Художники как рисуют: На чем рисует художник: история из прошлого в настоящее

На чем рисует художник: история из прошлого в настоящее

Друзья мои, а вы задумывались над философским вопросом: что первично холст или кисть? Я думаю, что сначала мы выбираем на чем рисовать, а уж затем подбираем инструмент для творчества. А у вас какое мнение?

И если с кистями все более-менее понятно, я даже как-то написала об этом информационную статью, то с поверхностей для живописи оказалось очень много!

Итак, на чем рисует художник, прежде всего зависит от задачи, которая стоит перед ним на данный момент. Если он пишет картину, то скорее всего, выберет холст необходимой фактуры и размера. А если пишет этюд, набросок для будущей работы, воспользуется картоном или бумагой для живописи.

Я рисую натюрморт с вином и скульптуркой на холсте

Если посмотреть вглубь вопроса и копнуть историю, то в качестве основы для живописи художники использовали абсолютно разные поверхности. Например, камень, дерево, металл, пергамент, холст… И можно бесконечно продолжать! Иногда художники рисуют даже на бумажной салфетке! Ну если вдохновение неожиданно посетило!

Мне тут вспомнилась забавная история про художника и бумажную салфетку, за достоверность которой я не ручаюсь. Возможно, это просто легенда, но право, очень любопытная!

Однажды Пабло Пикассо, уже будучи заслуженным состоявшимся художником, пил кофе в испанском кафе и что-то рисовал на салфетке. Возможно, в этот момент у художника появилась интересная идея, у творческих людей такое случается!

А напротив Пикассо сидела женщина, которая с почтением и интересом наблюдала за ним. Когда художник собрался уходить, его поклонница попросила продать ей салфетку с наброском, заметив, что заплатит за эскиз.

«10 тысяч долларов», — не моргнув глазом назвал цену Пикассо. Женщина возразила: «Как? Всего за 2 минуты, которые вы потратили на рисунок?» На что художник ответил: «Вы ошибаетесь, на этот рисунок ушло более 60 лет»

Вот, оказывается, насколько ценным может быть набросок на бумажной салфетке! Как вы понимаете, это шутка, но в каждой шутке можно найти долю истины.

А теперь вернемся к нашей теме: на чем рисует художник, исторические факты. Вероятно, вы знаете, что знаменитая Мона Лиза Леонардо да Винчи написана на деревянной панели из тополя.

Дерево или деревянная панель для живописи масляными красками использовалась довольно давно. Чаще всего брали тот вид древесины, которая произрастала в данной местности. А еще известно, что древние римские художники использовали деревянные панели из кедра или липы. А западноевропейские писали свои шедевры на досках из тополя, бука или каштана.

Кедровая доска под живопись

Фламандские художники в качестве основы для живописи брали древесину красного дерева и дуба. А русские живописцы использовали свои деревья: сосну, ольху или березу. Кстати, известнейший шедевр Андрея Рублева «Троица» написан на сосновой доске)

В те времена деревянная панель изготавливалась как из цельной древесины, так и могла быть скрепленной или склеенной из отдельных дощечек. И с тех пор ничего не изменилось, в настоящее время тоже популярны картины масляными красками, написанные на дереве или на деревянных дощечках. Тут, как говорится, все зависит от задумки художника, ну или от спроса заказчика.

Из истории возвращаемся к тому, на чем рисует художник в наше время.

В первую очередь, конечно —  холст на подрамнике. Холсты бывают разными по материалу изготовления: льняные, коттоновые, синтетические, а также из смесей этих волокон. Так же есть отличия по величине зерна, этот показатель определяет гладкость поверхности для живописи. Подробнее узнать о разных видах холстов вы можете

в специальной статье. 

Я заканчиваю картину на льняном холсте

Хочу добавить, что качественный хост удовольствие не из дешевых, особенно что касается льняных холстов. Но есть же и эконом варианты, о которых я вам сейчас расскажу.

На чем рисует художник картины, если не желает тратиться на дорогие холсты? Вполне можно использовать как поверхность для масла или акрила холст на картоне. Результат точно такой же, не отличишь! А есть еще и плюсы, если художник пишет картину в пастозной технике, то холст на картоне отлично держит массу красок, не деформируясь под их тяжестью. То есть не провисает, как может случиться с коттоновым холстом.

Пример моих картин / холст на картоне

Я знаю, что существует мнение, что живопись на холсте, это настоящее произведение искусства, без подделок и фальсификаций.  А как же тогда все наши мастера, о которых я упоминала ранее, они ж вообще писали на деревянных панелях? Думаю, что возник такой современный стереотип: живопись только на холсте, а все остальное бяка. Но ведь картина несет в себе энергетику художника независимо от того, на чем она написана!

Еще экономнее вариант — писать картины на оргалите или ДВП. Древесно-волокнистая плита, так полностью звучит название этого материала, изготавливается методом горячего прессования. Сырьем для изготовления служат отходы деревообрабатывающей промышленности, целлюлоза или стебли тростника, а также связующее вещество.

Пример моей работы на оргалите

ДВП для живописи продается с грунтом и без него. Еще один приятный бонус: одна сторона ДВП гладкая, а вторая тисненая, очень похожа на переплетение холста. Если хорошенько загрунтовать рифленую поверхность, то отличить её от настоящего холста практически невозможно.

Рождение парусника мастихином на ДВП

Если вы новичок и стоите перед выбором на чем рисовать начинающему художнику, отдавайте преимущество картону. Он дает возможность попрактиковаться, прокачать способности и научиться новым техникам живописи не в ущерб кошельку.

Только не впадайте в комплексы, профессиональные художники тоже рисуют на картоне! Да, он недолговечен, но от этого результат работы не становится хуже

На чем рисует художник картины и этюды или как выбрать картон для живописи:

• художественный картон отличается плотностью, она должна быть около 1000г/м2
• картон для рисования может быть с грунтом или без него
• грунтованный картон для живописи бывает одно и двухсторонний

На чем рисует художник, если надо разработать эскиз картины?

Есть также художники, что пишут этюды и даже картины на упаковочном плотном картоне.

Это такой твердый проклеенный картон, который можно загрунтовать и применять для живописи маслом. К примеру, если надо разработать эскиз для будущей картины или попрактиковаться в написании какого-либо объекта необязательно использовать холст.
Если вы хотели бы продать свою работу/ экскиз, то лучше предлагать покупателю не картон в чистом виде, а холст на картоне. Он легче по весу и отправить его получиться дешевле)

Мои цветочные миниатюры мастихином/ холст на картоне

Кстати, такие мини холстики я делаю сама, они отлично подходят под живопись мастихином!

Друзья, за несколько лет я написала более 100 статей с видео. Не стесняйтесь читать статьи, ведь они написаны для вас))  Для удобства в поиске они собраны по тегам:
Масло
Акрил
Холст

Арт своими руками
Современная живопись
Фитнес для мозга
Остальные Теги по статья вы можете найти с правой стороны на сайте

Еще для обучения живописи маслом новичку отлично подойдет и специальная бумага для масла и акрила.

Как выбрать бумагу для живописи:

• почитать маркировку, «бумага для масляной живописи», именно так должно быть написано
• обратить внимание на её плотность, она должна быть не менее 300г/м2
• рекомендуется выбирать бумагу для живописи с рельефной текстурой, напоминающей холст

Напоследок хочу заметить, что в творчестве не главное на чем рисует художник. Куда важнее настрой, желание и вдохновение!

 Мое видео — Как я рисую большие картины на примере одной из них

Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

Художники рисуют, что хотят — Портал Культура Петербурга

В сентябре 2022 года в Артмузе можно посетить несколько художественных выставок и узнать, что хотят рисовать художники и узнать, может ли быть картошка Венерой.

---

Хрупкая угольная графика «Fading out»

В рамках выставки «Fading out» представлены две серии графических листов: «Не самый образ вещей» и «Берег Офелии».

Серия графических портретов «Не самый образ вещей» объединяет символических персонажей, прообразами для которых послужили родные, близкие и знакомые художника. Выполненные углем на бумаге, они напоминают чёрно-белые фотографии из семейного архива, старательно закрашенные детской рукой в яркие жизнеутверждающие тона.

«Берег Офелии» – это размышления на тему женской, девичьей чистоты, символом которой для художника является Офелия – юная, искренняя и непорочная в мире преступлений и лжи. Девочка оказывается беззащитной перед огромнейшим миром, предлагающим ей все, в котором каждый интерпретирует любое понятие по-своему. Художник ищет точку опоры и находит ее в христианских заповедях. Берег Офелии – это библейские истоки, заложенные Самим Создателем, однако в предлагаемых нам условиях метамодерна чистота обречена на искажение до неузнаваемости, а порой и на исчезновение.

Елена Бородина (Тугозвонова) – художник-график, живет и работает в Выборге.

 

Выставка до 31 октября 2022 года

 

 

Работы Елены Бородиной (Тугозвоновой)

---

Исповедь заключенного «Бог есть любовь?»

7 сентября 2022 года в музее современного искусства АРТМУЗА состоится торжественное открытие выставки-феномена «Бог есть любовь?» Андрея Митенева. На вернисаже также состоится презентация одноименной книги, в которую вошли 200 документальных зарисовок тюремной жизни. «Бог есть любовь» — неоспоримая духовная константа, непоколебимая истина, или невидимая битва, в которой право на любовь приходится отстаивать и доказывать каждый день? Современный художник, скульптор Андрей Митенев, судьба которого оказалась настолько замысловатой, что забросила его на два с половиной года в тюрьму, откуда он вышел с ворохом фантастических работ и самых невероятных историй, составил уникальную визуальную энциклопедию современной российской тюрьмы.

 

За время заключения художником создано около 300 работ, представленных в нескольких графических сериях. Первая — «Just в Аду» — посвящена задержанию и первому шоку от новой реальности. Вторая, самая большая — это жанровые сценки, описывающие будни заключенных в сизо и колонии. Третья серия — портреты заключенных, каждый из которых сопровождается высказыванием о том, что такое «свобода». Четвертая — прошедшие цензуру письма с картинками, которые художник отправлял родным и друзьям. И, наконец, пятая — большие работы на тюремных простынях, материале, традиционно заменяющем холст — на них художник уже в колонии рисовал свои «Сны», это самая яркая, сюрреалистичная серия, в которой мифологические сюжеты переплетаются со страхами и надеждами автора.

 

До 7 октября 2022 года

 

Работы Андрея Митенева

---

Ретроспективная выставка Александра Боркова «Я всегда рисовал, что хотел»

 

В творчестве художника есть две тематические линии: первая, связанная с родными местами, с русской деревней, с провинцией (Новая Ладога, Торопец). Здесь все просто, прозаично, сурово и зачастую решено в сумрачной, серо-коричневой гамме, как бы дышащей сыростью обнажившейся от снега весенней почвы. Дома колеблются, кренятся, церковь – наклонена, плывет, не находя себе незыблемого положения, деревья и строения порой напоминают буквы спешащего почерка.

 

Вторая линия – карусель зарубежной фиесты, напоминающие театральные постановки пейзажи Флоренции, Венеции, Парижа… Из импульсивного изобразительного описания возникает своего рода модель мира, – пластичного, живого, исполненного потенции движения. Вселенная Александра Боркова часто раскрывается как система взаимоотражений. Кажущееся простым – оказывается сложным, взывающим к раздумью, «разгадыванию». На первый взгляд, вроде бы, вполне бесхитростный и даже грубоватый стиль автора, выдерживает длительное созерцание.

