Италии	отражение действительности в более в фантастически оригинальной художественной форме.	В музыке барокко преобладает полифония. Яркий представитель стиля И.-С. Бах.
Классицизм (образцовый) и неоклассицизм	Воспроизведение античности, идеализация тела.	В основу положены традиции античной архитектуры, строгая симметрия элементов.	Основоположник литературного классицизма – француз Буало. Основные черты – строгое деление на положительных и отрицательных героев, античная тематика, любовные треугольники. Классицистами в литературе считаются Корнель, Расин, Мольер, Лафонтен, Ларошфуко.	В классической музыке обращается внимание на тщательную отделку деталей, сбалансированность частей произведения. Яркие представители классицизма – Й. Гайдн, В. А. Моцарт и Л. ван Бетховена.
Сентиментализм (чувствительный)	Темы в изобразительных искусствах: отношения человека и природы, наслаждение семейными радостями, усилительные, например, детские образы.	В архитектуре суть сентиментализма выразилась в формировании пейзажного парка, в стремлении, соединить архитектуру с природой.	Классическим примером сентиментализма в Русской литературе является повесть Карамзина «Бедная Лиза». В литературных произведениях основной упор делается на чувства, переживания героев.	Воздействие музыки на эмоции, чувства человека. В русской музыке примером стиля служит опера Пашкевича В русской музыке примером служит опера «Несчастье от кареты»
Модернизм (новый) и постмодернизм	Модернизм в искусстве объединяет несколько новых порой, противоположных направлений. Сюда относится кубизм, импрессионизм и др.	Модернизм в архитектуре связан с образованием новых материалов, с использованием железобетона. В градостроительстве наблюдается отказ от принятых форм и направлений в и переход к новому	В литературе характеризуется отходом от классических форм, переосмыслением и поиском новых. Повествование становится раздробленным.

За что стиль рококо подвергался критике?

После смерти мадам Помпадур критике подвергся Франсуа Буше за непристойности, откровенный эротизм. В легковесности, отсутствии идейности подвергались критике и другие художники, творившие в этом стиле. Критиковали как правило, классицисты, не позволявшие себе ничего лишнего, и идеологи барокко, возвышавшие страдания души и тела.

Однако стиль мадам Помпадур и Людовика XV сыграл огромную роль в развитии искусства в целом, показав, что простые человеческие радости не могут быть чуждыми творчеству, и напротив, они даже весьма привлекательны и востребованы.

Мастера рококо создали искусство для человека, и поставили человека в центр творческого начала. Этот стиль оказал влияние на последующие развитие искусства, в частности на импрессионистов.

Рококо в других видах искусства

Легкий фривольный стиль рококо проник во все сферы искусств: в скульптуру, архитектуру, ландшафтный дизайн.

Скульптура

В скульптуру тоже проникла чувственная игривость, легкость и камерность форм. В этот период преобладают бюсты, небольшие садовые фигурки и группы. Дворяне заказывают скульпторам для своих роскошных парков, садов, купален фигурки нимф, амуров. В стиле рококо работают известные скульпторы:

• Жан Батист Пегаль, колебавшийся между неоклассицизмом и рококо. В середине XVIII столетия он пользовался покровительством маркизы де Помпадур. В стиле рококо изваял скульптуры.
• Ж.-Б. Лемуан – любимый скульптор Людовика XV. Создал великолепную портретную галерею великосветской аристократии той эпохи. Его изящные барельефы до сих порт украшают старинный отель Сувиз в Париже.
• Этьен Морис Фальконе, еще один французский скульптор, представитель неоклассицизма, но пользовавшийся покровительством все той же маркизы де Помпадур. В стиле рококо он создал фигуры «Музыка», «Амур», «Купальщица», скульптурную группу «Пигмалион и Галатея». С 1757 года он возглавлял фарфоровую мануфактуру в Севре. Этьен Фальконе является автором знаменитой фигуры Петра первого в Санкт-Петербурге, получившего название «Медный всадник» с легкой руки Пушкина.
• Огюстен Пажу – французский скульптор. Ему покровительствует мадам Дю Барри, чей бюст он увековечил. Ее называли великой блудницей, но в фигуре созданной этим скульптором, зритель видит умное, одухотворенное лицо красивой женщины, знающей себе цену.

Архитектура

Архитектура – это не просто наука или отрасль строительства. Это целое искусство, получившее расцвет в XVII-XVIII веках. Стиль рококо проник и увековечил себя и в этой сфере.

Отель Субиз, Франция

Неподражаемым образцом стиля служит отель Субиз в столице Франции. Во всей своей полноте характер стиля выражен в Китайском домике в Потсдаме. Тут и округлые формы (сам домик имеет форму листа клевера) и обилие позолоты, и колонны, завершающиеся невероятным числом декоративных элементов, и скульптурные композиции, в числе которых фигурка мандарина, сидящего под зонтом на крыше.

В стиле рококо выстроены:

• Дворец Келуш в Португалии. Архитектор – Матеуш Винсенте де Оливейра;
• Церковь Франциска Ассизского в Оуру-Прету архитектора Алейжадинью;
• Дворец Шарлоттенбург – летняя резиденция для прусских королей. Дворец выстроен в западной части Берлина.

Ландшафтный дизайн

Особенно стиль рококо проявил себя в ландшафтном дизайне своего времени. Парки и сады украшались гротами, беседками. На смену тяжеловесным лестницам, пришли китайские сады с мостиками и ручейками, павильоны, искусственно созданные гроты, криволинейные дорожки, лабиринты, обсаженные густой изгородью из вьющихся растений.

Иллюзорность – еще одна характерная черта рококо. Элементы паркового ландшафта создавали некую иллюзорность пространства. Непременным атрибутом парков и садов были скульптурные композиции и фигурки мифических героев: амуров, купальниц.

Интерьер

Рококо в интерьере – это прежде всего обилие света и золота. Обивки тканей, цвет мебели выбираются светлые: цвет дерева – выбеленный или золотисто светлый. Ткани сиреневые, бежевые, золотистые. На стенах легкие, ажурные обрамления, образующие медальоны, углы также сглажены лепными карнизами. Потолки однотонные, или украшенные панно в обрамлениях. Проемы окон и дверей декорированы лепными аркадами.

На смену просторным апартаментам приходят уютные небольшие комнатки, в которых игривый рококо нашел себе место. В новом стиле отделывались будуары, спальни и личные кабинеты аристократов. В ХVIII веке было в порядке вещей принимать посетителей, лежа в постели, поэтому спальни часто отделывались, как парадные.

Музыка

Музыка тоже ощутила на себе влияние галантного века. Стиль рококо выразился в легких, танцевальных мотивах, в обилии фонетических украшений, мелизмов.

Главным требованием к музыкальным произведениям была возможность наслаждаться звучанием музыкального инструмента. Произведения в стиле рококо не требовали, чтобы над ними размышляли, переживали, плакали. Музыка, как и все, окружавшее бытие аристократов, служила наслаждениям и развлечениям. Ее писали в основном для клавесинов, виолы, скрипки и гобоя.

Яркими представителями стиля были следующие композиторы:

• Франсуа Куперен (1668 — 1733), автор ряда инструментальных пьес и концертов для клавесина,
• Жан Филипп Рамо (1683 — 1764), создатель опер «Галантная Индия», «Празднества Гебы, или Лирические дарования», «Саид», и лирических музыкальных комедий «Платея» и «Паладины» (1760).
• Андре Кампра (1660 — 1744) — автор опер-балетов «Галантная Европа» (1697), «Венецианский карнавал» (1699), «Венецианские празднества]» (1710)

Инструментальные или сценические произведения демонстрируют невероятно слаженное единство архитектурой и дизайном интерьеров, с живописью и скульптурой, с аристократическим бытом времени, получившего название галантного века.

Влияние стиля на моду

Философией стиля рококо был праздник, получение удовольствия, любовь. Об этой эпохе известный русский поэт Александр Пушкин сказал, что в нем царствовали женщины.

Законодательницами стиля и моды стали мадам дю Барри, Маркиза де Помпадур, Мария Лещинская. Первые две были фаворитками короля. Мария Лещинская – польская принцесса, ставшая супругой Людовика XV. Она была старше короля на 7 лет.

Пара. Вечеринка под открытым небом
Иоганн Георг Платцер

В этот период наблюдалась феминизация культуры. Женщины проявили свои способности и таланты в целом ряде отраслей искусства: и это не могло не сказаться на моде. В ней доминирует тонкая талия, округлые бедра, подчеркиваемые нарядом, маленькие руки, высокая, изящная грудь, маленькая головка на тонкой шее, такое подобие китайской фарфоровой статуэтки.

Любовное письмо
Жан-Оноре Фрагонар

Женщину с такими «идеальными» формами можно увидеть и в живописи. Например, в картинах Франсуа Буше «Любовная записка». Глядя на портреты маркизы де Помпадур, выполненные кистью этого же живописца, начинаешь понимать, кому старались подражать французские дамы.

Любовное письмо
Иоганн Георг Платцер

Прически приобрели яйцевидный силуэт. На картинах Буше и Фрагонара головки дам не прилизанные, но и высоких фигур из волос нет ни у кого. Прически у дам умеренной пышности, часто подвязаны лентой или собраны под изящными заколками. Укладка волос больше тяготеет к естественной, природной легкости.

Силуэт женского платья был похож на перевернутый бокал. Тонкую талию дамы старались получить, затягивая себя корсетом, а для пышности бедер в юбку вставляли каркас из китового уса, ивовых прутьев, сплетенного конского волоса.

Костюмы аристократов сверкали золотом и драгоценными камнями. Даже пуговицы и пряжки делали из сверкающих драгоценных камней. Мужчины носили белые рубашки, украшенные кружевными жабо, или надевали шейные платки.

10 художников рококо

В искусстве Европы увековечили свои имена не один десяток живописцев. Покровительство королевского двора Людовика XV творческим и талантливым людям тоже дало толчок развитию искусства в стиле рококо во Франции. Яркую плеяду художников подарила Италия.

Жан Антуан Ватто (1684-1721)

Антуан Ватто считается основателем «ракушечного» стиля в живописи. Он прожил короткую жизнь – всего 37 лет, но это была жизнь, не простая, наполненная лишениями, трудом, поиском своего стиля, своей направленности в творчестве и по мере утверждения себя в искусстве, расцветал его талант.

Его картины:

• «Венера и Марс»,
• «Сатир и нимфа»,
• «Пьяный Силен»
• «Святое семейство».

Паломничество на остров Киферу
Жан Антуан Ватто

Его картина «Паломничество на остров Киферу» стала пропуском в Королевскую академию художеств. И считается вершиной творчества живописца. На создание этого творения художник потратил 5 лет. Сохранилось 2 варианта, 2 картины, написанных на эту тему. Один вариант хранится в Лувре, второй – в Берлине.

Франсуа Буше (1703- 1770)

Художник Франсуа Буше считается основным представителем французского рококо. Он родился в Париже. Этот талантливый художник, ставший страстным последователем Ватто, стоял у истоков рококо в живописи. Он создал более 300 полотен.

Его кисти принадлежат несколько портретов маркизы де Помпадур, картины в жанре пасторали на тему древнегреческой и древнеримской мифологии, сцены из библейской жизни.

Имя Франсуа Буше увековечили следующие полотна:

• «Диана после купания»,
• «Марс и Венера»,
• «Туалет Венеры»,
• «Венера и Купидон».

Кроме этого, Буше оставил небольшие рисунки, он создал гравюры, иллюстрации для книг Боккаччо, Мольера, Овидия, декорации для спектаклей и опер королевского театра, расписывал севрский фарфор, веера, писал миниатюры и т. п.

Уильям Хогарт (1697-1764)

Английский художник, представитель английской художественной школы, Уильям Хогарт иллюстрировал книги, создавал гравюры, работал, не останавливаясь на достигнутом, создавал новые жанры.

Уильям Хогарт с детства увлекался рисованием, отличался наблюдательностью и способностью отмечать мелкие детали. Предпочитал рисованию учебу в начальной школе. Обучался у известного гравера Эллиса Гэмбла, работавшего с серебром.

Его картины:

• «Музыкальная вечеринка»,
• «Собрание в доме Ванстед»,
• «Предвыборный банкет»,
• «Семья Фаунтейн».

Хогарт создавал художественные тематические серии. Так, серия «Карьера проститутки» состояла из 6 картин. Следующая серия картин «Модный брак» в основу гравюрных оттисков.

