Художники как рисуют: На чем рисует художник: история из прошлого в настоящее

На чем рисует художник: история из прошлого в настоящее

Друзья мои, а вы задумывались над философским вопросом: что первично холст или кисть? Я думаю, что сначала мы выбираем на чем рисовать, а уж затем подбираем инструмент для творчества. А у вас какое мнение?

И если с кистями все более-менее понятно, я даже как-то написала об этом информационную статью, то с поверхностей для живописи оказалось очень много!

Итак, на чем рисует художник, прежде всего зависит от задачи, которая стоит перед ним на данный момент. Если он пишет картину, то скорее всего, выберет холст необходимой фактуры и размера. А если пишет этюд, набросок для будущей работы, воспользуется картоном или бумагой для живописи.

Я рисую натюрморт с вином и скульптуркой на холсте

Если посмотреть вглубь вопроса и копнуть историю, то в качестве основы для живописи художники использовали абсолютно разные поверхности. Например, камень, дерево, металл, пергамент, холст… И можно бесконечно продолжать! Иногда художники рисуют даже на бумажной салфетке! Ну если вдохновение неожиданно посетило!

Мне тут вспомнилась забавная история про художника и бумажную салфетку, за достоверность которой я не ручаюсь. Возможно, это просто легенда, но право, очень любопытная!

Однажды Пабло Пикассо, уже будучи заслуженным состоявшимся художником, пил кофе в испанском кафе и что-то рисовал на салфетке. Возможно, в этот момент у художника появилась интересная идея, у творческих людей такое случается!

А напротив Пикассо сидела женщина, которая с почтением и интересом наблюдала за ним. Когда художник собрался уходить, его поклонница попросила продать ей салфетку с наброском, заметив, что заплатит за эскиз.

«10 тысяч долларов», — не моргнув глазом назвал цену Пикассо. Женщина возразила: «Как? Всего за 2 минуты, которые вы потратили на рисунок?» На что художник ответил: «Вы ошибаетесь, на этот рисунок ушло более 60 лет»

Вот, оказывается, насколько ценным может быть набросок на бумажной салфетке! Как вы понимаете, это шутка, но в каждой шутке можно найти долю истины.

А теперь вернемся к нашей теме: на чем рисует художник, исторические факты. Вероятно, вы знаете, что знаменитая Мона Лиза Леонардо да Винчи написана на деревянной панели из тополя.

Дерево или деревянная панель для живописи масляными красками использовалась довольно давно. Чаще всего брали тот вид древесины, которая произрастала в данной местности. А еще известно, что древние римские художники использовали деревянные панели из кедра или липы. А западноевропейские писали свои шедевры на досках из тополя, бука или каштана.

Кедровая доска под живопись

Фламандские художники в качестве основы для живописи брали древесину красного дерева и дуба. А русские живописцы использовали свои деревья: сосну, ольху или березу. Кстати, известнейший шедевр Андрея Рублева «Троица» написан на сосновой доске)

В те времена деревянная панель изготавливалась как из цельной древесины, так и могла быть скрепленной или склеенной из отдельных дощечек. И с тех пор ничего не изменилось, в настоящее время тоже популярны картины масляными красками, написанные на дереве или на деревянных дощечках. Тут, как говорится, все зависит от задумки художника, ну или от спроса заказчика.

Из истории возвращаемся к тому, на чем рисует художник в наше время.

В первую очередь, конечно —  холст на подрамнике. Холсты бывают разными по материалу изготовления: льняные, коттоновые, синтетические, а также из смесей этих волокон. Так же есть отличия по величине зерна, этот показатель определяет гладкость поверхности для живописи. Подробнее узнать о разных видах холстов вы можете

в специальной статье. 

Я заканчиваю картину на льняном холсте

Хочу добавить, что качественный хост удовольствие не из дешевых, особенно что касается льняных холстов. Но есть же и эконом варианты, о которых я вам сейчас расскажу.

На чем рисует художник картины, если не желает тратиться на дорогие холсты? Вполне можно использовать как поверхность для масла или акрила холст на картоне. Результат точно такой же, не отличишь! А есть еще и плюсы, если художник пишет картину в пастозной технике, то холст на картоне отлично держит массу красок, не деформируясь под их тяжестью. То есть не провисает, как может случиться с коттоновым холстом.

Пример моих картин / холст на картоне

Я знаю, что существует мнение, что живопись на холсте, это настоящее произведение искусства, без подделок и фальсификаций.  А как же тогда все наши мастера, о которых я упоминала ранее, они ж вообще писали на деревянных панелях? Думаю, что возник такой современный стереотип: живопись только на холсте, а все остальное бяка. Но ведь картина несет в себе энергетику художника независимо от того, на чем она написана!

Еще экономнее вариант — писать картины на оргалите или ДВП. Древесно-волокнистая плита, так полностью звучит название этого материала, изготавливается методом горячего прессования. Сырьем для изготовления служат отходы деревообрабатывающей промышленности, целлюлоза или стебли тростника, а также связующее вещество.