 

До 1 ноября 2022 года

Работы Александра Боркова

---

Ретроспективная выставка «Саркофаг для картошки», приуроченная к юбилею Александра Позина

Название «Саркофаг для картошки» возникло благодаря небольшой бронзе, с которой и начался цикл работ, представленных на выставке. Отправной точкой стал эксперимент: художник попробовал окунуть несколько раз картошку в воск и снять форму. Посмотрел, полюбовался и отложил. Через пять лет на пыльной полке нашел высохшую «мумию» картофелины, поместил внутрь ее отформованной прошлой жизни, и так все и началось.

 

«Возможно, все благодаря «Венере Виллендорфской», которую я увидел в учебнике истории за пятый класс в 1968 году. На картинке была изображена «картофелина с грудью», отдаленно напоминающая грузную женщину. Подпись напоминала, что это Венера из Виллендорфа, то было еще, то время, когда я считал, что Венера — это Венера. А картошка — это картошка».

— считает Александр Владиславович Позин — советский и российский скульптор, Автор памятников «Оставшимся без погребения» и «Формула скорби», монумента «Разрыв», скульптурной группы «Человеческие достоинства и пороки», памятника Ольге Берггольц и др.

 

До 3 ноября 2022 года

 

Работа Александра Позина

 

 

 

Материал подготовлен редакцией портала «Культура Петербурга». Цитирование или копирование возможно только со ссылкой на первоисточник: spbcult.ru

---

Что и зачем рисуют современные художники — Look At Me

Что и зачем рисуют современные художники — загадка для большинства. Но самое удивительное — при нашествии «цифры», радикальности перформанса и тотальных инсталляций их интерес к традиционной живописи никуда не делся. Сотни молодых художников новой волны экспериментируют с красками и поверхностями, не боятся писать картины после Малевича, Бэкона и Ротко и дают другое прочтение привычным подходам и жанрам.

За двадцать лет ренессанса живописи музеи и галереи снова наполнились холстами, предметы которых стали все более зыбкими и неузнаваемыми. Живопись становится похожа на кино: жанры и техники смешиваются между собой, а границы китча и искусства размыты как никогда раньше. В первой части гида по современной живописи Алиса Таёжная объяснила, что случилось с картинами во второй половине XX века, а теперь на примере самых известных современных живописцев показывает, что писать картины — совсем не старомодно.

 Текст: Алиса Таёжная

 

Предмет

Предмет в современной живописи совершенно не обязательно должен начинаться и заканчиваться на холсте, может существовать без тени и четкого очертания и вообще не ставит целью напомнить какой-то предмет или опровергнуть канон того, как рисовались предметы. Временами он настолько неуловим, что догадаться о нем можно только по надписи. Предмет без функции, но в контексте — наверное, таким было бы общее описание вещей в живописи здесь и сейчас.

Criss Canning, Arthur Merric Boyd Coffee Set, 2003Michael Craig-Martin, Knowing, 1996Susan Rothenberg, With Martini, 2002 Wayne Thiebaud, Cakes, 1963 Cindy Wright, Eat, eat, eat, 2007Luc Tuymans, Plates, 2012William Scott, Bottle and bowl, blues on green,1970

 

Человек

Портретное сходство остается уделом фотографии (и уже даже не как искусства, а как молчаливого регистра в фейсбуке или айфоне). Эмоция человека совсем не обязательно должна быть изображена в пределах лиц и тел — как смотрят на нас мускулистые мужички с полотен Машкова или Фрида со сросшимися бровями. Что же теперь рисует художник, когда рисует человека? В первую очередь — его человечность, нечто живое и неуловимое, что присуще только существам, которые умеют дышать. Направления жестов, полуповороты тела, акценты поз, тона теплокровной кожи, штрихи одежды — и незавершенность портрета почти всегда становится не только высказыванием, но и знаком качества.

Richard Phillips, Spectrum, 1998Martin Kippenberger, Untitled from the series Jacqueline: The Paintings Pablo Couldn’t Paint Anymore, 1996Marlene Dumas, Emily, 1984-1985Gary Hume, Young Woman,1998 Ellen Gallagher, Mr. Terrific, 2004-2005Elizabeth Peyton, Jarvis, 1995Francis Bacon, Head III, 1961Kehinde Wiley, Rubin Singleton, 2008Lucian Freud, Girl in a Dark Jacket, 1947

 

Ситуация

Жанровая сцена как раскадровка и застывшая картинка из театра исчезли из современной живописи чуть ли не раньше всего. Даже на мансардах Ренуара девушки в шляпках смотрят не на кавалеров, а куда-то между их трубками, сиренью и небом, и взгляд этот ловить не надо. Ситуация в живописи сейчас — это условно, минимум — живое в мертвом: от собаки на кресле до человека в аэропорту. И те, и другие одинаково плоские — перспектива убивает все: рука начинается или заканчивается в перилах, ноги уходят в лестницу, а волосы сливаются с фоном. Границы иллюзорны, и слияние с поглощением занимают сейчас художников больше всего, ведь аморфность и прозрачность — наша чуть ли не самая новая и интересная черта.

Neo Rauch, Die Fuge, 2007Wilhelm Sasnal, Untitled, 2004Mickalene Thomas, Just a Whisper Away, 2008Karin Mamma Andersson, Scener ur ett äktenskap, 2009Kara Walker, Gone, 1994Eric Fischl, Bad Boy, 1981Daniel Richter, The Entertainus, 2009 Enzo Cucchi, Ondeggiavano, 2007

 

Линия и форма

Кошмар обывателя — абстракция — продолжается, потому что рисовать нечеткое нечто, которое обретает новую суть через цвет, форму и размах линии — это бестелесная живопись с нуля, без впечатления, живопись из головы, идущая от импульсов. И хотя большинство абстрактных полотен — предмет инвестиций для бесхребетных коллекционеров и унылых банков, лучшие из современных абстракционистов продолжают вычленять из белого шума вещи, которых не существует в осязаемой природе.

Cy Twombly, Leda and the Swan, 1962Roger Hilton, September 1961, 1960 David Malangi, Water Hole, 1994Jasper Johns, The Dutch Wives, 1975Barnett Newman, Vir Heroicus Sumblimis, 1950-1951Brice Marden, The Muses, 1993Raoul de Keyser, Krijtlijnen HV, 1976Olle Baertling, Deni, 1961Lee Ufan From Line, 1979 Ellsworth Kelly, Blue, Green, Red II, 1965Christopher Wool, Untitled, 2007Charline von Heyl, Yellow Rose, 2007Tim Bavington, Voodoo Child (Slight Return), 2001Arturo Herrera, Say Seven, 2000Albert Oehlen, FM 16, 2008

 

Пейзаж

Природа у современных живописцев — не Божий храм и не мастерская, не декорации и не пастораль, из которой выкурили всех людей. На планете, где живет почти семь миллиардов человек, природа и среда — универсальная утопия, нарисованная пунктиром, в которой бывали или попадают все. Она без конца и без края, проявляется то в виде полей, то в мелочах — из плоской детской раскраски, где фон и герои не существуют друг без друга. Природа — это огромный человек без глаз и носа, утонувший в обыденности и безвременье.

Edward Hopper, Gas, 1940Hans VANDEKERCKHOVE, The road never ends, 2004Fred Williams, Waterpond in a Landscape, 1966Raqib Shaw, The Garden of Earthly Delights III, 2003Peter Doig, 100 Years Ago, 200David Hockney, A Bigger Splash, 1967John Baeder, Airline Diner, 1987Arthur Boyd, Australian scapegoat, 1987Anselm Kiefer, Paths: March Sand, 1980Milton Avery, Spring Orchard, 1959

 

Чем рисуют художники | fotoloid.ru

Чем рисовать начинающему художнику. Материалы, используемые художниками.

Основным материалом, конечно же, являются краски. Все художники люди и предпочтения у них индивидуальные. Один вообще кистью не пользуется, работает палочками для удаления лишней краски, между прочем, очень даже красиво получается.

Кто-то рисует яркие картины с насыщенными цветами, кто-то мягкие и не контрастные, а кому-то нравится фактурный рисунок с визуализацией каждого штриха.

Гуашь растворяется в воде, после высыхания имеет некоторую бледность, но одновременно обладает бархатистостью. При работе ошибки легко исправляются, нанесением дополнительного слоя, но слишком толстый слой не желателен, потому что потом это место может растрескаться и некоторые фрагменты просто отпадут от основания.

Акварель растворяется в воде, может быть по тону бледноватой или сочной. Акварель в отличие от гуаши прозрачная, то есть сквозь слой просматривается основание. Акварелью обычно пишут воду и то, что в небе. При работе с акварелью ошибки не прощаются, и их уже не исправишь, но многообразие техник делает процесс творения приятным.

Пастель наносят не кистью, этот краситель выпускают в форме мелков. Для получения требуемых оттенков пастель смешивают специальной растушевкой или пальцами. Легко исправляются ошибки, перекрывая дополнительными слоями.

Темпера – это раритет, теперь ее почти не используют, но она самая долговечная краска. Краситель яркий и не меняет первозданный тон со временем. Темпера, растворимая в воде, но после высыхания не смывается водой. При обладании соответствующего опыта темперой можно получить свойства, присущие акварели или гуаши. То есть она может и прозрачной и не прозрачной. При этом сохранится индивидуальность этого красителя, своя изюминка.

Акрил растворяется в воде, относительно молодая краска, ей всего 60 лет. Образует стойкое покрытие к воде, не выгорает при солнечном свете и не теряет первозданный вид. При жидкой консистенции получается акварельная техника, но можно работать и с густой краской, что дает возможность получить интересную фактуру. Краска легко наносится на любые поверхности – стекло, дерево, керамика, ткань и другие.

Карандаш не растворяется в воде — шутка. Художники обязательно используют его, хотя бы для набросков. А некоторые заканчивают им всю работу. Карандаш дает возможность исправить ошибки, стерев его ластиком. Можно получить тонкие, толстые, серые, черные линии, можно растушевать их. Карандаш различается по твердости, обычно мягкие используют, когда рисунок остается, а твердые — позволяют легко удалить его.

Уголь похож на карандаш, но изображение получается мягче и расплывчатее, что придает свою оригинальность рисунку. Уголь дает глубокий черный цвет, который не получишь карандашом, легче растушевывается. Недостатком угля является его хрупкость, он легко крошится и пачкается, и его уже не сотрешь ластиком.

Сангина и сепия – это натуральные красители. Сангина минерал, им рисовали еще древние люди. Сепию получают из морского моллюска — сепия, отсюда и название красителя. Современные технологии позволяют сформировать из этих веществ мелки разных оттенков коричневого цвета. Художники сангиной обычно пишут обнаженную натуру, а сепией – пейзажи. Техника работы схожа с углем, интересно смотрятся комбинация сангины и сепии.

Тушь – это разбавленная сажа. Особенность туши в ее контрастной выразительности, но при ошибке се приходится начинать сначала – она не стирается.