Джованни Баттиста Тьеполо (1696-1770)

Последний представитель венецианской школы. Он родился в Венеции, в отличие от большинства известных живописцев ему не пришлось никуда ехать, чтобы учиться. Он обучался у Грегорио Ладзарини и Себастьяно Риччи. Его супруга Мария была сестрой известных живописцев Гварди.

Тьеполо был ярким представителем Итальянского рококо. Он писал не только картины. В итальянских храмах сохранились его фрески. Это, как известно, одно из самых сложных направлений в живописи.

Его картины:

• «Вакх и Ариадна»,
• «Пир Клеопатры»,
• «Венецианский шарлатан».

Тема Вакха и Ариадны, начатая Тицианом в XVI веке, привлекала в период галантного века и других художников

Николя Ланкре (1690-1743)

Николя Ланкре – значимый представитель Парижской школы. На него глубокое влияние оказало творчество Антуана Ватто. Ланкре был членом, а позднее и советником Королевской Академии живописи и скульптуры писал сцены сельских прогулок, увеселений, пасторали, маскарады.

Его кисти принадлежат картины:

• «Концерт в парке»,
• «Танец у фонтана»,
• «Качели».
• «Портрет танцовщицы Камарго».

Семь картин этого художника хранятся в Эрмитаже.

Луи Мишель ван Лоо (1707—1771)

Живописец, портретист Луи Мишель ван Лоо – самый яркий и талантливый представитель художественной династии Ван Лоо и один из мастеров художественного портрета, работавших в стиле рококо. Обучался сначала у своего отца, а позднее, в Париже у Франсуа Буше.

В 1737 году ван Лоо получил приглашение в Мадрид, в качестве придворного художника короля Испании Филиппа V. В Мадриде он занимается и преподает начинающим живописцам. Придворный портретист. В его картинах обращает на себя внимание фотографическая точность, скрупулезное отношение к мельчайшим деталям.

Его картины:

• «Филипп V и Елизавета Фарнезе»,
• «Двор Людовика XV»,
• «Маркиза де Помпадур и Мариньи».

Этим художником созданы также портреты некоторых исторических деятелей — Дидро, Мишеля-Этьена Тюрго.

Луис Эухенио Мелендес (1716-1780)

Луис Мелендес родился в Неаполе, а позднее семья переехала в Мадрид. Его отец Франциско Мелендес стоял у истоков создании Королевской академии в Мадриде в 1744 году. Но после ссоры с руководством академии он был удален из нее и зарабатывал частными заказами.

Этот конфликт сыграл негативную роль и в жизни его сына Луиса, который не смог добиться должности придворного художника и умер в бедности. Луис Мелендес – представитель академического направления в искусстве, но в его натюрмортах просматривается живой, игривый стиль рококо.

Автор картин:

• «Натюрморт с грушами и дыней»,
• «Испанский натюрморт»,
• «Абрикосы и вишни».

Последние годы жил и работал в Испании, в Мадриде.

Жан-Оноре Фрагонар (1732-1806)

Французский живописец и гравёр. Создал более 500 картин в стиле рококо (не считая рисунков и гравюр). Обучался в Риме у известных художников Бароччо, Пьетро да Кортона, Солимена. На раннем этапе своего творчества работал над историческими сюжетами.

Его картина «Корес и Каллироя» стала для него пропуском в королевскую академию художеств. Впоследствии увлекся более востребованным направлением. Его картины в стиле рококо: «Спящая нимфа», «Амур, снимающий сорочку с красавицы» «Купальщицы», «Молодой гитарист».

Иоганн Георг Платцер (1704-1761)

Иоганн Георг Платцер – австрийский живописец, родившийся в графстве Тироль. Писал мифические и исторические сцены. Почти всю свою жизнь прожил в Типпане. Обучался у своего дяди, придворного художника. В своем творчестве Платцер отдавал предпочтение мифологическим или светским праздникам. И в то же время в его сюжетах всегда присутствовал скрытый смысл.

Его картины:

• «Сцена с фонтаном перед дворцом»,
• «Александр Македонский получает ключи от Вавилона»,
• «Царица амазонок Фалестрис в лагере Александра Македонского»,
• «Латона превращает ликийских крестьян в лягушек».

Серия из 4 картин тему «Удовольствия четырех сезонов», отражает каждое из времен года: весну, лето, осень и зиму.

Томас Гейнсборо (1727 – 1788)

Английский портретист Томас Гейнсборо родился в Сэдбери, графство Суффолк. Автор многочисленных портретов с не меньшим успехом создавал пейзажи, от работы над которыми получал наслаждение. Считается представителем английского рококо. Томас Гейнсборо считается основателем пейзажной школы в Британии.

Автор полотен:

• «Пейзаж в Саффолке»,
• «Возвращение крестьян с рынка»,
• «Утренняя прогулка.
• «Портрет сквайра Уильяма Хэллета с супругой Элизабет»,
• «Портрет миссис Ричард Бринсли Шеридан».

Пейзажи, картины природы нередко служили фоном в портретах, как например, в картинах «Джорджиана, герцогиня Девонширская», «Групповой портер детей Маршам».

10 известных картин в стиле рококо

Стиль французской аристократии значительно обогатил мировое искусство творениями живописи архитектуры и скульптуры. Немало картин того периода хранятся в мировых музеях, картинных галереях, частных коллекциях. Здесь приведем 10 картин, получивших мировое признание.

«Портрет балерины Парижской Оперы Мари-Мадлен Гимар»

Портрет балерины Парижской Оперы Мари-Мадлен Гимар
Жан-Фредерик Шаль

Автор – французский живописец Жан-Фредерик Шаль. Героиня картины – классическая представительница женского типажа, принятого в рококо. В этом художественном произведении преобладают светлые пастельные тона. На балерине белоснежное с розовым платье, из-под которого выглядывает маленькая, изящная ножка в розовых туфлях. Фоном для портрета служит сад. На заднем плане едва угадывается каменная постройка.

«Вакх и Ариадна»

Вакх и Ариадна
Иоганн Георг Платцер

Картина написана художником Иоганном Георгом Платцером. На ней изображена сцена праздничного застолья мифических героев. В картине преобладают золотистые и голубые оттенки. Фигуры участников застолья отливают золотом. Элементы стиля также выражены в изображении посуды, садовой архитектуры, изображении деревьев, фигур людей.

«

Молодая читательница»

com/pin/create/button/?url=https://art-dot.ru/rokoko/&media=https://art-dot.ru/wp-content/uploads/2020/11/zhan-onore-fragonar-molodaya-uchitelnitsa.jpg&description=Стиль рококо в живописи, искусстве и архитектуре: черты, примеры, художники, особенности, картины» data-width=»600″ data-height=»400″/>Молодая учительница
Жан Оноре Фрагонар

Автор портрета – Жан Оноре Фрагонар. Картина написана в 1769 году. На ней изображена молодая женщина, читающая книгу. В портрете использована присущая рококо цветовая гамма. Большая подушка за спиной олицетворяет собой комфорт и наслаждение.

«Качели»

Качели
Фрагонар

Это еще одна картина Фрагонара. На ней изображена молодая женщина, катающаяся, а точнее, взлетающая на качелях. Именно ощущения полета выражено кистью мастера. Упавший впереди мужчина и стоящий на заднем плане — поклонники женщины, пытающиеся ухаживать за ней. Молодая женщина в персиковом платье изображена на фоне темного неба. Очевидно, действие происходит вечером, напоенным любовью и романтизмом.

«Юпитер и Калисто»

Юпитер и Калисто
Франсуа Буше

Великолепное полотно, выполненное художником Франсуа Буше. Эта картина – яркое воплощение стиля рококо. Все в ней дышит эротизмом и чувственностью, которую подчеркивают кружащиеся над головой влюбленных амуры. Цвета, использованные в картине, тоже подчеркивают влюбленность героев

«Радости бала»

com/pin/create/button/?url=https://art-dot.ru/rokoko/&media=https://art-dot.ru/wp-content/uploads/2020/11/antuan-vatto-radosti-bala.jpg&description=Стиль рококо в живописи, искусстве и архитектуре: черты, примеры, художники, особенности, картины» data-width=»600″ data-height=»400″/>Радости бала
Антуан Ватто

Антуан Ватто. Одна из первых картин художника, написанная в 1714 году. Это полотно интересно еще и тем, что дает представление об архитектуре того времени. Полотно хранится в картинной галерее Дальвичского колледжа в Лондоне.

«Портрет императрицы Елизаветы Петровны»

Портрет императрицы Елизаветы Петровны
Иван Аргунов

Портрет написан в стиле рококо, входившем в российскую моду русским живописцем Иваном Аргуновым. На картине обращает на себя внимание сходство императрицы с ее отцом Петром I. Тяжелый атлас ее платья, синяя лента на груди и орден говорят о принадлежности дамы на портрете к власти. Предположительно, портрет был написан в конце 60-х годов XVIII века.

«Утренний шоколад»

Утренний шоколад
Пьетро Лонги

Художник – Пьетро Лонги. На картине хозяйка принимает гостей, находясь в постели. Один из присутствующих – священник с молитвословом, Слуга держит кофейник и чашечку с шоколадом, очевидно для хозяйки. И еще один герой картины тоже угощается горячим шоколадом. На картине, созданной в 1775-80 годах, отображен начинавший входить в моду обычай пить по утрам горячий шоколад.

Геркулес и Омфала

Геркулес и Омфала
Франсуа Буше

Франсуа Буше изображает откровенно эротическую сцену. Согласно мифологии, Омфала была царицей Лидии, а Геракл оказался проданным ей в рабство. Но между рабом и царицей вспыхнула страсть. Красный цвет ложи, розовый палантин над постелью влюбленных, путти говорят, как раз, об этой любовной страсти.

 «Сцена в фонтане перед дворцом»

Сцена в фонтане перед дворцом
Иоганн Георг Платцер

Сцена, изображенная Платцером в этой картине, показывает, как развлекаются дворяне в жаркий летний день, забыв об этикете и скромности. Картина была создана между 1730-35 годами, и сейчас хранится в замке Скуклостер в Швеции.

V&A · Стиль рококо – введение

Рококо был, пожалуй, самым бунтарским из стилей дизайна. Часто описываемый как окончательное выражение движения барокко, он был исключительно декоративным и театральным — стиль без правил. По сравнению с порядком, утонченностью и серьезностью классического стиля рококо считалось поверхностным, дегенеративным и нелогичным.

Рококо впервые появился во Франции в 1720-х и 30-х годах как стиль, разработанный мастерами и дизайнерами, а не архитекторами, что объясняет, почему он встречается в основном в мебели, серебре и керамике.

Рококо получил свое название от французского слова «рокайль», что означает скала или разбитая раковина – природные мотивы, которые часто составляли часть орнаментов, наряду с рыбами и другими морскими декорациями. Лист аканта ( Acanthus mollis ), или, скорее, сильно стилизованная его версия, также был фирменным мотивом. Еще одной ключевой особенностью дизайна является изогнутый асимметричный орнамент, форма которого часто напоминает буквы «S» и «C», а одна половина рисунка не соответствует другой.

Слева направо: письменный шкаф, вероятно, Михаэль Киммель, 1750–1755 гг., Дрезден, Германия. Музей №. В.63-1977. © Музей Виктории и Альберта, Лондон; Ваза, фарфоровая фабрика Челси, ок. 1758–1768 гг. 828-1882. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Рококо процветало в английском дизайне между 1740 и 1770 годами. Впервые оно появилось в Англии в серебре и орнаментальной гравюре в 1730-х годах, когда ключевую роль в его развитии сыграли художники-иммигранты и ремесленники, в том числе беженцы-гугеноты из Франции, такие как Поль де Ламери. распространение.

Слева направо: Корзина, Поль де Ламери, 1742–1743 гг., Лондон, Англия, серебро. Музей №. М.6-2001. © Музей Виктории и Альберта, Лондон; Камерный подсвечник, Поль Креспин, 1744 – 45, Лондон, серебро. Музей №. М.2-1980. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Большое значение имела также Академия Сент-Мартинс-Лейн, известная сегодня как Королевская академия художеств, которая была организована в 1735 году художником Уильямом Хогартом (1697–1764) из кружка художников и дизайнеров, собравшихся в кофейне Слотера на верхнем этаже. конец Сент-Мартинс-лейн, Лондон. Этот художественный набор, в который входили, среди прочего, книжный иллюстратор Юбер-Франсуа Гравело (169 г.9 — 1773) и художник Андиен де Клерман (умер в 1783 г.), а уроки рисования, которые они проводили в академии, оказали большое влияние на введение и продвижение стиля рококо в Англии.

Эскиз интерьера в стиле рококо работы Джона Линнелла, около 1755 г., Англия. Музей №. Е.263-1929. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Многие считали, что нации не хватает дизайна и необходимых навыков, чтобы конкурировать с импортными французскими товарами, что привело к инициативам по улучшению стандартов дизайна в те годы, когда рококо был в ходу в Великобритании. С 1742 года дизайнеры мебели и краснодеревщики Матиас Лок и Генри Копленд опубликовали серию гравюр, которые представили отчетливо британскую форму завитков в стиле рококо. Этот стиль получил широкое распространение в резьбе по дереву и других декоративных работах и ​​впоследствии доминировал в дизайне британского рококо до середины 1760-х годов. Впервые в Британии большинство гравюр имели оригинальный дизайн, а не копии континентального производства. Тем не менее, британские дизайнеры продолжали подражать современным французским изделиям из серебра, фарфора и мебели, которые производились в верхней части рынка.

Слева направо: оттиски из «Новой книги украшений с двенадцатью листами», Матиас Лок и Генри Копленд, 1752 год, Лондон, Англия. Музейные номера. Е.2809-1886 и Е.2810-1886. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

В 1740-х и 1750-х годах в Англии было издано множество сборников орнаментов в стиле рококо, выпущенных Локком и Коплендом. Их популярность обусловлена ​​сложными и неправильными трехмерными формами стиля рококо и его упором на разнообразие и изобретательность, что предъявляло высокие требования к навыкам проектирования и моделирования британских мастеров. Эти проекты были в основном предназначены для мастеров и дизайнеров и оказали огромное влияние на распространение стиля рококо. Вместо того, чтобы копировать весь дизайн, резчики по дереву черпали их для вдохновения, вырезали и добавляли свои собственные идеи.

Самый влиятельный отдельный набор оттисков выкроек был выпущен в виде сборника дизайнов мебели. «Директор джентльмена и краснодеревщика» Томаса Чиппендейла Старшего был опубликован сначала частями, а затем в виде сборника в 1754 году. Эта книга открыла новые горизонты как в качестве источника дизайнерских идей, так и в качестве сборника образцов для потенциальных клиентов. Выкройки оказали наибольшее влияние на мелких производителей мебели, в основном за пределами Лондона.

Откройте для себя выбор принтов с узорами из Директора джентльменов и краснодеревщиков в нашем слайд-шоу ниже:

Фоновое изображение: Эскиз рамы в морской тематике, пластина № 187 в книге «Джентльмен и директор краснодеревщика» Томаса Чиппендейла, издание 1762 года, Лондон. Музей №. 2594. © Музей Виктории и Альберта, Лондон,

.

Искусство рококо

Искусство рококо

Подобно тому, как строительство Версаля связано с Людовиком XIV, самое значительное художественное движение во Франции первой половины XVIII века связано с его сыном Людовиком XV. Термин рококо происходит от французского слова, означающего «раковина», потому что мотив раковины гребешка распространен во внутреннем убранстве рококо. В то время как внутреннее убранство в стиле рококо распространилось на другие страны, особенно в Германию, стиль живописи, называемый рококо, является преимущественно французским явлением. Вот некоторые выдающиеся характеристики:

• Искусство рококо, иногда называемое «женской» версией стиля барокко, ассоциируется с аристократией. Как правило, на картинах изображены аристократы или аристократический досуг — например, ритуалы ухаживания, пикники в гармоничной природной среде, экскурсии в романтические места.
• На картинах изображены красивые аристократки в роскошных одеждах. Фигуры высокие и стройные, изящные и грациозные.
• Часто на картинах изображена мирная природная обстановка с перистыми деревьями и ветками листвы. Это весенние или летние декорации без намека на дождь или какое-либо природное явление, которое может нарушить счастье актеров в декорациях. Часто в этих природных «парках» изображают статуи; статуи иногда комментируют действие на картинах (например, Венера и ее сын Купидон могут одобрять происходящие флирты).
• Цвета нежные, часто пастельные. Иногда розовые розы появляются в неестественном изобилии.
• Обычно это счастливые картины, как будто людям на них наплевать на весь мир — за исключением, возможно, того, что их любовь не будет возмещена. Хотя этот стиль в искусстве современен сатире в литературе, эти художественные произведения очень различны по настроению и тематике.

	Антуан Ватто (1684-1721)
	Посадка на Cythera 1717
	На этой картине, одном из самых известных образцов искусства рококо, изображена группа аристократов, возвращающихся с мифического острова Кифера, места, связанного с Венерой. Сколько из перечисленных выше характеристик вы видите в этой работе?
	Мезетин 1718
	Ватто также интересуется психологией любви. Предположительно мужчина на этой картине ухаживает за женщиной, но статуя на заднем плане может указывать на то, что его ухаживания отвергаются. Эта работа имеет меланхолическую тему, но ее отвергнутость в любовном костюме вряд ли имеет серьезность некоторых религиозных или политических тем, которые мы исследовали в искусстве периода барокко.
	Франсуа Буше (1703-70)
	Маркиза де Помпадур 1756
	Это типичный портрет в стиле рококо. Аристократка, любовница Людовика XV, элегантна, красиво одета и причесана, у нее есть необходимая комнатная собачка. (У аристократов есть большие охотничьи собаки, у бедняков — дворняги, а у «дам» — маленькие комнатные собачки.) Обратите внимание на обилие роз.
	Ванна Дианы 1742
	Буше известен своим изображением обнаженной женщины. Как правило, у этих женщин красивые черты лица куколки, фарфоровая плоть и стройное, но зрелое тело. Этот предмет сделан «респектабельным», потому что Диана — мифическая фигура.
	Лежащая девушка 1752
	Однако это не мифическая женщина; она еще одна любовница Людовика XV. Абсолютистский монарх имеет определенные сексуальные привилегии! «Божественное право» королей, по-видимому, не означало, что царь подчинялся Заповедям Божества.
	Жан-Оноре Фрагонар (1732-1806)
	Качели ок. 1766-69
	На этой знаменитой картине изображены играющие и флиртующие аристократы. Скрытый мужчина слева заглядывает под нижнюю юбку своей возлюбленной, когда ее туфля слетает. Какие еще элементы росписи в стиле рококо здесь очевидны?
	Встреча 1771-3
	Эта картина является первой в серии под названием «Прогресс любви». Здесь романтический парень перепрыгивает через стену, а его возлюбленная кажется удивленной. Она? Статуя может прокомментировать событие, сказав: «Еще нет». Обратите внимание на элегантный открытый парк, снова с розами и перистыми деревьями.
	Украденный поцелуй ок. 1766
	Аристократы снова в игре. Но обратите внимание на дату. Немногим более чем через два десятилетия аристократы будут беспокоиться о своих головах, а не о украденных поцелуях.
	Элизабет Виге Лебрен (1755-1842)
	Автопортрет 1790
	Прежде чем покинуть Францию, мы должны отметить, что работы известной художницы 18-го века, которая была очень известна, пользуются международным уважением. Виже Лебрен была одной из двух женщин-членов Французской академии художников — редкая привилегия и дань уважения как ее таланту, так и политическим связям.
	Мария-Антионетта 1784 Хьюберт Роберт 1788
	Она специализировалась на портретах, рисуя как коллег-художников, так и аристократов, обычно льстив последним в своих изображениях. Она сделала ряд портретов жены Людовика XVI, Марии-Антуанетты, которая позже была казнена, как и он, во время Французской революции.
	Варвара Ивановна Ладомирская 1800
	Во время Французской революции Виж Лебрен бежала в Россию, где затем писала картины русских аристократов.
См. также этот сайт для получения дополнительной информации об искусстве рококо.

---

История искусства для гуманитарных наук : Copyright 1997 Колледж Блаффтона.
Текст и изображения подготовлены Мэри Энн Салливан. Дизайн Джеральда В. Шлабаха.

Все изображения с пометкой ^MAS были сфотографированы на месте Мэри Энн Салливан. Все остальные изображения были отсканированы из других источников или загружены из всемирной паутины; они размещены на этом защищенном паролем сайте в образовательных целях только в Bluffton College в соответствии с пунктом о «добросовестном использовании» закона США об авторском праве.

Страница поддерживается Джеральдом В. Шлабахом, [email protected]. Последнее обновление: 5 мая 1998 г.

---

Что такое архитектура рококо?

Архитектура рококо (или позднего барокко) возникла в Париже 18-го века как часть более обширного эстетического движения, которое также охватывало искусство и декор. Этот очень богато украшенный, театральный, чрезмерный стиль развился как реакция на строгие ограничения архитектуры барокко, воплощенные в таких знаковых сооружениях, как Версальский дворец, и строгие представления Людовика XIV о том, что составляет искусство.

Что такое архитектура рококо?

Архитектура рококо, также известная как позднее барокко или рокайль, представляет собой декоративный, яркий, сложный и многоуровневый архитектурный стиль, возникший в 18 веке в Париже и распространившийся по Франции и Европе.

Рококо распространилось по Франции и другим странам Европы, пока его не сменил неоклассический стиль.

Argenteria1995 / Creative Commons

История архитектуры рококо

Архитектура, искусство и дизайн в стиле рококо родились в Париже вскоре после смерти Людовика XIV в ответ на архитектуру барокко, такую ​​как Версальский дворец и любимое самопрославляющее французское классическое искусство Короля-Солнца. В эту новую эпоху парижане вернулись в город из Версаля и начали ремонтировать свои дома с более свободным и беззаботным духом.

Стиль рококо был особенно популярен при оформлении салонов, используемых для приема гостей, и стал пиком моды, начиная с 1720-х годов. Игривый и буйный, рококо — это своеобразный свадебный торт с нежным, пастельным оттенком и — что долгое время считалось, к лучшему или к худшему — классически женственным очарованием, частично уравновешивающим эстетическое доминирование тестостерона. правления Людовика XIV.

Интерьеры в стиле рококо были очень сплоченными, с внутренней архитектурой, дизайном, мебелью и искусством, имеющими общие характеристики. Салон в стиле рококо представлял собой собственную эстетическую вселенную, где отделка стен, расписные потолки, скульптура, искусство и декоративные элементы создавали жизнерадостную, легкую и воздушную атмосферу, которая делала их идеальным фоном для возвышенных аристократов, стремящихся развлечься и повеселиться. произвести впечатление на своих гостей.

Стиль рококо распространился по Франции и Европе, включая Австрию, Германию, Италию и Россию. В значительной степени считающийся последним ура барокко, живой дух рококо в конце концов утих, и ему на смену пришел явно более сдержанный неоклассический стиль.

Чатсам / Creative Commons

Ключевые элементы архитектуры рококо

• Считается высокоорнаментальным, декоративным и театральным стилем
• Часто используются декоративные элементы, включающие кривые и встречные кривые, а также асимметричные формы, основанные на форме букв S и C
• Под влиянием мира природы декоративные элементы часто имитируют внешний вид ракушек, камешков, цветов, птиц, лиан и листьев, таких как акант
• Украшение также часто основано на ангелах, музыкальных инструментах и ​​стереотипных дальневосточных образах, таких как пагоды и драконы, но имеет тенденцию быть более светской, чем образы в стиле барокко
• Интерьеры в стиле рококо украшены декоративными элементами, такими как фрески, скульптурная лепнина, завитки и обильная позолота
• Свободное использование смешанных пород и тонов дерева, окрашенных и неокрашенных
• Известен использованием trompe-l’œil, , например, на потолках, часто окрашенных так, чтобы они выглядели как небо
• Интерьер выполнен в светлой пастельной палитре с такими цветами, как светло-розовый, желтый и голубой
• Некоторые декоративные элементы включают зеркальное стекло для улучшения восприятия пространства и света; хрустальные люстры; позолоченные настенные бра; лепные украшения; и буазери

НонОмнисМориар / Creative Commons

Известные образцы архитектуры рококо

Отель де Субиз в Париже, Франция. Интерьеры отеля Hotel de Soubise в комплексе Национального архива в парижском районе Марэ — это скрытая жемчужина и один из лучших образцов французского стиля рококо. Эти изысканные номера, отремонтированные Жерменом Боффраном в 1730-х годах, включают бывшие апартаменты принца и принцев с салонами овальной формы, украшенными изысканными деревянными панелями, расписными потолками и резными, позолоченными и зеркальными деталями. Эти захватывающие дух комнаты, сохранившие аутентичную эстетику 18-го века, были одними из съемок фильма Софии Копполы 2006 года о жизни Марии-Антуанетты.