Масляные краски и живопись неразделимые. С 6-го века художники используют масляные краски. Особенность этого красителя в реалистичности изображения, рисунок получается живой. Основой могут быть бумага, картон, дерево, холст и другие материалы. Но требуется предварительная грунтовка поверхности.

Кистей для начинающего художника на первое время достаточно трех: №8 для покрытия больших участков с круглым концом, № 6 с прямоугольным концом и №4 мягкая нейлоновая круглая для прорисовки.

Шпатели предназначены для смешивания красок на палитре, некоторые художники ими же накладывают краску на полотно. Имеет длинное лезвие с круглым периметром.

Мастихин — это нож в форме кельмы, которые используется совместно с кистями для смешивания красок на палитре.

Палитра нужна для смешивания красок, подойдет обычная неглубокая тарелка. Деревянную палитру, предлагаемую магазинами лучше не использовать, ибо она впитывает краску, если предварительно не промаслить ее, зато у нее есть отверстие для большого пальца. К палитре крепятся специальные чашечки, в которых содержатся специальные жидкости, например, скипидар.

Банка с плотной крышкой нужна для хранения уайт-спирита, который используется для промывки инструментов и кистей. Вовсе не обязательно выливать грязный уайт-спирит, через некоторое время краска оседает на дно, достаточно перелить чистую жидкость в другую посуду, а осадка избавиться.

Хлопчатобумажные тряпки нужны для быстрого удаления краски с кисти, когда нужно взять другой цвет.

Специальные жидкости. Кроме уайт-спирита художники используют скипидар для разжижения красителя. Существует разбавитель «Сонет», который не имеет специфического запаха.

Холст бывает уже с грунтовкой, его основа льняная ткань, остается только натянуть холст на раму. В задней части рамы должны быть специальные клинья для подтягивания холста, ибо он провисает из-за пропитывания красками или влажным воздухом мастерской. Бывает, что холст наклеивают на картон, чтобы избавиться от провисания.

Мольберт. Оказывается при работе с масляными красками, поверхность должна быть вертикальной, это обеспечивает мольберт. Можно, конечно, просто прислонить картину к стене, но это как-то не профессионально и похоже на фотографирование без штатива в студии.

Лак применяется на заключительном этапе, когда картина полностью высохнет, порой ждать приходится несколько месяцев. Лак наносится в два слоя – первый состоит из скипидара и живописного лака в равных пропорциях, второй слой – неразбавленный лак. Лак наносят мягкой широкой кистью в горизонтальном положении картины. Второй слой наносят после полного высыхания первого слоя, примерно через час. Лак защищает картину от разрушения и изменения оттенка под влиянием окружающей среды, хотя этого не достаточно. Даже обработанные лаком картины требуется хранить при определенной влажности, температуре и освещенности.

Зачем художники рисуют? | Культура

Объяснение дать просто, вспомнив о пирамиде потребностей Маслоу. Пока не получено главное, не тратятся силы на второстепенное. Или иначе: пока не удовлетворены низшие потребности, для высших энергии не будет.

Надо выспаться, утолить жажду и голод. Чего еще требует организм?

Важно ощущение безопасности, далее — хорошо бы иметь привязанность и не страдать из-за отсутствия любви, принадлежать к какой-либо уважаемой группе людей, и не одной.

Когда все это налажено, появляется познавательная потребность. Затем — эстетическая со стремлением привести к гармонии разные стороны жизни и наполнить их красотой. И только после этого возникает стремление извлечь нечто из своего внутреннего мира и оставить этому миру после себя.

Когда говорят, что без удовлетворения низших потребностей невозможно подняться к высшим, это отчасти верно. Но полное удовлетворение невозможно, а частичного вполне достаточно. Художник, который не вполне сыт, испытывает некоторые опасения, не слишком любим, не все познал и великие произведения искусства видит в музее, а не в своей комнате, может стремиться к самореализации с большей силой, чем балованный принц, имеющий всего с избытком.

Живопись не гарантирует все блага этой жизни, но вероятность их получения не мала. Может ли художник заработать на хлеб или хлеб с маслом, или хлеб с маслом и икрой? Может. Но сперва придется потратиться на холсты и краски (список затрат может включать в себя что угодно и быть зашкаливающе велик или предельно скромен, не о том речь). Затем придется изучить этот мир с точки зрения художественных потребностей и попробовать удовлетворить спрос. Фантастически трудная задача для мира, в котором все завалено ширпотребом и именно к этому ширпотребу пытаются обратить внимание людей каналы информации. Так что доход удастся получить скорее благодаря торговому посредничеству или педагогической работе, магазинов и детей для этого достаточно много.

Насчет безопасности трудно сказать что-то определенное. Есть местности, где художников били, бьют и бить будут. Есть, напротив, окружающие их атмосферой наибольшего благоприятствования, и в этом случае один художник дает особый статус всей родне и всей округе.

Социальное — самое приятное. Если парень не имеет атлетической фигуры и серьезных доходов, а девушка не славится красотой лица и фигуры, комплексовать совсем не обязательно, можно принять имидж творческой личности и с легкостью забыть обо всем, чего недостает. Кругом общения станут друзья-художники, которым не свойственно обращать внимание на отсутствие чего-либо, если есть хоть намек на талант. Важно избежать соперничества и войти в братство.

Для амбициозных бездарей характерно презрение к работам других. Иногда у них есть достаточные ресурсы для того, чтобы подняться на большую высоту, и с собой они могут прихватить какого-либо умело поддакивающего новичка. Это тоже путь. Можно будет окружить себя подхалимами и отдалиться от профессионального сообщества, ссылаясь на то, что вороны летают стаями, а орлы парят в одиночестве. Правда, сообщество ответит тем, что группу поддержки такого «орла» назовет воронами, а его самого — падалью.

Материальные и социальные ресурсы значат много. Тот, кто ими обладает неограниченно, может уже завтра оказаться гением, взяв в руки кисть лишь для фотографий в глянцевых журналах. Не обладая ими вовсе, можно годами не находить пути реализовать огромный талантище. Это крайности, между которыми находится миллион людей с некоторыми способностями и некоторыми возможностями. Именно они задаются вопросом о том, стоит ли тратить время на изобразительные искусства.

Стоит. И вот почему. Тот, кто творит сам, избавлен от стереотипного восприятия работ других, и мир образов открывает ему свои пространства. Разница примерно такая же, как если сидеть в камере-одиночке — или путешествовать по всему белому свету.

Работы, сделанные вашими руками, полны ценности и смысла и для вас, и для всех, кто вас любит. Эта ценность с годами только возрастает. Не исключено, что ваши труды с гордостью передадут внукам и правнукам. Каждый род нуждается в доказательствах того, что в нем есть незаурядные люди, и ваши работы могут отвечать этой необходимости.

Жить и делать что-либо по шаблону можно очень долго, испытывая удовольствие от простоты такой жизни, но что-то в ней не удовлетворяет, и это чувство можно заглушить пивком или чем-то покрепче. Деградация не за горами. Остановить ее трудно, почти невозможно. У тех, кто творит (а не имитирует творчество ради более высокого социального статуса творца), радость не переводится, да и глушить ничего не приходится.

Творцов любят. Трудно объяснить почему, если не вспоминать об их близости к богу. Объяснения есть, но здесь не место для диссертации на эту тему.

Теги: живописец, таланты, художники, рисование, искусство

Как рисует незрячий художник? | Культура

Кроме того, при работе незрячие активно используют специальные материалы: не просто мольберт, кисть, краски и лист бумаги, а целый набор различных приспособлений, куда входят и фольга, и пластилин, и шёлковая ткань, и цветные мелки, и восковые карандаши, и пенопласт, и целлофан, и тонкая резина.

Главная задача для человека, утратившего зрение, при создании картины или рисунка — обрести так называемую «точку отсчёта». Другими словами, научиться ориентироваться по холсту в процессе работы. Если для обычного человека достаточно одного взгляда, чтобы полностью охватить всё будущее полотно и оценить, какие дополнения необходимо сделать для приобретения им законченного вида, то для незрячего важно иметь ориентиры, позволяющие делать выводы о том, что за штрихи и элементы задуманной композиции уже выполнены, а что ещё нуждается в доработке.

Для этих целей используются всевозможные средства, делающие картины слепых художников рельефными не только за счёт самого изображения, но и благодаря применяемым материалам. Поэтому произведения художников, не имеющих зрения, легко узнать среди всех прочих: они больше похожи на качественные и высокохудожественные аппликации, чем на картины в привычном для нас смысле этого слова.

К примеру, одним из наиболее распространённых и широко известных является способ рисования цветным пластилином на листе картона. Пластилин в данном случае исполняет роль красок, которые наносятся на поверхность плотного картонного листа небольшими мазками, имитирующими мазки, наносимые с помощью кисти. Работы, выполненные таким образом, эффектно выглядят и легко воспринимаются условно здоровыми людьми, часто с опаской и недоверием относящимися к тому, что сделано руками инвалидов. Тем более к сделанному в той области, которая для незрячих, казалось бы, и вовсе должна быть закрыта по причине отсутствия зрения.

Другой метод заключается в нанесении изображения на ткань с помощью цветных карандашей. Тут проблема ориентирования художника по холсту решается несколько иначе: под слой ткани, на котором будет находиться картина, помещается тонкая пластилиновая подкладка. И уже на ней все штрихи карандаша отпечатываются достаточно отчётливо для того, чтобы слепой мастер смог их ощутить с помощью рук и понять, насколько успешно продвигается работа. Разница между первым и вторым методом заключается лишь в одном: в первой ситуации опорные линии рисунка получаются выпуклыми, а во второй, наоборот — вогнутыми. Впрочем, это никак не сказывается на качестве произведений или на их оригинальности.

Помимо этого, существуют и другие техники рисования. На выставках «Группы По» (группа незрячих художников — учеников Ю. А. Нашивочникова, функционирующая в Санкт-Петербурге) были представлены произведения, выполненные на фольге и бумаге с помощью карандаша (простого или цветного) и шариковой ручки. Изображение на фольгу наносится специальным металлическим стержнем с закруглённым концом.

Доступность ориентирования по холсту здесь достигается благодаря подкладке из листовой резины или сложенного в несколько раз целлофана, помещённого лицевой стороной вниз. Линии, прочерченные карандашом или шариковой ручкой, фиксируются на подкладке, что и образовывает вспомогательный каркас рисунка, необходимый слепому художнику. Плюс этого способа заключается ещё и в том, что одновременно штрихи, сделанные карандашами или ручкой, закрашиваются в соответствующие цвета, а это, в свою очередь, придаёт изображению дополнительные яркость и живость.

Можно также упомянуть и техники рисования восковыми мелками по меловой бумаге, под которую подкладывается твёрдый и гладкий планшет. Незрячий художник в этом случае ориентируется по выпуклому следу, оставляемому восковым составом карандаша на гладкой поверхности полотна. Заслуживает внимания и метод нанесения изображения на лист плотного белого картона белым же восковым мелком. Затем этот лист опускается в цветные чернила и, естественно, окрашивается. Но только в тех местах, где нет линий, проведённых восковым мелком. Таким образом, на листе проявляется сделанный рисунок. Рисовать незрячие могут и на пластинах пенопласта. Опять-таки ручкой или карандашом, которые оставляют цветной и вместе с тем тактильно ощущаемый след.