Салон Monsieur le Prince в Шантильи, Франция. Украшенный Жаном Обером и завершенный в 1722 году Салон господина ле Принса в Малом замке в Шантийи, к северу от Парижа, является еще одним потрясающим образцом прекрасной архитектуры рококо.

Дворец Шарлоттенбург в Берлине, Германия. Этот великолепный дворец, бывший дом Софи Шарлотты, первой супруги королевы Пруссии, является крупнейшим дворцом города, а его стиль рококо делает его популярной туристической достопримечательностью.

Амалиенбург в Мюнхене, Германия. Охотничий домик Амалиенбург в дворцовом парке Нимфенбург в Мюнхене был спроектирован Франсуа Кювилье между 1734 и 1739 годами. Это великолепный образец стиля рококо с такими комнатами, как впечатляющий Зеркальный зал (верхнее фото), спроектированный Иоганном Баптистом Циммерманном.

Обзор движения в стиле рококо | TheArtStory. Картины, ставшие визитной карточкой эпохи, были созданы во славу грандиозных идеалов рококо и страсти к аристократическому образу жизни и развлечениям. Движение, зародившееся во Франции в начале 1700-х годов, превратилось в новый, непревзойденный союз декоративного и изобразительного искусства, который стал визуальным лексиконом, проникшим в континентальную Европу 18-го века.

Ключевые идеи и достижения

• Жанровые картины были популярным способом изобразить смелую и радостную жажду жизни эпохи рококо. Сюда входили fete galante , или произведения, обозначающие развлечения на свежем воздухе, эротические картины, наполненные чувством причудливого гедонизма, аркадские пейзажи и портреты «знаменитостей», в которых обычные люди изображались в роли известных исторических или аллегорических персонажей.
• Искусство и архитектура рококо несут в себе сильное чувство театральности и драматизма, на которые повлиял дизайн сцены. Влияние театра можно было увидеть в новаторских способах вплетения живописи и декоративных предметов в различные среды, создавая атмосферу полного погружения.
• Детальная работа процветала в эпоху рококо. Лепные рельефы в виде рамок, асимметричные узоры с мотивами и завитками, скульптурные арабески, позолота, пастель и tromp l’oeil — наиболее известные методы, которые использовались для достижения плавной интеграции искусства и архитектуры.
• Термин «рококо» впервые был использован Жаном Мондоном в его Premier Livre de forme rocquaille et cartel (Первая книга о формах и обстановке рококо) (1736 г.) с иллюстрациями, изображающими стиль, используемый в архитектуре и дизайне интерьера. Термин произошел от французского rocaille , что означает «работа из ракушек, галька», используется для описания фонтанов или садовых гротов эпохи Высокого Возрождения, в которых использовались морские ракушки и галька, встроенные в лепнину, для создания сложного декоративного эффекта.

Произведения художников и художников рококо

Развитие искусства

1717

Посадка на Циферу

Художник: Жан-Антуан Ватто

Эта картина в пасторальном платье изображает множество любовных пар Кифера, мифический остров, где Венера, богиня любви, родилась из моря. Жесты и язык тела вызывают воспоминания, поскольку мужчина, стоящий ниже центра, обнявший талию женщины рядом с ним, кажется, искренне умоляет ее, в то время как она оборачивается, чтобы с тоской посмотреть на другие пары. Обнаженная статуя богини возвышается с пьедестала, украшенного цветами справа, как будто руководит празднеством. Слева она дважды изображена в золотой статуе, которая помещает ее на нос лодки. Обнаженные путти появляются на протяжении всей сцены, паря в небе слева или появляясь между парами и толкая их вперед, а природа — вялое, но плодородное присутствие. В целом картина прославляет путешествие любви. Как писал современный критик Джеб Перл, «парные влюбленные Ватто, запертые в своей мучительной, восхитительной нерешительности, являются эмблемами постоянно приближающейся и постоянно удаляющейся возможности любви».

Как писал искусствовед Холли Брубах, «образы Ватто идеально подвешены между моментом непосредственно перед и моментом после… люди, которых он изображает, заняты разыгрыванием не одного, а нескольких возможных сценариев». Его фигуры — не столько узнаваемые личности, сколько аристократические типы с гладкими напудренными лицами, которые вместе создают своеобразную хореографию цвета и удовольствия.

Этой работой Ватто, подаренной Академией, он стал пионером galante , или картина ухаживания, и положило начало рококо. Как писал Джонатан Джонс, «В туманных, тающих пейзажах картин… он недвусмысленно связывает пейзаж и желание: если искусство Ватто оглядывается на придворных любовников средневековья, оно начинает современную историю чувственности во французском искусстве».

Холст, масло. Лувр, Париж

c. 1718-19

Пьеро

Художник: Жан-Антуан Ватто

На этой картине (ранее известной как Жиль) изображен Пьеро, традиционный персонаж итальянского языка комедия дель арте . Он возвышается в центре сцены в том, что кажется садом, и он смотрит на зрителя с опущенным выражением лица, когда доминирует его белый атласный костюм, его вздымающийся живот освещается. Он кажется почти двухмерным вырезом. Другие стандартные персонажи окружают его, но Пьеро остается отдельно, как будто он вышел из их сцены. Негативное пространство в левом верхнем углу еще больше подчеркивает изоляцию Пьеро. Как писал Джонатан Джонс, «Ватто проявляет вымысел картины», поскольку персонаж «в своем дискомфорте и отчуждении восстает не только против своей стандартной роли в комедии, но и против своей роли в этой картине. пьеса также является выходом из художественной литературы, написанной Ватто».

Ватто был пионером художественного представления театральных миров, характерного жанра рококо, и он также преобразовал характер Пьеро из своего рода неуклюжего, влюбленного дурака в фигуру отчужденной тоски. Как писал Джонс, «представление театральных, социально маргинальных миров, вслед за Ватто, занимает центральное место во французском современном искусстве, от певцов кафе импрессионистов до танцоров и проституток Тулуз-Лотрека и арлекинов Пикассо». Поскольку фигура Пьеро стала фигурой альтер-эго художника, эта картина повлияла на ряд более поздних художественных течений и художников, включая декадентов, символистов и художников, таких как Андре Дерен, как видно из его Арлекин и Пьеро (ок. 1924 г.). Влияние также распространилось на поп-культуру, как показано в раннем выступлении Дэвида Боуи в пьесе Линдси Кемп « Пьеро в бирюзе » (1967), где Боуи сказал: «Я Пьеро. театр. То, что вы видите на сцене, не зловещее. Это чистый клоун. Я использую себя как холст и пытаюсь нарисовать правду нашего времени».

Холст, масло. Лувр, Париж

c. 1730

Вход на Большой канал

Художник: Каналетто

Этот знаменитый пейзаж изображает вход в Гранд-канал в Венеции, где несколько гондольеров и их пассажиров маневрируют горизонтально по полотну. Их асимметричное расположение создает движение, поскольку три гондолы поднимаются вверх в центре и уводят взгляд зрителя вдаль, что еще больше подчеркивается перспективой зданий справа и церкви слева. Тонкое использование местных цветов придает произведению ощущение золота и ощущение идиллической жизни того времени, чему способствовала любовь венецианской школы к аркадским пейзажам, которая в значительной степени повлияла на эстетику рококо.

Каналетто был пионером в рисовании с натуры и передаче атмосферных эффектов определенного момента, что заставило некоторых ученых рассматривать его работы как предвосхищение импрессионизма. Как писал Джонатан Джонс, «тонкое ощущение игры света на архитектуре… делает Каналетто таким соблазнительным». В то же время его новаторское использование топографии, передающее местность с научной точностью, повлияло на последующих художников, как заметил историк искусства Джон Рассел, «он ухватился за свой родной город, как будто ни одна деталь его бурлящей жизни не была слишком маленькой или слишком тривиальной. чтобы заслужить его внимание».

Венеция была известной остановкой британских аристократов во время Гранд-тура, и большая часть работ Каналетто была продана этой публике. Британский торговец произведениями искусства Оуэн Суини призвал его рисовать небольшие, даже размером с открытку, топографические виды для продажи туристам, а банкир и коллекционер произведений искусства Джозеф Смит стал известным покровителем, продав большое количество своих работ королю Георгу III. . В 1746 году Каналетто переехал в Лондон, где писал сцены Лондона, такие как его Вестминстерский мост (1746). С тех пор его работа сохранила свою популярность и влияние: она была показана в фильме Дэвида Бикерстаффа 9.0007 Canaletto and the Art of Venice (2017), и эта картина использовалась в видеоигре Merchant Prince II (2001).

Холст, масло. Музей изящных искусств, Хьюстон, Техас

1733-34

Мыльные пузыри

Художник: Жан-Батист Симеон Шарден

На этой картине изображены двое играющих детей. Мальчик постарше, наклонившись вперед, дует в тростник, расширяя светящийся мыльный пузырь. Младший ребенок в тени, в шапке с пером, выглядывает из-за уступа, его взгляд также сосредоточен на мерцающем пузыре. Цветовая палитра, приглушенная различными оттенками насыщенного коричневого и черного, подчеркивает контрастный свет и румяное сияние рук и лица мальчика, так что зритель тоже осознает приглушенное погружение в детскую игру. Краска, нанесенная толстым пастозным слоем, передает тактильные фактуры камня, ткани и кожи. Работа создает ощущение детской невинности, сосредоточенной на эфемерной радости, но в то же время аллюзивной, поскольку современники художника зарегистрировали мыльный пузырь как символ быстротечности жизни.

Реалистичные жанровые сцены Шардена, вдохновленные голландскими художниками-жанристами Золотого века, стали его уникальным вкладом в эпоху рококо. В отличие от большинства художников, которые сосредоточились на аристократии и ее развлечениях, он изображал домашние сцены, играющих детей и натюрморты, отражая дань уважения рококо неторопливым времяпрепровождениям. Как также писал Джонс, Шарден рисовал «мир удовольствий среднего класса», а «французская эстетика повседневности . .. впервые появляется в картинах Шардена и сделала его культовой фигурой для современных французских художников и писателей». Его работы оказали влияние на Гюстава Курбе, Поля Сезанна, Эдуарда Мане и Винсента Ван Гога, среди прочих.

Холст, масло. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

1751

La Toilette de Vénus (Туалет Венеры)

Художник: Франсуа Буше

На этом портрете изображена обнаженная мадам де Помпадур в образе Венеры , классическая богиня любви, сопровождаемая тремя херувимами и двумя белыми голубями. Она сидит на шезлонге, спинка которого обрамлена золотом рокайль , увенчанная статуей лежащего херувима. №

Голубые шторы, переливающиеся светом и тенью, открывают частичный вид на красивый сад и создают атмосферу отдыха. Фигуративная обработка идеализирована, почти нарисована аэрографом, в то время как обстановка богато детализирована и декоративна, создавая общий эффект, воплощающий саму концепцию роскоши.

Буше преобразил период рококо своими чувственными изображениями знатных граждан той эпохи, светских знаменитостей и прошлого, создав свой собственный особый живописный бренд. Мадам де Помпадур, настоящая «кто есть кто того времени», поручила Буше написать эту работу для своей личной гардеробной в замке Бельвю. Картина была данью ей, поскольку она сыграла главную роль Венеры в La Toilette de Venus (1750) в Версале.

Как писал историк искусства Мелисса Ли Хайд, портреты Буше часто указывали на «интересное сочетание театральных/исполняемых идентичностей и живых идентичностей», демонстрируя «страсть к тому, что мы могли бы назвать искусством внешнего вида, и понимание этого искусства как средство для формирования и представления идентичности».

В течение нескольких десятилетий неоклассицизм отверг работу Буше за те же качества, которые сделали ее столь популярной среди аристократического класса. Его работы только недавно начали подвергаться переоценке историками искусства, такими как Мелисса Ли Хайд и Джед Перл, а современные художники Джон Каррин и Лиза Юскаваге назвали Буше прямым влиянием.