Словом, природа не терпит пустоты и не допускает, чтобы кому-то досталось больше, чем всем остальным. Имея страстное желание и горячее стремление, обладая уверенностью в собственных силах и поддержкой окружающих, любой инвалид, даже если он незрячий, вполне способен добиться серьёзных результатов на поприще литературы, науки, искусства, политики, экономики и т. д.Ю. А. Нашивочников, изобретший живопись для незрячих, и его ученики — лучшее тому доказательство.

Теги: слепота, художники, рисование, картины, инвалиды, искусство

Как рисовать | Сеть художников

Поделиться:

Научись рисовать, и ты никогда не будешь прежним

Drawing Hands by M. C. Эшер, литография, 1948.

Великие художники знают, что они никогда не могут позволить себе отказаться от своих методов рисования, если они надеются продолжать расти и совершенствовать свои работы. Это касается иллюстраторов, архитекторов, художников, скульпторов, дизайнеров и даже художников-татуировщиков! Рисунок является основой искусства, позволяя художникам не только видеть, но и запишите то, что они видят в линиях и оттенках, контурах и жестах.

Что самое интересное в обучении рисованию, так это то, что есть так много направлений для занятий. Художник может присоединиться к программе рисования, специально предназначенной для рисования с натуры, выполняя быстрые исследования и более длительные сеансы, чтобы запечатлеть движения и жесты живой модели. Или можно заняться рисованием как личным занятием, взяв бумагу и ручку (или карандаш) и отправившись в мир, чтобы просто делать наброски. Это может позволить вам научиться рисовать различными материалами — графитом или карандашом, углем, пастелью, ручкой и тушью и другими.

Но если художник надеется научиться рисовать реалистичные объекты и фигуры каждый раз, когда он или она кладет перо на бумагу, существуют техники рисования, на которых следует сосредоточиться. Сначала идет наблюдение и координация рук и глаз, так что мы тренируем глаз интерпретировать то, что мы видим, способами, которые имеют смысл, когда мы рисуем, независимо от того, что является нашим предметом. Затем художник может начать учиться рисовать фигуры, их действия и позы. Затем последуют уроки рисования с натуры, а также регулярное рисование в альбоме для рисования. Это жизнь художников-рисовальщиков — возвращаться к рисованию и использовать его изо дня в день. Это обязательство, но награда в том, чтобы научиться рисовать что угодно!

Как рисовать

Рисовать Великая картина Пятиминутный рисунок жестами Джона ДеМартина.

«Одна из главных причин, по которой художники попадают в беду, заключается в том, что их картины не имеют прочной основы из точных и выразительных рисунков», — говорит нью-йоркский художник Джон ДеМартин.

«Рисование — неотъемлемая часть процесса создания картины, — говорит ДеМартин. «Это дает возможность исследовать вариации предмета. Художник может загореться идеей и сломя голову броситься в картину без надлежащей подготовки только для того, чтобы обнаружить — часто слишком поздно — что идея не может поддерживаться на протяжении всего процесса. Потратив время на выполнение подготовительных рисунков, художник может тщательно обдумать и обработать идеи и тем самым принять более эффективные творческие решения».

Лучшая часть мастер-классов по рисованию ДеМартина заключается в том, что они дают учащимся ряд подходов к фигуративному рисованию, каждый из которых может помочь в определенных аспектах создания изображений. Например, он заставляет студентов начинать каждый день с быстрых рисунков жестами, которые подчеркивают спонтанные, линейные аспекты записи активной позы в линейном рисунке.

«Короткие позы от одной до 45 минут, как правило, больше связаны с линиями и жестами, а длинные (от часа и более) — с формой и объемом», — объясняет он. «Из-за нехватки времени любое обширное моделирование со значениями сложно выполнить, поэтому чем больше способов я могу выразить объем линий, тем лучше». Когда художники проводят часы или дни, работая в одной и той же позе, их рисунки становятся анализом значений, связанных с формами, переходящими от света к тени.

«Оба этих подхода к рисованию фигуры могут быть полезны для художников, но они также могут привести к собственным проблемам», — говорит ДеМартин. «Художники, которые рисуют только короткими жестами, часто создают стилизованные изображения, которые являются шаблонными, а не честными ответами на отдельные модели. И наоборот, художники, которые делают только рисунки, на выполнение которых уходят месяцы, часто получают механически точные наблюдения, лишенные эмоционального содержания. Комбинируя два подхода, у художника больше шансов получить как быструю оценку того, как фигуры перемещаются в пространстве, так и точные наблюдения, которые пробуждают сущность изображаемого человека».

ДеМартин рекомендует художникам использовать разные материалы для рисования, но одну и ту же позу при выполнении этих двух типов рисунков. «Рисовать нужно из положения стоя с вытянутой рукой, чтобы движение исходило от плеча, а не только от запястья», — указывает он. «Художники должны иметь возможность видеть как поверхность для рисования, так и модель в пределах своего поля зрения».

ДеМартин объясняет, что существует не один рекомендуемый подход к рисованию или живописи. Художникам важно помнить, что некоторое количество рисунков поможет в выборе элементов изображения, установлении композиции линий и значений и решении потенциальных проблем.

Источник: Адаптировано из статьи Стива Доэрти

Техника рисования: линия и тень

ДеМартин (рисунок выше) рекомендует находить и подчеркивать ритмические действия на рисунке.

Вот несколько советов от художника и инструктора Джона ДеМартина, которые помогут научиться рисовать с помощью линии и контура или тени и тона.

Строка : Основная цель создания быстрых набросков — запечатлеть ритмичные действия. Найдите действие перед контурами, потому что без этого ощущения движения рисунок потеряет свою ритмическую плавность. Если позволяет время, постепенно вводите структуру, концептуализируя ориентацию головы, грудной клетки и таза в пространстве с помощью вертикальных и горизонтальных срединных линий. Акцент делается больше на скелет тела, чем на мышцы.

Тень : Тени помогают художнику сравнивать другие значения света, поэтому ставьте их первыми. Создайте одно плоское значение для света (белый цвет бумаги) и одно плоское значение для теней с заштрихованными линиями, создающими светлый тон. Значение не имеет значения, только графическая интерпретация теневого рисунка. Важно распознавать, какие формы находятся в тени, а какие нет, потому что художники часто принимают темные значения на свету за тени.

Строка : Линии, описывающие особенности, могут пересекать части тела, поскольку они подчеркивают плавность форм и взаимосвязь одной формы с другой. Например, если рука пересекает тело, художник должен сначала нарисовать непрерывные линии тела, а затем нарисовать руку над этой частью тела. Смысл в том, чтобы запечатлеть действие и контур, а тонкости оставить позже.

Тень : Научиться рисовать или развивать тени означает работать аддитивным способом, создавая слои угля. Сначала вотрите ровную, плоскую массу теней, а затем используйте угольный пенек, чтобы расплавить тени на бумаге. Это служит хорошим сопоставлением со значениями в свете, которые более спонтанно нарисованы штриховкой. В более длинных позах трехмерная иллюзия рисунка выражается в основном через значения света и тени. Плоскости на форме, отвернутые от источника света, темнеют по мере приближения к линии тени. Это градации значений формы, передающие иллюзию округлости. Чем круглее форма, тем больше разбросаны градации.

Источник: Адаптировано из статьи Стива Доэрти о технике рисования Джона ДеМартина.

Научитесь рисовать края

«Мужчины, идущие в поле». Жорж Сёра, 1883 г., рисунок, 12 x 9 1/8. Собрание Балтиморского художественного музея, Балтимор, Мэриленд.

Контурные линии — полезная форма, которую рисовальщики используют для обозначения края формы на линейном рисунке. По правде говоря, мы не видим линии, обозначающей край лица, мы просто видим, где форма изгибается от поля зрения. Проведение сплошной линии на краю элементов предполагает формы, а не формы — рисовальщик должен позаботиться о том, чтобы другие плоскости не были видны с точки зрения зрителя. Кроме того, простое сосредоточение на контурных линиях может отвлечь художника от важной задачи изображения жеста модели, который обычно исходит из внутренней части фигуры. По этой и по другим практическим причинам обращение художника с краями имеет большое значение, если рисунок должен быть убедительным.

Кривые трудно точно отобразить. Многие инструкторы по рисованию рекомендуют использовать только прямые линии для краев, смягчая их в кривые, когда это необходимо позже. Если вы думаете, что это костыль для начинающих, подумайте, как Рубенс, искусный рисовальщик, использовал этот метод.

Края делают большую часть работы, предлагая глубину. Толстая линия выдвигает форму вперед, а тонкая светлая линия может обозначать плоскость, отступающую на задний план. Но края — это не только линии. В более тональных произведениях более жесткий край и заметный контраст между плоскостями создают форму, которая ближе к зрителю, чем форма с более мягким и светлым видом. Это важно для отбрасываемых теней: тень наиболее резкая в точке, где она касается отбрасывающего ее объекта, и рассеивается по мере того, как тень удаляется от объекта. На его рисунке Мужчины, идущие в поле , Сёра заставил ближайшую фигуру двигаться вперед в плоскости изображения, увеличив контраст между более темными и светлыми плоскостями и используя более жесткие края на этой фигуре.

В своей книге «Овладение рисованием фигуры человека из жизни, памяти, воображения » Джек Фарагассо указывает, что всегда следует помнить, что самые важные края — это те, которые обозначают светлые и темные узоры. Он использует в качестве примера толстые воротники с рюшами, которые часто появляются на картинах Рембрандта — важными краями в таких воротниках являются не отдельные изгибы и складки, а скорее край тени, когда воротник движется к свету. Эффективное изображение этой линии сделает ерш более убедительным, чем сотня подробных линий.

Где расположить рисунок на странице

Обнаженный мужчина на коленях, держащий ткань в правой руке. Автор Жан-Антуан Ватто, 1715-1716 гг. .

Вы всегда можете поместить предмет своего линейного или контурного рисунка прямо в середину страницы. Это сильное заявление и, в некоторых случаях, наиболее четко выражает то, как вы хотите, чтобы зритель воспринял произведение. Но размещение предмета в другом месте композиции может заставить фон работать на вас и создать интригующую напряженность, предложить повествование и более тонко направить взгляд к фокусу.

Французский термин mise en page (дословно переводится как «размещение на странице») иногда используется в отношении этой концепции, но идея уходит своими корнями в гораздо более раннюю историю — рассмотрение художниками этого аспекта композиции обычно Считается, что оно возникло в эпоху Возрождения. К эпохе Ватто его значение в подходе художника было твердо установлено, и сегодня почти немыслимо, чтобы работающий художник пренебрегал бережным обращением с ним.

Наша естественная тенденция может состоять в том, чтобы поместить предмет в центр композиции, уделяя ему должное внимание в середине нашей «сцены», но это не совсем точно отражает то, как мы обычно видим мир. Если мы не находимся очень близко к объекту, большое количество информации достигает нас периферийным зрением. Мы воспринимаем все в контексте, и этот контекст влияет на то, как мы интерпретируем фокус. Как рисовальщики, мы должны бороться с тем, что кажется автоматическим, и по-настоящему наблюдать за всей сценой, чтобы точно описать картины.

Периклис Пагратис, председатель подготовительных курсов Колледжа искусств и дизайна Саванны, учит своих студентов основам рисования и не только, в том числе идее о том, что при разработке композиции они должны думать о предмете как о голове Медузы — не смотрите на него прямо или вы превратитесь в камень (или ваш рисунок, по крайней мере). Негативное пространство вокруг объекта должно играть важную роль в вашей композиции. Будет достаточно времени, чтобы внимательно изучить сам предмет, когда придет время его рендеринга.

Пролистайте любую книгу по искусству, и вы обязательно увидите замечательные примеры убедительной мизансцены. Изучите любую картину или рисунок, в котором фокус направлен в сторону от центра композиции, а затем представьте, как по-другому выглядело бы произведение, если бы предмет был точно в центре страницы. Вы легко увидите, как лучшие художники заставляют мизансцену эффективно работать на них.

Источник: Адаптировано из статьи Боба Бара

Поделиться:

«Вдохновение для рисования» демонстрирует художников, которые рисуют на бумаге, а не на холсте: NPR

22 апреля 2020 г., 19:01 по восточному времени

Алисса Монкс, Пронзенный (рисунок), 2020, бумага, виноградный уголь Авторское право Алисса Монкс / Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк скрыть заголовок

переключить заголовок

Авторское право Алисса Монкс / Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк

Что ты думаешь? Это фотография? Лицо такое близкое и конкретное. В одной руке фотограф держал камеру, а в другой зонт? Может быть, хотите подержать зонт над женщиной, чтобы она не промокла? Немного не то. Это рисунок . Самый замечательный, кропотливо созданный рисунок. Я расскажу об этом позже, но поскольку рисунок является предметом этого эссе и нью-йоркской выставки, которая включает великолепный пример Алиссы Монкс, давайте немного задержимся на многих лицах, которые может выразить рисунок.

«На рисунках видна рука художника», — думает Никола Лоренц. Она исполнительный директор манхэттенской галереи Forum Gallery и куратор выставки «Вдохновение для рисования». Вы получаете более личную связь с создателем рисунка. «Нет двух художников, которые пишут свои работы одинаково, как нет двух людей, которые пишут одним и тем же почерком», — говорит она. Кроме того, это то, что мы все делали — рисовали в детстве, жалкие фигурки из палочек или, может быть, действительно красивые, если есть немного таланта. Для некоторых художников рисунок необходим.

Пикассо однажды сказал: «Я рисую так, как другие люди грызут ногти». Он рисовал всеми средствами — карандашом, тушью, углем, мелом, мелком, акварелью. Да, акварель. Как работа на бумаге, акварель также считается рисунком, поскольку она как бы охватывает миры живописи и рисунка.

В галерее «Форум» Рэнс Джонс, автор акварели ниже, — одаренный стрэддлер. Он носит с собой альбом для рисования, когда путешествует, и находит жизнь и культуру Кубы богатым источником вдохновения. Во время многих визитов он превращал свои маленькие, быстрые впечатления в более крупные работы, изображения кубинцев, занимающихся своими повседневными делами. «Вы видите жизнь, выгравированную на их лицах», — говорит Лоренц.

Рэнс Джонс, Azucar y Tabaco (сахар и табак), 2020, бумага, акварель Авторское право Рэнс Джонс / Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк скрыть заголовок

переключить заголовок

Авторское право Рэнс Джонс / Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк

Rance Jones, Azucar y Tabaco (сахар и табак), 2020, бумага, акварель

Авторское право Рэнс Джонс / Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк

Всю свою жизнь этот человек торговал сахаром и табаком. «Что, если подумать, довольно странное сочетание». Но не на Кубе. Это основные культуры. На акварели Джонса изображены старые весы магазина, а также постоянный спутник мужчины — сигара.

Джонс — один из 28 современных художников в этой выставке рисунков. Форум представляет их всех. Пандемия закрыла 60-летнюю галерею на Парк-авеню на несколько месяцев. Продажи рисунков по цене от 5000 до 55000 долларов были спорадическими. Это намного дешевле, чем картины, и новые коллекционеры иногда начинают с их покупки. Некоторые покупают только рисунки. Если у вас есть лишняя мелочь, эта стоит 14 000 долларов.

Гильермо Муньос Вера, Молодой человек из Мали, 2019, бумага, карандаш и уголь Предоставлено Гильермо Муньосом Вера/Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк скрыть заголовок

переключить заголовок

Предоставлено Гильермо Муньосом Вера/Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк

Гильермо Муньос Вера, Молодой человек из Мали, 2019 г. , бумага, карандаш и уголь

Предоставлено Гильермо Муньосом Вера/Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк

Это лицо!? Немного озорной, готовый к приключениям. Рисунок — карандашом и углем — очень дотошный. Гильермо Муньос Вера, чилиец, живет в Испании и считается виртуозом, мастером-реалистом, известным своими картинами.

На протяжении столетий, по словам куратора Лоренца, рисунки были «репетициями художественного представления», то есть картинами. Это как разминка перед гонкой на 10 миль. Дега и Сера изменили это в середине 19века, когда они представили свои работы на бумаге как полностью законченные произведения искусства. Как произведения Муньоса Веры или американца Стивена Ассаэля.

Стивен Ассаэль, Генри и Хаммер, 2020, бумага, графит и карандаш Авторские права Стивена Ассела/Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк скрыть заголовок

переключить заголовок

Авторские права Стивена Ассела/Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк

«Его рисунки отрываются от страницы», — говорит Лоренц. Вы почти можете видеть, как они дышат. Ассаэля называют «новым старым мастером». Он рисует каждый день. «Отвлекает его от занятий живописью». И рисует с натуры. Старик Генри — модель и актер. Он одевается характерно, наносит макияж и соответствующую одежду, прежде чем уйти из дома на сеанс. В этот день Генри пришел в студию Ассаэля одетым так, как, по его мнению, мог бы одеваться бездомный. Какой он задумчивый, на рисунке. Отдых? Думаешь о ремонте, который ему нужно сделать с помощью этого молотка? Или, может быть, мечтает о более легких днях, которые у него когда-то были? Ассаэль, рисуя его, проявляет такое сострадание. Художник не только воображает жизнь, но и запечатлевает ее на бумаге.

Наконец, снова рисунок Алиссы Монкс Завороженный. Женщина все еще там, смотрит, но не прямо на нас. Модели монахов обнажены. В душевых или ваннах. Я никогда не видел ничего подобного этому стилю, который является ее визитной карточкой.

Алисса Монкс, Пронзенный (рисунок), 2020, бумага, виноградный уголь Авторское право Алисса Монкс / Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк скрыть заголовок

переключить заголовок

Авторское право Алисса Монкс / Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк

Алисса Монкс, Transfixed (рисунок), 2020, бумага, виноградный уголь

Авторское право Алисса Монкс / Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк

Красивую купальщицу нам трудно увидеть. Это преднамеренно. Монкс начинает с того, что фотографирует то, что хочет нарисовать, а затем решает, что с этим делать. Мне такое решение кажется технически невозможным. Она заставляет нас смотреть сквозь воду, чтобы увидеть, что за ней. Здесь женщина смотрит сквозь мокрую стеклянную стену душа. Монахи всегда показывают лица сквозь какую-то пелену — стекло, воду, капельки, пар. Что-то, что мешает нам ясно видеть. Лоренц говорит, что в этом и заключается цель: «Чтобы мы замедлились, чтобы посмотреть и понять, без того, чтобы наш мозг немедленно перескакивал к предположению». Какое это создает настроение.

Секретом создания настроения, помимо таланта и воображения, является виноградный уголь. Он намного мягче обычного древесного угля и оставляет следы мелкой пыли при каждом ударе. Пальцами или палочками для растушевки Монкс перемещает пыль, чтобы она попала туда, куда ей нужно (на это уходит несколько часов), а затем распыляет ее с помощью карандаша Sennelier Delacroix Pencil и угольного фиксатора. Название бренда напоминает мне историю, которую я написал в Париже для Morning Edition в 2006 году. Sennelier — это магазин почтовых марок для произведений искусства через Сену от Лувра.

Доминик Сеннелье, владелица Maison Sennelier, в магазине Sennelier в Париже, 7 апреля 2014 года. Джоэл Сагет / AFP через Getty Images скрыть заголовок

переключить заголовок

Джоэл Сагет / AFP через Getty Images

Внутри полки забиты амбициями и надеждами. Поколения художников приезжали сюда за художественными принадлежностями — углем, закрепителями, пастелью (для Пикассо Сеннелье изобрел масляную пастель), красками. На виду у великого парижского музея молодые и старые, мужчины, женщины и дети приходят сюда, чтобы купить инструменты для творчества. Как и художники Forum Gallery, они берут чистые листы бумаги и со своими материалами делятся мирами воображения, которые видят.

Искусство там, где вы находитесь — это неформальная серия, демонстрирующая онлайн-предложения музеев и галерей, которые вы, возможно, не сможете посетить.

12 невероятно талантливых художников-рисовальщиков, которых вдохновит

4 мая

4 мая 12 удивительно талантливых художников-рисовальщиков, которые вдохновятся

Мэри

искусство, художники, рисунок

У каждого опытного художника есть (и нужны) свои герои, потому что немного благоговения и зависти могут сильно мотивировать нас на совершенствование собственного искусства.

Как вы можете знать, чего хотите достичь, если вы не знаете, что возможно? Для того, чтобы найти свой стиль в искусстве, полезно знать, какие стили существуют, какие техники существуют, и выяснить, что вам нравится.

В этом списке представлены одни из самых вдохновляющих художников, которых я когда-либо встречал, а их работы — бесконечный источник идей и мотивации. Я нашел для вас одни из лучших и самых интересных имен в рисовании, от классики до современности.

Вы найдете художников из разных уголков мира, разных культур, использующих разные стили, темы, инструменты. Тем не менее, их мастерство и самоотверженность не перестают удивлять.

Смотреть на искусство никогда не бывает пустой тратой времени. Даже если вам не нравится какое-то произведение, коллекция, стиль или выбор предмета, спросите себя, почему. Что вам не нравится, что бы вы сделали по-другому? В каждом произведении искусства есть что-то, что можно взять себе.

1 Леонардо да Винчи (1452 — 1519)

Мне и в голову не пришло бы составить такой список, не включив в него самого известного и, возможно, самого талантливого художника из когда-либо живших.

Родившийся в Италии в незаконнорожденной семье адвоката Леонардо ди сер Пьеро да Винчи был гением и эрудитом.

У него было множество различных интересов, включая рисование, живопись, скульптуру, инженерное дело, математику и другие науки, и, казалось, он преуспевал в каждом из них. Можно с уверенностью сказать, что все, к чему прикасался человек, превращалось в золото.

Эскиз Нептуна (ок. 1505 г.) Леонардо да Винчи. Бумага, уголь

Буквально на днях я был на выставке его рисунков и совершенно поразился, увидев такое огромное количество эскизов. Интересно, откуда у него было время на все эти запутанные исследования, когда в его списке дел было так много других дел.

Однако именно из-за его многочисленных интересов он легко отвлекался и имел репутацию редко заканчивающего то, что он начал, особенно долгосрочные художественные заказы, такие как скульптуры или картины.

Учитывая качество его работы, когда он ее закончил, люди были склонны простить его.

2 Ch’ng Kiah Kiean (1974 г.

р.)