Холст, масло. Метрополитен-музей, Нью-Йорк

1756

Портрет мадам де Помпадур

Художник: Франсуа Буше

Этот портрет мадам де Помпадур в полный рост подчеркивает стильную элегантность, когда она полулежит в роскошном зеленом шелковом платье с узором из розовых роз на лифе и вырезе. Интерьер комнаты, обрамленный драпировками из золотой парчи, с изысканными золотыми картельными часами, выставленными над камином, не менее великолепен. Детали также символичны, так как книжный шкаф, полный книг, книги, разбросанные по полу, и часы в форме лиры, украшенные лавром, символизируют любовь к литературе, музыке и поэзии. Она передает атмосферу уверенности и приятного расслабления, ее розовые высокие каблуки выглядывают из-под юбки, две прекрасные розы лежат у ее ног. Тем не менее, работа также изображает ее интеллектуальное влияние, открытую книгу в левой руке, перо и конверт на столе справа. Поворот ее взгляда влево был в то время позой, которая представляла собой погружение в философские размышления. В результате работа представляет собой своеобразную социальную иконографию, каждый элемент которой тщательно подобран и стилистически унифицирован для создания образцового образа.

Художественный критик Сьюзи Менкес назвала этот портрет «одним из первых и наиболее успешных создателей собственного имиджа», мадам де Помпадур заказала этот портрет вместе с другими Буше и попросила показать их, пока они были в процессе, поэтому она могла указать, как она хотела выглядеть. Как отметил Менкес, «лестные и декоративные картины» Буше были ранним художественным примером «обращения со знаменитостями таблоидов». В 1756 году Помпадур была назначена фрейлиной при дворе, и историк искусства Элиз Гудман предполагает, что изображенный здесь момент, отмеченный 8:20 на часах, должен был ознаменовать «ее возвышение, когда на высоте аристократической самоуверенности … она удалилась в свою библиотеку-будуар, чтобы насладиться своим новым положением и насладиться любимыми занятиями».

Образы Мадам Помпадур, созданные Буше, настолько характеризовали движение рококо, что писатели Жюль и Эдмон де Гонкуры написали: «В письме о вкусах французов, которое является частью собрания эфемерных рукописей, датируемых 1751 годом… Я нашел кареты а-ля Помпадур, сукно колорит Помпадур, рагу а-ля Помпадур… нет ни одного кусочка туалета женщины, который не был бы а-ля Помпадур».

Холст, масло – Старая пинакотека, Мюнхен, Германия

1767-68

Качели

Художник: Жан-Оноре Фрагонар

Эта культовая работа изображает причудливую женщину, летящую на качелях в зеленом саду с цветущими качелями. как экстравагантный розовый цветок, когда молодой денди падает обратно в кусты слева, его лицо краснеет от волнения, чтобы заглянуть ей под юбку. В тени справа пожилой мужчина тянет за канаты качелей, чтобы подтолкнуть молодую женщину вперед. Под ней два обнимающихся херувима, а слева еще один амур стоит на пьедестале, подняв руку к губам в наставлении. Изображение было скандальным для своего времени из-за густо наслоенных сексуальных аллюзий.

Выразительные мазки Фрагонара создают водоворот между фигурой и листвой, так что сама природа кажется захваченной волнением момента. В то же время художник использовал свет и тень, чтобы направить взгляд зрителя на поэтапное раскрытие произведения. Зритель замечает сначала женщину на качелях, затем молодого мужчину и, наконец, пожилого мужчину в тени справа. Эффект представляет собой своего рода сценическое освещение, создающее драму и повествование.

Творчество Фрагонара было заново открыто писателями Эдмундом и Жюлем Гонкурами в L’Art du XVIIIe siècle (Искусство восемнадцатого века) (1865 г. ), и его работы впоследствии оказали влияние на импрессионистов, особенно на Пьера-Огюста Ренуара и Берту Моризо, которая также была его внучкой. Качели стали художественным и культурным символом. Его пересмотрели современные художники Йинка Шонибаре и Кент Монкман в своих работах. Художник по воздушным шарам Ларри Мосс упомянул об этом в своей 3D-инсталляции The Swing для своей серии Masterworks в Центре искусств Фелпса в 2013 году.0003

Холст, масло. Коллекция Уоллеса, Лондон

1752

Аллегория планет и континентов

Художник: Тьеполо , и свет. Слева от центра стоит греческий бог солнца Аполлон с сияющим шаром позади него, призывая солнечных коней справа от себя. На карнизе группы аллегорических фигур с изображением животных обозначают Европу, Азию, Америку и Африку, а боги, символизирующие планеты, кружатся вокруг бога солнца. Марс, бог войны, возлежит с обнаженной Венерой на темном облаке под Аполлоном, а Меркурий с кадуцеем в руке летит вниз сверху слева.

Эта картина была написана для ослепительного потолка лестницы, которую он создал в Вюрцбургской резиденции в Германии для принца-епископа Карла Филиппа фон Гриффенклау. Нарисованная на огромном своде, обработка Tiepolo trompe l’oeil произвела драматическое впечатление на контрасте с неоклассической лестницей из белого мрамора, спроектированной Бальтазаром Нейманом. Картина Тьеполо в разделе «Европа» включает портрет архитектора, а также фон Гриффенклау. Кроме того, художник изобразил своего сына Джандоменико и художника Антонио Босси, оба из которых работали с ним над проектом, а также автопортрет.

Эта фреска остается самой большой в мире, она составлена ​​таким образом, что отдельные части картины можно было рассматривать с определенной остановки, как если бы перспектива соответствовала положению зрителя. Нововведением Тьеполо было его расположение пастелей в дополнительной схеме, так что напряжение цвета подчеркивало бы повествовательное движение и драматические позы фигур, создавая живой эффект. Результат был назван sprezzatura , или «заученная небрежность». Как писал искусствовед Кейт Кристиансен, Тьеполо «прославляет воображение, переводя мир древней истории и мифов, писаний и священных легенд на грандиозный, даже театральный язык». Именно это качество воображения Тьеполо влияло на Франсиско Гойю на протяжении всей его карьеры, как в его ранних проектах гобеленов, так и позже в его гравюрах, когда он опирался на таинственные и иногда причудливые гравюры Тьеполо в 9-м веке.0007 Capricci (ок. 1740–1742) и Scherzi di fantasia (ок. 1743–1757).

Холст, масло

c. 1770

Голубой мальчик

Художник: Томас Гейнсборо

На этом портрете в полный рост изображен мальчик в синих атласных бриджах до колен и камзоле с кружевным воротником, который без улыбки смотрит на зрителя. Держа шляпу с плюмажем в правой руке, а другую руку положив на бедро, он передает уверенность в себе и чуточку чванства. Составленный слоями косых и тонких мазков с нежными оттенками сланца, бирюзы, кобальта, индиго и лазурита, синий цвет становится сияющим, почти электрическим на фоне бурного и скалистого ландшафта.

Первоначально считалось, что на картине изображен Джонатан Баттал, сын богатого торговца, но современные ученые определили, что модель, скорее всего, является помощником художника и племянником Гейнсборо Дюпон. Как писала искусствовед Кимберли Крисман-Кэмпбелл, работа «представляет собой своего рода косплей времен Гражданской войны в Англии, популярный для балов-маскарадов в 18 веке», изображающий мальчика в костюме кавалера, который носили аристократы-роялисты 1630-х годов. Его поза и выражение лица также играют роль, поскольку кавалеры отличались не только своей стильной одеждой, но и своим беспечным и удалым отношением. Таким образом, произведение Гейнсборо, самое популярное, имеет tour de force , сочетающий мастерскую портретную живопись с исследованием костюма и своим художественным ответом на работы Антониса ван Дейка, известного своими портретами двора короля Карла I и кавалеров, которые его поддерживали. Тем не менее, используя в основном синий цвет, который традиционно считался более подходящим для фоновых элементов, Гейнсборо также бросил вызов традиционным эстетическим предположениям.

Работа несет в себе традиционную визуальную привлекательность рококо и игру с костюмированными фигурами, но Гейнсборо также добавил новаторские элементы реализма, как видно на пуговицах, туго зашнуровывающих дублет, и предвосхитил романтизм, изобразив одинокую фигуру на фоне бурного неба. Гейнсборо пришел, чтобы продемонстрировать британское рококо светскими портретами своих богатых клиентов.

Картина сразу же имела успех во время своего дебюта в 1770 году в Королевской академии художеств в Лондоне и стала настолько ассоциироваться с британской культурной самобытностью, что, когда в 1921 году герцог Вестминстерский продал ее американскому магнату Генри Хантингтону, она вызвала скандал. Немой фильм Фридриха Вильгельма Мурнау Knabe in Blau ( The Boy in Blue ) (1919) был вдохновлен картиной, как и песня Коула Портера Blue Boy Blues (1922). Поп-артист Роберт Раушенберг и современный художник Кехинде Уайли были вдохновлены этой работой, а художник Алекс Исраэль сослался на нее в своем Автопортрет (Доджерс) (2014‒2015). Выставленная в Хантингтонском музее вместе с портретом Томаса Лоуренса девушки в розовом, Pinkie (1794), эта работа приобрела еще большую культурную значимость, поскольку обе картины были использованы в пилотном телесериале Eerie, Indiana ( 1991) и в качестве декораций к эпизодам сериала Оставь это Биверу (1957-1963).

Холст, масло — Библиотека Хантингтона, Сан-Марино, Калифорния

1782

Автопортрет в соломенной шляпе

Художник: Элизабет Луиза Виже Ле Брюн

Этот автопортрет подчеркивает аристократическую, но небрежную элегантность и художественное мастерство. Одетая в мерцающий шелк, ее белые манжеты привлекают внимание к ее вытянутой правой руке, белый воротничок подчеркивает смелый вырез ее декольте, в левой руке она держит палитру и кисти. Соломенная шляпа с широкими полями, окруженная яркими цветами и спортивными формами, становится фокусом акцента работы на игре света, так как верхняя часть ее лица мягко затенена, подчеркивая ее уверенный прямой взгляд, в то время как солнечный свет освещает правую. сторона ее лица и ее верхняя часть туловища. Две длинные хрустальные серьги играют контрапунктом, отражая свет и тень. Фоном является только небо, голубое яйцо малиновки обрамляющее ее лицо, и общий эффект, как писал историк искусства Саймон Шама, «привлекательная, но тщательно рассчитанная небрежность».

На эту работу повлияла картина Питера Пауля Рубенса Le Chapeau de Paille ( Соломенная шляпа ) (1622-1625). Лебрен писал, что, увидев его в Антверпене, «это восхитило и вдохновило меня до такой степени, что я сделал свой портрет в Брюсселе, стремясь добиться тех же эффектов».

Женщины-художницы по большей части занимались портретной живописью. Среди известных женщин-художников рококо были Розальба Каррьера, Аделаида Лабиль-Гьяр и Анжелика Кауфман. Самой известной была Виже Лебрен, которая в возрасте двадцати трех лет стала официальным художником королевы Марии-Антуанетты. Новшества Лебрена были в портретной живописи, как писал Шама: «Никто, как быстро стало очевидно, не мог конкурировать с этой молодой женщиной как безыскусный художник», и ее «великий прорыв состоит в том, чтобы переделать женщин, с незапамятных времен узник мужского взгляда, в безошибочную хозяйку собственного присутствия».

Холст, масло. Национальная галерея, Лондон

Начало рококо

В живописи на рококо в первую очередь повлияло использование венецианской школой цвета, эротических сюжетов и аркадских пейзажей, а школа Фонтенбло положила начало дизайну интерьеров в стиле рококо. .

Венецианская школа

Известные художники Джорджоне и Тициан, среди прочих, повлияли на акцент периода рококо на кружащиеся цвета и эротические сюжеты. Пастырский концерт (ок. 1509 г.), впервые приписываемый Джорджоне, хотя теперь большинство ученых считают его одной из ранних работ Тициана, был классифицирован Лувром как Fête champêtre , или вечеринка на открытом воздухе, когда он впервые стал частью музейной коллекции. . Работа эпохи Возрождения, изображающая двух обнаженных женщин и двух мужчин-аристократов, играющих музыку в идеализированном пасторальном пейзаже, сильно повлияла на развитие рококо Fête galante или картин ухаживания. Этот термин относился к историческим картинам приятного прошлого и стал популярным в работах Жана-Антуана Ватто.