Kiah Kiah, или KK, как его называют в кругах городских скетчей, является одним из моих абсолютных фаворитов за его причудливый, энергичный стиль рисования. Он работает в основном тушью, графитом и акварелью, и на его наброски просто интересно смотреть.

Недавно я имел честь взять у него интервью для статьи о его работе.

Храм Букит Мертаджам Туа Пек Конг на Пенанге (2020 г.), автор Ch’ng Kiah Kiean. Китайская тушь и акварель

К.К. вырос в Джорджтауне, штат Пенанг, и имеет степень в области архитектуры. Это может быть причиной того, что он делал зарисовки в основном зданий (теперь он также включает в себя натюрморты, животных и ботанические предметы) и почему он так невероятно хорош в переносе их духа на бумагу.

В течение десяти лет он работал графическим дизайнером и лишь недавно стал штатным художником, поэтому он является прекрасным примером того, чего можно достичь, если проявить самоотверженность и настойчивость, даже если у вас мало времени для практики.

Самое главное, он также делится своими навыками и знаниями на своем веб-сайте и путешествует по миру, проводя скетчи.

3 Винсент Ван Гог (1853 — 1890)

Голландский постимпрессионист Винсент Ван Гог в основном известен своими трагически красивыми картинами, поэтому для вас может быть сюрпризом, что он также создал множество столь же увлекательных рисунков. .

Ван Гог вырос в семье протестантского пастора и некоторое время сам работал миссионером, прежде чем решил, что искусство было его истинным призванием.

Скала Монмажур с соснами (1888), Винсент Ван Гог. Карандаш, тростниковое перо, кисть и тушь на бумаге

Он был чрезвычайно страстным художником и невероятно преданным делу, учитывая, что его работы были по-настоящему признаны только после его смерти в возрасте 37 лет. компенсируйте это удивительным набором текстур и живостью. И точно так же, как его картины, когда вы смотрите на них слишком долго, кажется, что они начинают двигаться сами по себе.

4 Джейсон Гаторн-Харди (1968 г.р.)

Джон Джейсон Гаторн-Харди родился в Малайзии и был старшим сыном графа, но вырос в семейном поместье в Саффолке, Великобритания. Первоначально он учился на зоолога, но вскоре обнаружил в себе страсть к рисунку, живописи и резьбе по дереву.

Он по-прежнему очень активен и интересуется охраной природы, сельским хозяйством и ландшафтным дизайном и является соавтором книги «Художник в саду: год в обнесенном стеной саду в Грейт-Глемхэм-Хаус».

Овцы Джейсона Гаторн-Харди

Несколько месяцев назад я обнаружил его рисунки и очень рад, что наткнулся на них. Его стиль настолько яркий и всегда идеально подходит к теме, которая в основном состоит из животных и фермерских сцен.

Он использует много каракулей, чтобы оживить своих овец, коров и птиц, и впечатляет количество различных эффектов, которые ему удается создать с помощью вариаций нескольких простых штрихов.

5 Джули Мехрету (1970 г.р.)

Не хотелось бы, чтобы вас обвинили в том, что вы не замечаете наших талантливых друзей за морем, так что, если вы о ней не слышали, позвольте представить вам современную американскую художницу Джули Мерету.

Джули завоевала множество наград и была награждена медалью искусств Государственного департамента США в 2015 году, так что я не единственный, кто очарован ее стилем.

Каир (2013) Джули Мехрету. Холст, тушь, акрил

Ее часто огромные работы представляют собой заманчивую смесь технического рисунка, живописи и иллюстрации, включающую множество слоев архитектурных эскизов и геометрических форм. Это делает их не совсем абстрактными и не реалистичными, но определенно очень интересными.

6 Жан-Луи Сова (род. 1947)

Жан-Луи Сова — современный французский художник-график, живописец, иллюстратор и скульптор. Он происходит из длинной династии художников, что объясняет его огромный талант. Но качество его работы определенно зависит от его отношения к предмету.

Широко известный великолепными рисунками лошадей, он сам страстный наездник и десятилетиями сидит в седле каждый день. Это определенно видно в его творчестве.

3 лошади Жан-Луи Сова

Его линии выполнены мастерски и никогда не бывают стерильными, цвета тонкие, но все же очень интересные.

Он не просто «рисует лошадей», он оживляет их и умудряется запечатлеть их дух и энергию в своих рисунках до такой степени, что вы почти можете слышать, как они скачут.

7 Иль Ли (1952 г.р.)

Соблазнительные рисунки шариковой ручкой художника корейского происхождения Иль Ли являются доказательством того, что искусство не нуждается в причудливых материалах и что техника всегда будет иметь большее значение, чем то, чем вы рисуете. Или, действительно, то, что вы рисуете.

Ли изучал живопись в Сеуле, Южная Корея, но позже переехал в США, где и живет по сей день.

Без названия 292 (1992) Иль Ли, шариковая ручка, бумага

Его работы в основном абстрактны и, возможно, на первый взгляд кажутся не такими уж большими. Но чем дольше вы смотрите на его супер четкие и замысловатые рисунки, тем больше вы влюбляетесь в них.

Между прочим, его техника рисования также является фантастической разминкой для любого художника, поэтому в следующий раз, когда вы будете планировать сложный сеанс рисования, почему бы не создать сначала один или два рисунка шариковой ручкой, чтобы разогреть запястье и плечо.

8 Рембрандт (1606-1669))

Перед нами еще один художник, который в основном известен своими картинами, но чьи искусные рисунки заслуживают не меньше, если не больше, похвалы.

Рембрандт Харменс ван Рейн родился в Нидерландах в семье богатого мельника. Некоторое время он учился в университете, но изменил свой путь и вместо этого стал учеником художника.

Он любил голландское искусство и не ездил, как это было принято в его время, в Италию, чтобы изучать итальянское искусство. Вместо этого он снова пошел своим путем и превратился в мастера-художника, которого мы знаем и любим.

Женщина с ребенком спускается по лестнице (ок. 1636), Рембрандт. Смывка пера и чернил.

Его наброски, иногда выполненные графитом, иногда тушью, необычайно элегантны и красивы. Я часто предпочитаю эскизы мастеров прошлого, потому что нахожу их гораздо менее сдержанными, чем их картины.

Грубая работа из скетчбука не обязательно должна была точно следовать художественным правилам того времени, поэтому она больше отражает личность художника и его мировоззрение.

9 Ian Murphy (1963 г.р.)

Немного тяжелее и заметнее, чем некоторые другие рисунки в этой статье, работы английского художника Ian Murphy.

Он вырос в промышленном городке на севере Англии, и этот опыт очень сильно повлиял на его искусство и работу с линиями. Он особенно хорошо разбирается в деталях и может зарисовать лишь небольшую часть окна или целую улицу.

Часть большого рисунка Яна Мерфи (2003)

Его понимание перспективы образцово, и мне особенно нравится, что его наброски трудно определить. Его линии одновременно сложные и смелые, а его цвета, в основном серые или землистые, в то же время скромные и сильные.

Особенно работы из его путешествий по Китаю просто великолепны. В восточноазиатской архитектуре есть что-то, что выявляет лучшее в каждом художнике, который проводит с ней какое-то время.

10 Манабу Икеда (19 г.р.73)

В то время как некоторые художники предпочитают делать наброски быстро и оставляют многое для воображения, потрясающие рисунки японского художника Манабу Икэда — полная противоположность. Они являются воображением.

Ему может потребоваться больше года, чтобы закончить хотя бы один из его крупномасштабных рисунков пером и тушью. Представьте себе, что. Количество деталей, которые он создает, абсолютно изысканно, как и мастерство и терпение, необходимые для создания такого искусства.

Возрождение (2016) Манабу Икеда. Ручка и чернила. На создание этого конкретного рисунка ушло более трех лет.

Его сюжеты различаются: некоторые вдохновлены его детством, другие — текущими событиями, такими как цунами Тохоку 2011 года (см. изображение выше).

Учитывая количество замысловатых деталей и размер его работ, могу поспорить, что только одна из них может стать единственным рисунком, на который вы будете смотреть в течение года, и вы все равно всегда будете открывать для себя что-то новое.

11 Э. Х. Шепард (1879 г.-1976)

Э. Х. Шепард, он же Эрнест Ховард, — один из самых известных иллюстраторов в истории. Он в основном известен созданием рисунков для книг о Винни-Пухе А. А. Милна.

Bump, Bump, подъем по лестнице (1926) Э. Х. Шепарда. Графит на бумаге

Bump, Bump, подъем по лестнице (1926) Э. Х. Шепарда. Тушь на бумаге

Его работы просты и счастливы, и невероятно очаровательны, именно то, что вы ожидаете от своего любимого иллюстратора детства. Сначала он обрабатывал свои рисунки карандашом, а затем увековечивал их тушью.

Интересный факт, если вы не знали, что его дочь тоже стала художницей и продолжала иллюстрировать книги о Мэри Поппинс. Должно быть, он был так горд.

12 Хироюки Дои (1946 г.р.)

Японский художник Хироюки Дои когда-то был шеф-поваром, но внезапная смерть его брата много лет назад заставила его обратиться к искусству в поисках утешения. Это неудивительно, учитывая, что рисование и живопись — отличные формы терапии.

Теперь он использует свое искусство, чтобы не только справиться с горем, но и показать «переселение души, космос, сосуществование живых существ, человеческих клеток, человеческий диалог и мир» .

Рисунок Хироюки Дои. Чернила на бумаге.

Его рисунки, часто состоящие из бесчисленных кругов разного размера, просто завораживают.

Они кажутся очень нежными и успокаивающими и немного напоминают мне мандалы из песка, созданные буддийскими монахами. Просто, к счастью, творения Дои немного более долговечны.

Вам понравилась эта статья или вы хотите добавить что-то еще? Не стесняйтесь оставлять мне комментарии ниже!
Если вам понравился этот пост, пожалуйста, поделитесь им, чтобы другим он тоже понравился!

Оставить комментарий

Мэри

Привет! Я Мэри, блогер и художник этого сайта. Я пишу обо всем, что связано с рисованием и живописью: упражнениях, техниках, материалах и многом другом.

Я изучал искусство и дизайн в Лондоне, но днем ​​работаю в сфере цифровых технологий. Я живу в Глазго, Шотландия, и я люблю пешие прогулки, японскую кухню и супер-преувеличенные книги о выживании.

Темы

• архитектура
• искусство
• художники
• сочинение
• Рисование
• упражнения
• пейзаж
• жизнь и хобби
• материалы
• перспектива
• портреты
• эскизный проект
• натюрморт
• городской скетчинг

Последние статьи

Как создать рисунок или картину за 9 простых шагов

47 маленьких неприятностей в жизни всех рисовальщиков

От Леонардо да Винчи до Пикассо

Рисунок — один из древнейших видов изобразительного искусства с долгой и разнообразной историей. Это широко считается основой всего искусства, и ученики должны освоить первую среду. И хотя его широкая доступность означает, что он по-прежнему популярен среди творческих людей во всем мире, рисунки часто затмеваются живописью и скульптурой.

Однако многие художники, прославившиеся своими работами в цвете, были и образцовыми рисовальщиками. На самом деле такие мастера, как Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рубенс, делали бесчисленные подготовительные рисунки перед каждой картиной, чтобы изучить свои сюжеты и разработать композиции. Точно так же Жан-Огюст-Доминик Энгр создал изысканные графитовые портреты, которые сегодня являются одними из его самых знаменитых работ.

Здесь мы рассмотрим 10 известных художников, которые использовали силу линий в своих работах.

Кто самые известные художники-рисовальщики? Узнайте о некоторых из величайших мастеров линии.

 

Леонардо да Винчи (1452 – 1519)

Леонардо да Винчи, «Витрувианский человек», ок. 1492 (Фото: Люк Виатур, Wikimedia Commons, Public Domain)

Леонардо да Винчи — типичный представитель эпохи Возрождения, чье бесконечное любопытство вдохновило его на изучение искусства, техники и природы. И все его интересы можно найти в его наследии блокнотов.

В этих блокнотах сотни подробных зарисовок, посвященных анатомии человека, животных, растительной жизни, изобретениям и многому другому. Они показывают, как Да Винчи использовал рисунки для критического мышления и решения проблем.

 

Альбрехт Дюрер (1471-1528)

«Молящиеся руки», рисунок пером и тушью, 1508 (Фото с Wikimedia Commons, Public Domain Dedication)

Художник Северного Возрождения Альбрехт Дюрер был первым художником, возвысившим гравюру до уровня изобразительного искусства. Он создавал гравюры, гравюры на дереве и офорты на основе своих тщательно детализированных рисунков. Это была первая попытка воспроизвести такие реалистичные иллюстрации, и ее ошеломительный успех впоследствии вдохновил других художников на создание и распространение отпечатков.

 

Микеланджело Буонарроти (1475 – 1564)

Микеланджело, «Сон о человеческой жизни», ок. 1500-е годы (Фото: The Courtauld, Wikimedia Commons, Public Domain)

Для многих Микеланджело до сих пор остается величайшим художником всех времен. Его мастерство в различных дисциплинах — живописи, скульптуре, архитектуре — не имеет себе равных. Однако в основе его творчества лежало рисование.

Перед каждой картиной и скульптурой итальянский художник создавал многочисленные эскизы человеческой фигуры. Эти выразительные рисунки раскрывают глубокое понимание анатомии и физиологии и дают представление о том, как Микеланджело подходил к своим сложным композициям.

Микеланджело, «Пьета», ок. 1546 г. (Фото: Музей Изабеллы Стюардт Гарднер, Wikimedia Commons, Public Domain)

 

Рембрандт (1606 – 1669)

Рембрандт, «Ветряная мельница», 1641 г. (Фото: Художественная галерея Южной Австралии через Wikimedia Commons, Public Domain)

Прославившийся своими успехами в различных средствах массовой информации и типах предметов, Рембрандт был назван плодовитым скульптором Огюстом Роденом «колоссом искусства». В рисовании он был известен своей способностью быстро и уверенно изображать как пейзажи, так и предметы.

Британский художник Дэвид Хокни похвалил жестовый рисунок Рембрандта Ребенок, которого учат ходить , сказав: «Я думаю, что это величайший рисунок из когда-либо созданных… Это великолепный рисунок, великолепный».

Рембрандт, «Ребенка учат ходить», 1660 г. (Фото: Британский музей через Викисклад, общественное достояние)

 

Питер Пауль Рубенс (1577 – 1640)

Питер Пауль Рубенс, «Молодая женщина со сложенными руками», ок. 1629–30 (Фото: Музей Бойманса Ван Бёнингена,
через Викисклад, общественное достояние)

Известный своими чувственными женщинами, роскошными цветами и динамичными композициями, Питер Пауль Рубенс считается одним из самых влиятельных художников периода барокко. Прежде чем приступить к написанию картины по заказу, он создал несколько предварительных эскизов своих предметов.

Эти сохранившиеся наброски демонстрируют уверенные способности фламандского художника к рисованию. Всего несколькими уверенными строками он мог передать жесты и эмоции.

 

Жан-Огюст-Доминик Энгр (1780 – 1867)

Жан-Огюст-Доминик Энгр, «Портрет жены Виктора Балтара (урожденная Аделина Леке) и их дочери Поль», ок. 1800-е годы (Фото: Public Domain через Wikimedia Commons)

Художник-неоклассик Жан-Огюст-Доминик Энгр был известен своими невероятными картинами, воспевающими традиционные техники живописи. И в то время как его работы маслом иногда подвергались тщательному анализу современными критиками из-за их готического оттенка, его многочисленные рисунки и графитные портреты высоко ценились за их точность в передаче внешности и личности субъекта.

 

Эдгар Дега (1834 – 1917)

Эдгар Дега, «Два этюда певца», ок. 1870–1900-е годы (Фото: Public Domain через Wikimedia Commons)

В то время как большинство импрессионистов черпали вдохновение в живописных пейзажах, французский художник Эдгар Дега предпочитал запечатлевать людей, особенно движущихся. В дополнение к своим многочисленным известным картинам, он также сделал бесчисленное количество этюдов пастелью и карандашом балерин, певцов и купающихся женщин, каждый из которых демонстрирует его утонченность в передаче человеческого тела в действии.

Эдгар Дега, «Женщина, вытирающая левую ногу», 1903 год (Фото: Художественный музей Сан-Паулу, Wikimedia Commons, Public Domain)

 

Густав Климт (1862 – 1918)

Густав Климт, «Половина фигуры молодой женщины», 1918 г. (Фото: The Met Museum CC BY 2.0, via Wikimedia Commons)

Большинство ассоциируется с сверкающими картинами Густава Климта с их золотыми штрихами. Но австрийский художник был также искусным рисовальщиком, который использовал сильные линии в своих композициях. Его поразительные изображения женской фигуры используют ракурс и перспективу.

Густав Климт, «Два этюда сидящей обнаженной с длинными волосами», 1901–1902 гг. (Фото: общественное достояние через Wikimedia Commons)

 

Анри де Тулуз-Лотрек (1864 – 1901)

Анри де Тулуз-Лотрек, «Жокей», 1899 г. (Фото: Public Domain через Wikimedia Commons)

Современник Винсента Ван Гога и Поля Гогена, французский художник Анри де Тулуз-Лотрек большую часть жизни провел в театральном подбрюшье Парижа.

В своих плакатах Тулуз-Лотрек мастерски использует эту линию, чтобы охарактеризовать известных исполнителей того времени, в том числе Иветт Гильбер, Луизу Вебер и Джейн Аврил. Его мастерство рисования уловило движение танца и энергию ночной жизни Парижа во времена Прекрасной эпохи.

 

Пабло Пикассо (1881 – 1973)

 

Посмотреть эту публикацию в Instagram

 

Публикация от Национального музея Пикассо в Париже (@museepicassoparis)

За 79-летнюю карьеру Пабло Пикассо известен тем, что несколько раз менял свой стиль живописи. Однако на протяжении многих творческих сдвигов художник сохранял уникально решительный способ запечатления окружающего мира в рисунках. В частности, эти наброски показывают, как испанскому художнику понадобилось всего несколько смелых линий, чтобы вызвать форму своих предметов.

 

Посмотреть эту публикацию в Instagram

 

Публикация от Национального музея Пикассо в Париже (@museepicassoparis)

 

Статьи по теме:

Удивительная коллекция рисунков Микеланджело впервые находится в США

Этот художник создает невероятные цветочные рисунки цветными карандашами

Значение знаменитого рисунка Леонардо да Винчи «Витрувианский человек»

Талантливые художники делятся своими любимыми советами по совершенствованию навыков рисования

Художественное рисование.

Как рисовать художника шаг за шагом

Искусство довольно разнообразно, и его трудно определить. У разных людей могут быть разные представления о том, что является искусством, а что нет, но оно, безусловно, способно вызывать сильные эмоции!

Искусство не существовало бы без художников, и его прелесть в том, что каждый может создавать искусство. В этом руководстве о том, как нарисовать художника, мы добавим веселья в происходящее, создав произведение искусства, изображающее художника!

Если вы любитель искусства, то этот учебник должен вам понравиться! По его окончании вы сможете создать изображение классического художественного типа.

Мы надеемся, что вы отлично проведете время, работая с нами над этим пошаговым руководством о том, как нарисовать художника всего за 6 шагов!

О чем эта запись в блоге

• Как нарисовать художника — приступим!
  • Шаг 1
  • Шаг 2 – Теперь нарисуйте детали лица и руку
  • Шаг 3 – Нарисуйте другую руку и талию
  • Шаг 4 – Затем нарисуйте ноги
  • Шаг 5 – Добавьте окончательные детали Художественный рисунок
  • Шаг 6. Завершите свой художественный рисунок цветом
  • Еще 4 способа сделать ваш художественный рисунок уникальным
  • Ваш художественный рисунок готов!

Шаг 1

Художником может быть каждый, а значит вариантов изображения художника будет много! В этом руководстве о том, как рисовать художника, мы будем рисовать его классическую интерпретацию.

Этот художник выглядит так, будто работает над классической французской картиной! Для начала мы будем рисовать его голову и шарф.

Используйте несколько округлых линий для контура его лица, а затем вы можете добавить его пышный берет, сидящий на макушке. Затем вы можете использовать более тонкие линии для его колючих волос, торчащих по бокам.

Нарисуйте еще несколько изогнутых линий для его шарфа, обернутого вокруг шеи, а затем используйте более прямые линии для шарфа, ниспадающего на плечо. Тогда мы можем перейти к шагу 2!

Шаг 2 – Теперь нарисуйте детали его лица и руки.

Используя контур головы, который вы начали на предыдущем шаге этого рисунка художника, теперь мы можем начать добавлять детали его лица.

У него довольно напряжённое выражение лица, чтобы показать, что он серьёзно относится к своему делу! Вы можете изобразить его выражение лица, используя простые линии для глаз, носа, рта и вьющихся усов.

Затем мы начнем рисовать грудь его мешковатого свитера, а также добавим к нему несколько волнистых текстурных линий.

Он будет держать палитру для своих красок в руке справа, и вы также можете нарисовать ее в виде округлой формы.

Шаг 3 — Нарисуйте его другую руку и талию

В этом третьем шаге нашего руководства по рисованию художника мы будем рисовать руку, которая держит его кисть, а также талию для его свитера. .

Во-первых, вы можете нарисовать оставшуюся часть рукава левой руки, а затем изобразить там его руку, сжимающую тонкую кисть.

Затем удлините его талию еще несколькими изогнутыми линиями, а затем нарисуйте ободок у основания его свитера. Как только они будут нарисованы, мы можем перейти к шагу 4!

Шаг 4 — Далее нарисуйте его ноги

Теперь пришло время нарисовать штанины его брюк. На нем довольно простые брюки, так что добавить их к вашему рисунку художника будет немного проще!

Вы можете использовать несколько изогнутых линий, чтобы нарисовать его прямые штаны, спадающие вниз. Затем мы добавим некоторые линии на штанинах, чтобы они выглядели так, как будто они сделаны из ткани.

Мы пока не увидим его ноги, но мы будем рисовать их вместе с любыми окончательными деталями на следующем этапе руководства.

Шаг 5 — Добавьте окончательные детали к рисунку художника

Чтобы завершить все наброски в этом руководстве о том, как нарисовать художника, мы закончим добавлением его обуви. Вы можете использовать несколько закругленных линий, чтобы создать его простые туфли у основания брюк, как мы сделали на нашем эталонном изображении.