Школа Фонтенбло 1528-1630

В 1530 году король Франциск I, известный меценат, пригласил итальянского художника Россо Флорентино ко французскому двору, где Россо, основоположник придворного стиля французского маньеризма, основал Школу Фонтенбло. Школа стала известна своим уникальным стилем дизайна интерьера, в котором все элементы создавали четко поставленное единство. Россо впервые использовал большие лепные рельефы в качестве рамок, украшенные декоративными и позолоченными мотивами, которые сильно повлияли на акцент рококо на сложной обстановке.

Золочение было ключевым вкладом Фонтенбло, придавая изысканное великолепие предметам, как это видно на знаменитой солонке Беневенто Челлини (1543), которую Франциск I заказал из золота. Даже простые элементы интерьера в стиле рококо стали сильно подчеркнуты, о чем свидетельствует популярность картельных часов, встраивающих обычные часы в замысловатые декорации, которые напоминали скульптуры и органично дополняли общий вид окружающих их интерьеров.

Эпоха рококо Дизайн

Рококо дебютировал в дизайне интерьеров, когда гравер Пьер Ле Потр работал с архитектором Жюлем Ардуэном-Мансаром над замком Марли (1679-1684), а затем в Версале в 1701 году, когда он реконструировал личные апартаменты Людовика XIV. Ле Потр впервые применил арабески, используя s-образную или с-образную линию, размещенную на белых стенах и потолках. Он также использовал вставки с позолоченными деревянными панелями, создавая причудливый и легкий стиль. Ле Потр был прежде всего известен как ornemaniste , или дизайнер орнамента, что отражает популярную в то время роль ремесленников и мастеров в развитии высокодекоративного стиля.

Remove Ads

Во время правления Людовика XIV Франция стала доминирующей европейской державой, и сочетание большого богатства и мирной стабильности заставило французов обратить свое внимание на личные дела и наслаждение мирскими удовольствиями. Когда король умер в 1715 году, его наследнику Людовику XV было всего пять лет, поэтому Регентство во главе с герцогом Орлеанским правило Францией, пока дофин не достиг совершеннолетия. Герцог был известен своим гедонистическим образом жизни, а эстетика рококо казалась идеальным выражением чувствительности эпохи. Вступив на престол в 1723 году, Людовик XV также стал известным сторонником и покровителем архитектуры и дизайна в стиле рококо. Поскольку Франция была художественным центром Европы, художественные дворы других европейских стран вскоре последовали ее примеру в своем энтузиазме по поводу подобных украшений.

Жан-Антуан Ватто

Жан-Антуан Ватто возглавил период рококо в живописи. Родившийся в Валансьене, маленькой провинциальной деревне в Бельгии, которая недавно присоединилась к Франции, его раннее развитие в искусстве и рисовании привело к его раннему обучению у местного художника. Впоследствии он отправился в Париж, где зарабатывал на жизнь изготовлением копий произведений Тициана и Паоло Веронезе. Он присоединился к мастерской Клода Одрана, известного декоратора, где познакомился и стал художественным коллегой Клода Жилло, известного своим украшением комедия дель арте , или комические театральные постановки. В результате работы Ватто часто выражали театральный подход, показывая фигуры в костюмах среди декораций на заднем плане, освещенных искусственным светом.

В 1712 году Ватто принял участие в конкурсе Prix de Rome Королевской академии живописи и скульптуры, и Академия приняла его в качестве полноправного члена. Его «приемная» для Академии, Посадка на Киферу (1717), фактически положила начало рококо. Академия ввела термин Fête galante , или ухаживание, для обозначения произведения, таким образом устанавливая категорию, которая должна была стать доминирующим элементом живописи в стиле рококо. Fête galante картин изображали fête champêtre , или вечеринку в саду, популярную среди аристократического класса, где, одетые как на бал или в костюмах, они пили, обедали и предавались любовным занятиям в аркадских садах и парках. . Художественная тема не только нравилась частным меценатам, но и ее мифологизированные пейзажи и декорации соответствовали стандартам Академии, причислявшей историческую живопись, в том числе мифологические сюжеты, к высшей категории.

Клод Одрен был официальным хранителем Люксембургского дворца, и, работая с ним, Ватто скопировал серию из двадцати четырех картин Питера Пауля Рубена «Жизнь Марии Медичи» (1622-25), которая была выставлена ​​в дворец. Серия Рубена, сочетающая аллегорические фигуры и мифологические сюжеты с изображениями королевы и аристократического двора, продолжала формировать творчество Ватто. Рубенс впервые применил технику trois crayons , что означает три мелка, технику использования красного, черного и белого цветов для создания колористических эффектов. Ватто освоил эту технику до такой степени, что его имя стало ассоциироваться с ней, и она была широко принята более поздними художниками рококо, в том числе Франсуа Буше.

Франсуа Буше

Под влиянием Рубенса и Ватто Франсуа Буше стал самым известным художником зрелого периода рококо, начиная с 1730 года и продолжавшегося до 1760-х годов. Известный своей картиной, сочетающей аристократическую элегантность с эротическим обращением с обнаженной натурой, как показано в его «Туалет Венеры » (1751 г. ), он был одинаково влиятельным в декоративно-прикладном искусстве, театральных постановках и дизайне гобеленов. Он был назначен первым художником короля в 1765 году, но наиболее известен своим давним сотрудничеством с мадам де Помпадур, официальной первой любовницей короля Людовика XV и известной покровительницей искусств. В результате своего мастерства в искусстве и дизайне рококо и своего королевского покровительства Буше стал «одним из тех людей, которые представляют вкус века, которые выражают, олицетворяют и воплощают его», как писали известные авторы Эдмон и Жюль де Гонкур. .

Удалить рекламу

Мадам де Помпадур

Мадам де Помпадур, урожденная Жанна-Антуанетта Пуассон, была названа «крестной матерью рококо» из-за ее центральной роли в продвижении стиля и превращении Парижа в художественную столицу Европы. Она повлияла на дальнейшее применение рококо благодаря покровительству художникам, таким как Жан-Марк Натье, скульптор Жан Батист Пигаль, дизайнер обоев Жан-Батист Ревейон и гравер по драгоценным камням Жак Гуай. Официальная первая любовница короля с 1745 по 1751 год, она оставалась его доверенным лицом и доверенным советником до своей смерти в возрасте 42 лет из-за туберкулеза. Ее роль и статус стали де-факто определение королевского покровительства.

Рококо: понятия, стили и направления

Французское рококо

Франция была центром развития рококо. В дизайне салон, комната для развлечения, но и для того, чтобы произвести впечатление на гостей, был главным нововведением. Самым известным примером был «Салон принцессы» Шарля-Жозефа Натуара и Жермена Боффрана (1735-1740) в резиденции принца и принцессы де Субиз. Белые стены цилиндрического интерьера, позолоченное дерево и множество зеркал создавали эффект легкости и воздушности. Арабески, часто намекающие на римские мотивы, купидоны и гирлянды, были представлены золотой лепниной и пластинчатым рельефом. Асимметричные кривые, иногда полученные из органических форм, таких как морские раковины или листья аканта, были тщательно продуманными и преувеличенными. Минимальный акцент на архитектуре и максимальный акцент на декоре станет краеугольным камнем движения рококо.

Живопись была неотъемлемой частью движения рококо во Франции, и известные художники, которые возглавили этот стиль, Антуан Ватто, а затем Франсуа Буше, повлияли на все элементы дизайна от интерьеров до гобеленов и моды. Среди других известных художников были Жан-Батист ван Лоо, Жан-Марк Натье и Франсуа Лемуан. Лемойн был известен своими историческими аллегорическими картинами, такими как его Апофеоз Геракла (1733-1736), нарисованный на потолке Салона Геркулеса в Версале. Примечательной чертой французской живописи в стиле рококо была манера, в которой ряд известных семей художников, таких как ван Лоос и Койпели, поддерживали последовательный стиль и предмет в своих мастерских.

Итальянское рококо

Живопись заняла ведущее место в итальянском рококо, примером чему служат работы венецианского художника Тьеполо. Сочетая акцент венецианской школы на цвете с quadratura или потолочными росписями, шедеврами Тьеполо были фрески и большие запрестольные образы. Известный во всей Европе, он получил множество королевских заказов, таких как его серия потолочных росписей в Вюрцбургской резиденции в Германии и его Апофеоз испанской монархии (1762-1766) в Королевском дворце в Мадриде.

Итальянское рококо также было известно своими великими художниками-пейзажистами, известными как «живописцы», особенно Джованни Антонио Канал, известным просто как Каналетто. Он впервые применил двухточечную линейную перспективу при создании популярных сцен каналов и зрелищ Венеции. Его работы, такие как «Венеция : Санта-Мария-делла-Салюте » (ок. 1740 г.), пользовались большим спросом у английских аристократов. В 1700-х годах для молодых английских аристократов стало обычным совершать «большие путешествия», посещая известные места Европы, чтобы изучить классические корни западной культуры. Поездки положили начало своего рода аристократическому туризму, и Венеция была известной остановкой, известной своей гедонистической карнавальной атмосферой и живописными видами. Эти молодые аристократы также часто были коллекционерами и покровителями произведений искусства, и большинство работ Каналетто было продано английской публике, а в 1746 году он переехал в Англию, чтобы быть ближе к своему художественному рынку, и прожил там почти десять лет.

Удалить рекламу

Пастельные портреты Розальбы Карриеры, как миниатюрные, так и в натуральную величину, а также ее аллегорические работы пользовались спросом во всей Европе, так как ее приглашали при королевских дворах Франции, Австрии и Польши. Она впервые применила пастель, которая раньше использовалась только для подготовительных рисунков, в качестве средства для рисования, и, связав мел в палочки, разработала более широкий диапазон мазков и подготовленных цветов. Ее портрет Людовика XV в образе дофина (1720-1721) установил новый стиль портретной живописи в стиле рококо, подчеркнув визуальную привлекательность и декоративный эффект.

В архитектуре Италия продолжала подчеркивать барокко с его прочной связью с католической церковью до 1720-х годов, когда архитектор Филиппо Юварра построил несколько северных итальянских дворцов в стиле рококо. Его шедевром был дворец Ступиниджи (1729-1731), построенный как охотничий домик короля Сардинии в Турине. В то же время интерьеры в стиле рококо стали популярными в Генуе, Сардинии, Сицилии и Венеции, где этот стиль приобрел региональные вариации, особенно в дизайне мебели. Итальянские интерьеры в стиле рококо были особенно известны своими люстрами и зеркалами из венецианского стекла, а также богатым использованием шелковой и бархатной обивки.

Немецкое рококо

Увлечение Германии рококо бурно выразилось и прежде всего в архитектурных шедеврах и дизайне интерьеров, а также в прикладном искусстве. Заметным элементом немецкого рококо было использование ярких пастельных тонов, таких как сиреневый, лимонный, розовый и синий, как видно в дизайне Франсуа де Кювилье Амалиенбурга (1734-1739), охотничьего домика для императора Священной Римской империи Карла VII в Мюнхен. Его Зеркальный зал в Амалиенбурге был описан историком искусства Хью Хонор как образец «легкой элегантности и тонкой тонкости».

Немецкие дизайнерские мотивы с использованием асимметрии и s- и c-изогнутых форм часто опирались на цветочные или органические мотивы и использовали больше деталей. Немецкие архитекторы также новаторски исследовали различные возможности дизайна помещений, вырезая стены или делая изогнутые стены, и сделали расположение новых зданий важным элементом эффекта, как это видно в Аббатстве Мельк Якоба Прандтауэра (1702-1736)

Английский рококо

Использование в Англии рококо, которое называлось «французским стилем», было более сдержанным, так как излишества стиля встречались с мрачным протестантизмом. В результате rocaille , представленный гравером-эмигрантом Юбером-Франсуа Гравело и серебряником Полем де Ламери, использовался только в качестве деталей и случайных мотивов. Примерно в 1740 году стиль рококо начал использоваться в британской мебели, особенно в проектах Томаса Чиппендейла. Его каталог Справочник джентльменов и краснодеревщиков (1754), иллюстрирующий дизайн в стиле рококо, стал популярным отраслевым стандартом.

Удалить рекламу

Рококо оказал большее влияние на британских художников, таких как Уильям Хогарт, Томас Гейнсборо и швейцарка Анжелика Кауфман. В его Анализ красоты (1753) Хогарт выступал за использование змеевидной линии, считая ее более органичной и эстетически идеальной. Гейнсборо сначала учился у Гравело, бывшего ученика Буше, чья пернатая манера письма и цветовая палитра повлияли на портретную живопись Гейнсборо в сторону текучести света и цвета. Хотя Анжелика Кауфман родилась в Швейцарии, большую часть своей жизни она провела в Риме и Лондоне. С 1766 по 1781 год она жила в Лондоне, где влиятельный сэр Джошуа Рейнольдс особенно восхищался ее портретами. Одна из двух женщин, избранных в Королевскую академию художеств в Лондоне, она сыграла значительную роль как в продвижении стиля рококо, так и, впоследствии, неоклассицизма.

Более поздние разработки — после рококо

В 1750 году мадам де Помпадур отправила своего племянника Абеля-Франсуа Пуассона де Вандьера изучать развитие итальянского искусства и археологии. Вернувшись с энтузиазмом к классическому искусству, Вандьер был назначен директором Королевских зданий, где он начал выступать за неоклассический подход. Он также стал известным искусствоведом, осудив малый стиль Буше, или «маленький стиль». Известные мыслители того времени, в том числе философ Вольтер, искусствовед Дидро, также критиковали рококо как поверхностное и декадентское. Эти тенденции, наряду с растущим революционным рвением во Франции, привели к тому, что к 1780 году рококо потеряло популярность.0003

Новое движение неоклассицизм, возглавляемое художником Жаком-Луи Давидом, подчеркивало героизм и нравственную добродетель. Студенты-художники Дэвида даже спели насмешливую песнь «Ванлоо, Помпадур, рококо», выделив стиль, одного из его ведущих художников и его самого известного покровителя. В результате к 1836 году оно использовалось для обозначения «старомодных», а к 1841 году — для обозначения произведений, считавшихся «безвкусно вычурными или богато украшенными». Негативные коннотации продолжались и в 20 ^-м -м веке, как видно из 19-го века. 02 Century Dictionary description «Следовательно, rococo используется… для обозначения чего-либо слабо претенциозного и безвкусного в искусстве или литературе».

Дизайн и живопись в стиле рококо разошлись, поскольку дизайн в стиле рококо, несмотря на новые тенденции в столице, продолжал оставаться популярным во французских провинциях. В 1820-х годах при восстановленной монархии короля Луи-Филиппа возрождение стиля «Второе рококо» стало популярным и распространилось на Великобританию и Баварию. В Великобритании возрождение стало известно как викторианское рококо и продолжалось примерно до 1870 года, а также повлияло на возрождение американского рококо в Соединенных Штатах, возглавляемое Джоном Генри Белтером. Этот стиль, широко используемый в высококлассных отелях, в 2099 году получил название Le gout Ritz.0278-й век. Однако в живописи рококо потерял популярность, за исключением жанровых картин Шардена, высоко оцененных Дидро, которые продолжали оказывать влияние и позже окажут заметное влияние на Поля Сезанна, Эдуарда Мане и Винсента Ван Гога.

Эдмунд и Жюль де Гонкур заново открыли для себя крупного художника рококо Жана-Оноре Фрагонара в L’Art du XVIIIe siècle ( Искусство восемнадцатого века ) (1865). Впоследствии он оказал влияние на импрессионистов, особенно на Пьера-Огюста Ренуара и Берту Моризо, а также на современных художников, таких как Йинка Шонибаре, Кент Монкман и Лиза Юскавадж.

Удалить рекламу

Также заново открытая братьями де Гонкур, комедия дель арте Ватто сюжетов оказала влияние на Пабло Пикассо, Сезанна и Анри Матисса, а также на многих поэтов, таких как Поль Верлен и Гийом Аполлинер, композитор Арнольд Шенберг, и хореограф Джордж Баланчин.

Термин рококо и художники, связанные с ним, начали подвергаться критическому пересмотру только в конце 20 ^-го века, когда движения поп-арта и работы таких художников, как Дэмиен Херст, Кехинде Уайли и Джефф Кунс создали новый контекст для искусства, выражающий те же витиеватые, стилистические и причудливые обработки. Рококо имел современное влияние, как видно из 9 Ай Вэйвэя.0007 Logos 2017 , где, как писал искусствовед Роджер Кэтлин, «то, что выглядит как причудливый дизайн обоев в стиле рококо в черно-белых и золотых тонах, на самом деле является набором наручников, цепей, камер наблюдения, твиттер-птиц и стилизованных альпак. животное, которое в Китае стало мемом против цензуры». Это движение также живет в популярной культуре, о чем свидетельствует хит Arcade Fire «Rococo» (2010).

Полезные ресурсы о рококо

видео

книги

websites

articles

videos

• 72k views

Artist Specific Videos

• 3k views

• 15k views

Lectures/Talks

• 22k views

• 3 тыс. просмотров

• 118 тыс. просмотров

• 43 тыс. просмотров

• 56 тыс. просмотров

• 6K Просмотры

• 27K Просмотры

• 6K Просмотры

Просмотр Подробнее видео

Веб -сайты

Статьи

BAROCKE ART против ROCOCO ART: Характеристики и Определение

ESTRAVANGANGANGANGE. Роскошь. Великолепие . Это всего лишь несколько слов, которые могут прийти вам на ум, когда вы думаете об искусстве барокко и искусстве рококо: двух стилях искусства и архитектуры в Европе.

Хотя рококо развился из барокко (и их определения могут быть определены свободно), эти два периода действительно разделены и различны, со своими сильными культурными влияниями и значениями. Однако схожие характеристики и перекрывающиеся периоды времени, возможно, являются причиной того, что искусство барокко и искусство рококо часто путают.

Если различие между искусством периода рококо и барокко для вас немного размыто, не бойтесь. Изучите обзор определений искусства рококо и барокко, а также некоторых художников-новаторов и архитекторов каждого периода, которые создали некоторые из мгновенно узнаваемых произведений, которые мы знаем сегодня.

Что такое искусство барокко?

Искусство барокко возникло около 1600 года, примерно через 70 лет после окончания Раннего Возрождения во Франции и Высокого Возрождения в Италии. Говорят, что этот период длился около 150 лет, за это время появились известные художники и архитекторы, такие как Караваджо, Питер Пауль Рубенс, Диего Веласкес, Джованни Баттиста Гаулли, Рембрандт ван Рейн, Йоханнес Вермеер, Джан Лоренцо Бернини и Франсиско де Сурбаран.

Считается, что термин «барокко» произошел от итальянского слова barocco , которое средневековые философы использовали для обозначения «препятствия в схематической логике». Barocco позже стал термином для любой искаженной идеи или сложного мыслительного процесса.

Висская церковь, Германия. Изображение с Викисклада.

Характеристика искусства барокко

По сравнению с более классицистическими мотивами и пассивным пространством в произведениях эпохи Возрождения, искусство барокко, возможно, было «искаженным» в том смысле, что оно было шокирующе другим. Картины в стиле барокко были иллюзорными (делили физическое пространство со зрителем и обеспечивали несколько меняющихся видов), в то время как скульптуры и архитектура были украшены иллюстрациями. Вместе работы в стиле барокко создавали декоративное единство в церквях и других местах, где их обычно видели.

Светотень , использование интенсивного контраста света и тени в изобразительном искусстве, стало широко использоваться в искусстве периода барокко для изображения глубины, трехмерности и чувства драмы. Характеристики искусства барокко включали сияющие цвета, источники скрытого света и эксперименты с контрастными поверхностными текстурами.

Определение искусства барокко:

• Даты действия: c. 1600-1750
• Происходит от итальянского слова «искаженная идея»
• Возник в основном как средство продвижения католической церкви во время протестантской Реформации
• Подчеркивает веру в церковь и власть государства
• Драматические контрасты светлого и темного
• Эмоциональные, часто религиозные изображения
• Чувства величия, благоговения, движения и напряжения
• Скрытые источники света
• Различные контрастные текстуры
• Всеохватывающие произведения (иллюзионистские)
• Материалы: бронза, позолота, гипс, мрамор, лепнина
• Акцент в архитектуре: ось входа, павильон

Архитектура барокко

Наиболее типичные формы архитектуры барокко, которые развивались в Италии и которые можно увидеть в других римско-католических странах, таких как Испания, Португалия, северная Бельгия, Австрия и Польша, обычно включают главную ось или точку обзора, например как алтарь. Входные оси или центральные павильоны являются объектами непосредственного внимания. Эта форма архитектуры барокко включала в себя яркие материалы, такие как бронза и позолота, гипс, мрамор и лепнина, которые использовались для архитектурных элементов, таких как витые колонны и сводчатые купола.

Здания в стиле барокко часто расширяются за счет общественных площадей, обращенных к ним, что существенно затмевает их окружающую среду. Такие театральные, внушающие благоговение сооружения и сцены, покрывающие потолки и стены, все чаще становились способами распространения веры в католическую церковь во время протестантской Реформации, а также дальнейшего возвышения государства. В церквях в стиле барокко особое внимание уделялось набожному поклонению; Дворцы в стиле барокко обладали высшей властью и порядком.

В других протестантских регионах, таких как Англия, Нидерланды и другие страны Северной Европы, архитектура в стиле барокко была более спокойной и изысканной. В протестантских странах и во Франции архитектура была геометрической и точной. Французский стиль барокко был отдельным, и именно его французы называют «классицизмом». Подумайте: Версальский дворец.

Galerie des Glaces (Зеркальный зал) в Версальском дворце, Версаль, Франция. Изображение с Викисклада.

Художники и архитекторы эпохи барокко

Караваджо (1571-1610)

• Итальянский художник
• Известный: драматическое использование освещения в картинах в стиле барокко
  

Караваджо, «Святой Иероним пишет», ок. 1605-6. Изображение с Викисклада.

Джан Лоренцо Бернини (1598-1680)

• Итальянский скульптор и архитектор
• Известен: создание скульптуры в стиле барокко
  

Baldacchino в Соборе Святого Петра, 1623-34, бронза, Ватикан. Фото Saiko через Wikimedia Commons.

Джованни Баттиста Гаулли (1639-1709)

• Итальянский художник
• Известен: великие иллюзионистские барочные фрески свода

Барочный фасад церкви Джезу работы Джованни Баттиста Гаулли, Рим, 1580 г. Фото Алессио Дамато с Викисклада.

Питер Пауль Рубенс (1577-1640)

• Фламандский художник
• Известен: влияние на традиции фламандского барокко

Питер Пауль Рубенс, «Снятие с креста», 1617–1618 гг. Изображение с Викисклада.

Диего Веласкес (1599-1660)

• Испанский художник
• Известен: Барочные портреты испанской королевской семьи и известных личностей

Диего Веласкес, «Менины», 1656-67. Изображение с Викисклада.

Франсиско де Сурбаран (1598-1664)

• Испанский художник
• Известен: искусное использование света и тени в религиозных картинах в стиле барокко

Франсиско де Сурбаран, «Святой Лука как художник перед Христом на кресте», 1630-39. Изображение с Викисклада.

Возникновение искусства рококо

На рубеже 18-го века наступил период Просвещения (1700-1780). Это было прославлением разума, согласно которому «целями разумного человечества считались знание, свобода и счастье».

Предпочитая политическую философию религиозной пропаганде, просвещенные европейцы повлияли на появление в квартале нового ребенка: рококо. Термин «рококо», вероятно, произошел от французского слова roc aille, , что означает «галька» и относится к камням и ракушкам, которые использовались для украшения интерьеров пещер. Раковины и подобные формы в конечном итоге стали основным мотивом рококо.

Рококо зародилось во Франции в начале 1700-х годов, которая уже показывала признаки отхода от барокко со своим собственным стилем французского барокко. Рококо, конечно, ассоциировалось не с церковью, а с французским королем Людовиком XV. Позже движение распространилось на другие европейские страны в течение 18 века.

Салон принцессы , Hôtel de Soubise, Париж. Изображение с Викисклада.

Характеристика искусства рококо

Хотя рококо возник из искусства барокко, художники рококо отвернулись от барочного драматического символизма власти церкви. Вместо этого они стремились элегантно возвысить власть и класс французских аристократов. Рококо представлял собой «светскую высокую моду».

В художественном движении рококо, которое в первую очередь возникло благодаря внутренней отделке, пастели заменили яркий свет и тень барокко; свет стал настоящим и рассеянным, а не скрытым. Картины в стиле рококо часто изображают веселые сцены светской элиты, будь то дома или на открытом зеленом пастбище. Символы игры, романтики, красоты, секса и мифологии часто проявляются в произведениях искусства того периода.