После того, как вы нарисовали его туфли, вам не нужно останавливаться на достигнутом! Вы также можете добавить некоторые свои идеи и дополнительные детали.

Одной из забавных идей было бы нарисовать картину, над которой он работает. Вы можете сделать это, нарисовав прямоугольник на мольберте, а затем создав то, над чем, по вашему мнению, он может работать.

Как вы думаете, над какой картиной мог работать этот художник? Мы надеемся, что вы покажете нам, когда закончите этот рисунок!

Шаг 6 – Завершите свой художественный рисунок цветом

Вы готовы добавить немного цвета к этому рисунку художника на этом последнем шаге руководства. На нашем эталонном изображении мы сделали цвета его одежды более приглушенными.

Мы использовали коричневые цвета для его шляпы и свитера, зеленый цвет для его шарфа и синие цвета для его брюк.

Вы можете выбрать несколько похожих цветов на своем изображении, но вы также можете использовать совершенно другие цвета, если хотите! Часто, когда художник рисует, он становится довольно грязным в процессе.

Если у вас есть такие материалы, как акриловые краски, вы можете добавить несколько пятен краски на его одежду, чтобы действительно завершить образ трудолюбивого художника!

Какие цвета и материалы вы выберете, чтобы закончить этого художника?

Еще 4 способа сделать свой художественный рисунок уникальным

Создайте забавное искусство, а мы сделаем ваш художественный эскиз еще лучше!

Этот рисунок художника основан на классическом изображении художника, но вы можете настроить его внешний вид несколькими способами. Например, вы можете изменить то, как он одет.

Изменив некоторые детали его одежды, вы можете сделать его стиль более современным или, возможно, даже более старомодным. Это будет зависеть от эпохи искусства, которая вас больше всего вдохновляет.

В какую одежду он мог быть одет?

Еще один способ персонализировать этого художника — изменить его внешний вид. Он не основан на ком-то конкретном на этом изображении, но вы можете сделать его похожим на кого-то конкретного.

Он может быть основан на вас или, например, на ком-то, кого вы знаете. Это был бы забавный способ настроить его, но вы также можете создать художника на основе известного художника из истории.

Он мог бы выглядеть как Ван Гог или как Да Винчи. Кого бы вы использовали в качестве модели для этого художника?

Еще один способ сделать рисунок художника более отчетливым — показать, над чем он работает. Вы можете начать этот процесс, нарисовав рядом с ним холст.

Затем вы можете заполнить контур холста какой-нибудь картинкой. Это может быть уникальная картина вашего собственного дизайна.

Если бы вы сделали его похожим на настоящего художника, то вы могли бы воссоздать одну из его работ на этом полотне.

Каждому художнику нужна мастерская или место, где он может творить. Этот не исключение, поэтому мы думаем, что было бы здорово добавить фон к вашему эскизу художника.

У многих художников очень беспорядочное рабочее пространство, так что вы можете пойти по этому пути и добавить множество деталей. Или, может быть, вы бы предпочли иметь аккуратное и упорядоченное рабочее место для этого художника.

Какое рабочее пространство вы бы хотели, если бы были этим художником?

Ваш художественный рисунок готов!

Это подводит вас к концу этого руководства по , как нарисовать художника.

Когда дело доходит до искусства, необычно сосредотачиваться на создателе, а не на произведении искусства, поэтому было забавно создать произведение искусства с участием художника!

Это была детальная картина, которую мы подготовили, но если вы будете делать ее медленно и выполнять все шаги, которые мы изложили, вы быстро ее прибьете.

Когда вы закончите эту картину, у вас будет множество способов продвинуться дальше.

Мы упомянули, как можно нарисовать произведение искусства, над которым он может работать, как одну идею, но что еще вы можете придумать, чтобы добавить к этому изображению?

Если вам понравилось раскрывать своего внутреннего художника с помощью этого руководства, у нас есть еще много руководств по рисованию, чтобы проверить свои навыки рисования на нашем веб-сайте.

Скоро мы выпустим новые, так что следите за новостями, чтобы ничего не пропустить!

Было бы здорово увидеть, как получилось ваше произведение искусства, поэтому, пожалуйста, поделитесь своим готовым рисунком художника на наших страницах в Facebook и Pinterest. Мы с нетерпением ждем результата вашего кропотливого труда!

Советы новичкам: начало работы в цифровом искусстве

Самая большая проблема, возникающая при переходе к цифровой иллюстрации, — это подготовка установки и выбор устройства. В этой статье собраны основные моменты, о которых вам нужно подумать, приступая к работе.

содержание

• 1. Устройства: компьютер, планшет или смартфон?
  • Рисование на компьютере
  • Рисование на планшете
  • Рисование на смартфоне
  • Если вы пользуетесь компьютером, вам может понадобиться планшет

3. Если вам нужен дисплей большего размера, купите монитор

4. Заключительные мысли

 

Если вы думаете о том, чтобы начать заниматься цифровым искусством впервые, у вас могут возникнуть следующие вопросы:

 

«Что мне нужно, чтобы начать рисовать?»
«Сколько будут стоить приложения для рисования и инструменты для цифрового рисования?»

 

Если вас это беспокоит, прочитайте ниже краткое изложение всего, что вам нужно знать перед началом работы. (Обратите внимание, что цены в этой статье являются ориентировочными.)

 

 

1. Устройства: компьютер, планшет или смартфон?

 

 

Рисование на компьютере

Если у вас уже есть компьютер, хорошие новости! Вы можете продолжать использовать его, не покупая новый.

 

С точки зрения памяти, хотя вы можете рисовать, используя только 4 ГБ памяти, мы рекомендуем использовать 8 ГБ или больше, если вы хотите получить максимальную отдачу от своего нового устройства.

Многие рекомендуют компьютеры Mac для рисования, но вы можете абсолютно без проблем рисовать на компьютере с Windows или на ноутбуке. Не стесняйтесь выбирать операционную систему, которую вы предпочитаете.

 

Рисование на планшете

Планшеты позволяют легко начать рисовать в цифровом виде! Все, что вам нужно, это приложение для рисования и стилус для планшета. Некоторые более известные варианты — это Apple iPad с Apple Pencil (2-го поколения) и S Pen для планшетов Galaxy. Спецификации для различных приложений изложены в соответствующих магазинах приложений.

 

Рисование на смартфоне

Вы можете загрузить приложение для рисования и рисовать на своем смартфоне как есть, но некоторые смартфоны поддерживают чувствительность пера к давлению, что важно, если вы хотите рисовать линии, как при рисовании традиционным искусством. . Проверьте, может ли ваш телефон определять давление пера. Устройства Samsung Galaxy могут использовать перо S, а устройства Android и iPhone с чувствительностью к давлению могут использовать стилусы Wacom, такие как Bamboo Sketch.

 

Если вы пользуетесь компьютером, вам может понадобиться планшет

Если у вас есть компьютер без сенсорного экрана для рисования, вам понадобится планшет.

 

С помощью графического планшета можно рисовать более плавные линии, поэтому, если вы хотите нарисовать рисунок на компьютере или ноутбуке, отдайте предпочтение этому инструменту. Вы найдете несколько компаний, которые продают графические планшеты, но наиболее популярны планшеты Wacom. Линейка продуктов Wacom действительно надежна и хорошо подходит для начинающих.

 

Подробнее о различных планшетах для начинающих см. в следующей статье.

11 лучших планшетов для рисования 2022 года!

 

Вы также можете рисовать на смартфоне или планшете с помощью стилуса. Тем не менее, эти параметры, как правило, ограничены технологически, поэтому они могут сдерживать вас или лишать вас уверенности, поскольку они, как правило, не отражают детали штрихов.

 

Убедитесь, что вы выбрали устройство, которое соответствует вашим потребностям в рисовании, в том числе насколько серьезно вы хотите рисовать.

 

 Обычные компьютеры с программным обеспечением для иллюстраций

Модель Galaxy Book Flex2 5G , доступная в Германии и Великобритании, поставляется в комплекте с 6-месячной лицензией на Clip Studio Paint PRO.

Это ПК 2-в-1 с вращающимся на 360 градусов дисплеем и пером S Pen, чувствительным к 4096 уровням давления, что позволяет рисовать так же плавно, как если бы вы рисовали на настоящей бумаге.

Samsung.com Великобритания «Galaxy Book Flex2 5G»

2.

Иллюстрация/приложения для рисования

Различные типы программного обеспечения, начисляют бесплатные программы. Приложения.

 

Лучше сначала получить практический опыт. Большинство платных программ имеют бесплатную пробную версию, поэтому вы можете решить, покупать ли что-то после тестирования. Также учитывайте свой бюджет.

 

 

Крупные имена в программном обеспечении

• Adobe Photoshop

Всемирно известная графическая программа. Благодаря своей долгой истории и расширенным функциям он привлек многих профессиональных дизайнеров. Его часто называют просто Photoshop.
Бесплатная 7-дневная пробная версия Adobe

 

• Clip Studio Paint

Сложная программа для создания комиксов и иллюстраций. Программное обеспечение популярно среди многих профессиональных художников, особенно художников комиксов. Иногда его называют «Clip Studio» или «CSP».
Бесплатная пробная версия Clip Studio Paint

 

• Paint Tool SAI

Интуитивное и простое программное обеспечение для рисования. Программное обеспечение имеет меньше функций, но работает без сбоев даже с низкими характеристиками.
31-дневная бесплатная пробная версия SAI

 

Программное обеспечение — важный инструмент для рисования. Вы должны выбрать программное обеспечение в соответствии с тем, что вы хотите рисовать, будь то иллюстрации, комиксы, портреты, искусство в стиле аниме, картины в стиле акварели, пейзажи или персонажи.

 

Для получения дополнительной информации о последних сравнениях программного обеспечения для рисования см. эту статью, в которой мы сравниваем 13 различных приложений для рисования для ПК, планшетов или смартфонов!

Приложения и программное обеспечение для чертежей в 2022 году (бесплатно и оплачены)

30 Приложения для рисования и покраски для iPad 2022 бесплатно/платный

3. дисплей, инвестируйте в монитор

 

Вам не нужно покупать новый дисплей, если вы уверены в том, что ваш компьютер работает со старым.

Однако, если вы планируете купить новый монитор, выберите большой, потому что он снизит усталость. 20 дюймов или больше — это хорошо! Это может иметь решающее значение, если вы планируете рисовать на своем ноутбуке.

 

 

4. Заключительные мысли

 

Как видите, запуск цифрового рисования сильно отличается, стартовые затраты зависят от того, что вы покупаете:

 

• Компьютер (включая монитор)… От 450 до 2800 долларов США
• Графический планшет … От 100 до 2000 долларов США иен и более
• Стилус, чувствительный к давлению, для планшета или смартфона… 99–129 долларов США
• Приложение/программное обеспечение … Бесплатно или до 300 иен (или даже больше, в зависимости от того, что вы покупаете!)
• Сканер … От 100 долларов США

 

С другой стороны, если вы решите не покупать компьютер и использовать бесплатное программное обеспечение с небольшим графическим планшетом, вы можете начать работу примерно со 100 долларов США.