Определение рококо

• Даты действия: c. 1715-1789
• Происходит от французского слова, обозначающего ракушки и гальку
.
• Часто характеризуется мотивами ракушек
• Возник в эпоху Просвещения
• Подчеркивает цели знания, свободы, счастья
• Пастель, светлые, мягкие тона
• Эфирные, нежные, изящные сцены элиты
• Чувство игривости, счастья, романтики
• Рассеянный свет
• Обычно нерелигиозные
• Символы секса, красоты, ухаживания, мифологии
• Материалы: бронза, позолота, мрамор, резное дерево, лепнина
• Асимметричные изогнутые формы и формы

Архитектура рококо

Архитектура рококо в основном включала дворцы и усадьбы монархов и аристократов. Церкви и дворцы, хотя и все еще объединяющие скульптуру, живопись и окружающую архитектуру, были освещены изнутри, чтобы излучать более эфирные сущности. На смену театральным темным интерьерам пришли изящные и утонченные пространства. Декоративное искусство в стиле рококо — канделябры, канапе и комоды, и это лишь некоторые из них — часто можно было увидеть в салонах, где высший класс развлекал своих гостей.

Материалы, используемые в декоративном искусстве и архитектуре рококо, включают бронзу, позолоту, резное дерево, лепнину, мрамор и фарфор.

Художники и архитекторы рококо

Жан Антуан Ватто (1684-1721)

• Французский художник
• Известный: основатель французского стиля рококо

Жан Антуан Ватто, «Праздник любви», 1718-1719 гг. Изображение с Викисклада.

Жермен Боффран (1667-1754)

• Французский архитектор
• Известен: Интерьеры в стиле рококо

Фасад стены в стиле рококо в спальне принца де Рохана в Hôtel de Soubise работы Жермена Боффрана, 1735–1736 гг. Изображение с Викисклада.

Франсуа Буше (1703-1770)

• Французский художник, рисовальщик и офортист
• Известный: идиллические, сладострастные картины

Франсуа Буше, «Секретное послание», 1767 год. Изображение с Викисклада.

Франсуа де Кувильес (1695-1768)

• Бельгийский дизайнер-декоратор и архитектор
• Известен: Привнесение стиля рококо в Мюнхен и Центральную Европу

Schloss Augustusburg Франсуа де Кувилье, 1729-40, Брюль, Германия. Фото Вандерндера Велтрейзендера с Викисклада.

Жан-Оноре Фрагонар (1732-1806)

• Французский художник и гравер
• Известен: гедонизм и изобилие в стиле позднего рококо

Жан-Оноре Фрагонар, «Пейзаж с пастухами и стадом овец», 1763-65. Изображение с Викисклада.

Джованни Баттиста Тьеполо (1696-1770)

• Итальянский художник и гравер
• Известный: многочисленные декоративные картины в стиле рококо
  

Джованни Баттиста Тьеполо, «Аполлон, преследующий Дафну», ок. 1755-60. Изображение с Викисклада.

Хотя искусство рококо возникло примерно через 100 лет после того, как искусство барокко стало популярным (в то время, когда искусство барокко было менее популярным, но все еще существовало), характеристики этих двух движений часто могут переплетаться; однако есть заметные различия в значениях, техниках, стилях и символах, которые могут помочь вам отличить их друг от друга, если вы знаете, что искать.

Ищете больше? Исследуйте живопись и скульптуру на Бесценном прямо сейчас.

Путеводитель по элегантности и великолепию

Если вы хотите придать своему дому нотку изящества и роскоши, дизайн интерьера в стиле рококо — это то, что вам нужно. Этот стиль существует уже много веков, и, по словам дизайнеров, сегодня он популярен как никогда.

Здесь мы рассмотрим его историю и особенности, которые делают его таким уникальным. Кроме того, мы дадим вам советы по включению элементов рококо в ваш домашний декор.

Итак, если вы готовы почувствовать себя королевской особой, продолжайте читать!

Что такое Стиль рококо e и откуда он взялся?

Термин рококо происходит от французского слова rocaille , означающего ракушку или каменную кладку. Столетия назад люди использовали этот термин для описания богато украшенной резьбы и декоративных работ, встречающихся в архитектуре, мебели и искусстве.

Сегодня этот термин относится к роскошному стилю декора, который впервые появился во Франции 18 века, во времена большой роскоши и экстравагантности.

Для французского рококо характерно использование витиеватых и замысловатых узоров и орнаментов, асимметрия, изогнутые линии, нежные пастельные тона, акцент на легких, воздушных элементах.

Он быстро стал популярен среди французских аристократов, а затем распространился в Австрии и Германии.

Он также присутствовал в Великобритании, но англичане не так высоко ценили этот стиль, как остальная часть континентальной Европы. В результате рококо было принято там в более умеренной форме.

Рококо достигло пика популярности во время правления французского короля Людовика XV, прежде чем потеряло популярность в конце 18 века.

В последние годы этот экстравагантный стиль пережил возрождение в дизайне интерьеров благодаря уникальному сочетанию элегантности и роскоши, которое он предлагает.

Rococo Architectur e — Ключ Особенности

• Асимметрия
• Легкость 
• Орнамент 
• Кривые и завихрения 
• Текучесть
• Готическое влияние
• Влияние классицизма

Рококо находился под сильным влиянием готического стиля и классической античности, что видно из работ архитекторов рококо, которые часто использовали элементы обоих стилей (например, классицистические колонны и стрельчатые готические арки).

Рококо также обычно ассоциируется с чрезмерным декором, поэтому его иногда недооценивают.

Хорошим примером архитектуры рококо является Версальский дворец под Парижем (бывший центр политической власти во Франции), построенный Людовиком XIV. Другой — дворец Шенбрунн в Вене, Австрия.

Барокко и рококо — в чем разница?

Дизайн интерьера в стиле рококо часто путают с дизайном интерьера в стиле барокко. Хотя оба стиля роскошны и драматичны, между ними есть несколько ключевых отличий.

Происхождение

Рококо зародилось во Франции в начале 18 века, а барокко зародилось в Италии в конце 16 века.

Цветовые оттенки

Интерьеры в стиле рококо выполнены в пастельных тонах, в то время как барокко имеет тенденцию быть темнее и насыщеннее.

Эстетика

Стиль барокко характеризуется величием, а рококо более утонченным и замысловатым. Стиль барокко подчеркивает объем и массивность, а рококо – детали и орнамент.

По сравнению с более строгим стилем барокко интерьеры рококо легкие, игривые, изящные.

Симметрия

Симметрия — еще одно важное различие между этими двумя стилями. В то время как стиль барокко фокусируется на симметрии, рококо использует асимметрию.

Возрождение рококо — это современный взгляд на рококо, который можно увидеть в домах и офисных помещениях по всему миру из-за его растущей популярности в последние годы.

В этом стиле используются многие элементы рококо 18-го века, но в более современной интерпретации.

Современное рококо адаптировано под нужды современных домовладельцев. Он часто отличается более приглушенными цветами и более простым дизайном, но все же сохраняет сущность рококо 18-го века — элегантность, роскошь и богатство.

Одним из наиболее важных аспектов современного рококо является использование цвета. Насыщенные и яркие цвета (включая золото, серебро и другие металлики) используются для создания ощущения роскоши и роскоши.

Особенности дизайна интерьера в стиле рококо аналогичны архитектуре рококо и включают в себя:

• Сложные и детализированные конструкции
• Использование легких и воздушных элементов
• Отсутствие симметрии
• Элегантность и изысканность

Тем не менее, добавляя элементы рококо в свой дом, важно не переусердствовать, чтобы ваше пространство не выглядело безвкусной мешаниной.

Помните, немного рококо может иметь большое значение!

Характеристики рококо — Как их распознать

1. Подавляющий декор 

Дизайн в стиле рококо — это излишество и роскошь, поэтому не бойтесь включать множество декоративных элементов. Используйте роскошные ткани, украшения с замысловатыми деталями и множество золотых и серебряных акцентов. Не забудьте добавить картины в декоративные рамки и другие мелкие детали.

2. Повышенная легкость и воздушность

Помещения в стиле рококо обычно отличаются обилием пастельных тонов, светлым деревом и тканями, которые создают ощущение простора в вашем доме.

3. Потолочный плинтус

Дизайн интерьера в стиле рококо известен использованием потолочной лепнины. Потолочная лепнина в стиле рококо — отличный способ добавить глубину и текстуру потолкам в вашем доме.

Если вам нужен более драматичный вид, подумайте о приобретении потолочного медальона в стиле рококо. Он большой, богато украшенный и действительно может заявить о себе.

4. Роскошная мебель

Наконец, не забудьте про мебель. Несколько хорошо подобранных предметов (например, диваны с изогнутыми подлокотниками и тафтинговой обивкой, стулья для чтения с ножками-кабриолями и т. д.) могут добавить нотку элегантности, изысканности и красоты в любое пространство.

Существует несколько различных типов мебели в стиле рококо (например, Людовика XV, итальянского рококо, неоклассического рококо), но все они имеют общие черты, такие как декоративная резьба и изгибы.

Например, для мебели в стиле Людовика XV характерны изогнутые линии и орнамент в стиле рокайль с такими мотивами, как ракушки, цветы и завитки.

Такая мебель часто изготавливается из резного дерева, обитая бархатом или шелком, позолоченная сусальным золотом или украшенная деревянной инкрустацией для придания дополнительной роскоши.

R Стиль ococo — Советы по внедрению в вашем доме

Если вы хотите украсить свою комнату в стиле рококо, подумайте о роскоши, элегантности и роскоши. Комнаты в стиле рококо, как правило, украшены замысловатой лепниной, позолоченными деталями и роскошными тканями для достижения общего эффекта величия и экстравагантности.

Но как это сделать у себя дома?

• Используйте декоративную лепнину вокруг дверных проемов, окон или на потолке.
• Используйте множество изгибов и завитушек в вашей мебели и декоре.
• Выберите богатые ткани , такие как бархат, шелк или парча для обивки и штор.
• Выберите легкие и воздушные цвета , такие как бледно-розовые, голубые или мягкие пастельные тона.
• Использование резная или позолоченная мебель в стиле рококо
• Добавьте светильники в стиле рококо (люстры и настенные бра особенно типичны для этого стиля, но торшер с декоративной отделкой также может помочь).
• Повесьте на стены картины в стиле рококо или гобелены.
• Используйте более крупных декоративных элемента (например, зеркало с замысловатой резьбой или детализированную раму с позолотой).
• Наконец, не забудьте небольших декоративных предмета — вазы, часы и подсвечники, которые действительно помогут создать единый образ.

Заключение

Дизайн в стиле рококо возвращается, и мы считаем, что это идеальный способ добавить элегантности и неподвластности времени вашему пространству.

Если вы хотите не отставать от этой тенденции, следуйте приведенным выше советам и экономно используйте современные элементы, чтобы сохранить общий вид вашего жилого пространства изысканным и стильным.

Часто задаваемые вопросы

Какие были главные особенности рококо интерьеры ?

Рококо известен богато украшенными деталями, пастельными тонами, сложной резьбой, позолоченными акцентами и цветочными мотивами.

Некоторые черты интерьера в стиле рококо:

• Резные изделия из дерева
• Стены из гипса с изящной отделкой в ​​стиле рокайль
• Шелковые шторы с замысловатой вышивкой
• Керамическая плитка с ручной росписью
• Позолоченная мебель с замысловатыми изгибами и завитушками.

Из-за этого мебель в стиле рококо часто считается слишком богато украшенной или вычурной. Но при правильном и умеренном оформлении пространство в стиле рококо может выглядеть очень элегантно и шикарно.

Что такое рококо мебель из чего?

Большая часть мебели в стиле рококо изготавливается из резного дерева (орех, красное дерево, палисандр и др.), часто с позолоченными вставками. Изгибы и изгибы в дизайне делают эту мебель довольно изящной и замысловатой.

Но в настоящее время есть варианты из металла и пластика для тех, кто хочет более современного подхода к дизайну в стиле рококо.

В чем разница между барокко и рококо мебель ?

Мебель в стиле рококо часто более богато украшена и декоративна, чем мебель в стиле барокко. Обычно он характеризуется асимметричными формами, изгибами и натуралистичным дизайном.

С другой стороны, мебель в стиле барокко менее декоративна, более симметрична и более формальна. Обычно он имеет сложную резьбу и интенсивное использование позолоты.