Пример моей работы на оргалите

ДВП для живописи продается с грунтом и без него. Еще один приятный бонус: одна сторона ДВП гладкая, а вторая тисненая, очень похожа на переплетение холста. Если хорошенько загрунтовать рифленую поверхность, то отличить её от настоящего холста практически невозможно.

Рождение парусника мастихином на ДВП

Если вы новичок и стоите перед выбором

на чем рисовать начинающему художнику, отдавайте преимущество картону. Он дает возможность попрактиковаться, прокачать способности и научиться новым техникам живописи не в ущерб кошельку.

Только не впадайте в комплексы, профессиональные художники тоже рисуют на картоне! Да, он недолговечен, но от этого результат работы не становится хуже

На чем рисует художник картины и этюды или как выбрать картон для живописи:

• художественный картон отличается плотностью, она должна быть около 1000г/м2
• картон для рисования может быть с грунтом или без него
• грунтованный картон для живописи бывает одно и двухсторонний

На чем рисует художник, если надо разработать эскиз картины?

Есть также художники, что пишут этюды и даже картины на упаковочном плотном картоне.

Это такой твердый проклеенный картон, который можно загрунтовать и применять для живописи маслом. К примеру, если надо разработать эскиз для будущей картины или попрактиковаться в написании какого-либо объекта необязательно использовать холст.
Если вы хотели бы продать свою работу/ экскиз, то лучше предлагать покупателю не картон в чистом виде, а холст на картоне. Он легче по весу и отправить его получиться дешевле)

Мои цветочные миниатюры мастихином/ холст на картоне

Кстати, такие мини холстики я делаю сама, они отлично подходят под живопись мастихином!

Друзья, за несколько лет я написала более 100 статей с видео. Не стесняйтесь читать статьи, ведь они написаны для вас))  Для удобства в поиске они собраны по тегам:
Масло
Акрил
Холст
Арт своими руками
Современная живопись

Фитнес для мозга
Остальные Теги по статья вы можете найти с правой стороны на сайте

Еще для обучения живописи маслом новичку отлично подойдет и специальная бумага для масла и акрила.

Как выбрать бумагу для живописи:

• почитать маркировку, «бумага для масляной живописи», именно так должно быть написано
• обратить внимание на её плотность, она должна быть не менее 300г/м2
• рекомендуется выбирать бумагу для живописи с рельефной текстурой, напоминающей холст

Напоследок хочу заметить, что в творчестве не главное на чем рисует художник. Куда важнее настрой, желание и вдохновение!

 Мое видео — Как я рисую большие картины на примере одной из них

Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

как рисовать правдоподобно – Сей-Хай

Существует множество направлений в живописи, которые не требуют от художника изображать то, как вещи выглядят в реальности. Тем не менее, важно сначала научиться рисовать хотя бы приблизительно правдоподобно, и уже потом начать экспериментировать со стилем. Но почему же так сложно нарисовать то, что мы видим вокруг ежедневно?

Если вы попытаетесь нарисовать, например, портрет, главной преградой станет способность вашего мозга распознавать символы. Я часто замечаю, что начинающие художники рисуют не то, что видят, а стараются изобразить символы этих вещей. Почему же так происходит?

Вот яркий пример. Художник видит глаз… поэтому он рисует то, что говорит ему мозг. Как то так, правда?

Художник видит ресницы. Поэтому он рисует символ ресниц, который закреплен в его памяти.

Тем не менее, он полностью игнорировал то, что говорят ему глаза. Информацию, которая все время была на виду!

Когда мы используем наше зрение, чтобы мысленно проследить форму глазного яблока, мы видим, что оно не совсем овальной формы, а скорее угловатой. Радужная оболочка не является идеальным кругом, а веко закрывает ее часть. Также можно увидеть, что ближе к виску почти не видно ресниц. Не игнорируйте визуальную информацию!

Форма этого белого пространства соответствует форме, которую я нарисовал.

Давайте разберемся. Мы не рисуем лицо, нос, глаза или волосы. Мы рисуем фигуры. Каждый рисунок – это сочетание светлых и темных фигур. Каждый рисунок – это иллюзия. Итак, ради примера, допустим, вы пытаетесь нарисовать этого парня. Я выбрал именно это изображение, потому что оно имеет четкие области света и темноты. А чем более выраженно выглядят формы, тем проще вам будет рисовать.

Давайте просто проанализируем соотношение светотени, полностью забыв про цвета.

Теперь я покажу вам трюк, который позволит отключить мозг и включить глаза. Просто переверните свое изображение вверх ногами. Вы уже начали замечать формы? Рисование слепых контурных рисунков поможет вам с этим навыком!

Некоторые из них легко заметить. Физический объект – например, воротник, легко становится фигурой. Мысленно проследите форму. Обратите внимание на каждую кривую и угол. Я делаю акцент на фигурах, чтобы вам было проще ориентироваться. На первых этапах, когда вы только начинаете рисовать, это самое важное. Не забывайте, что все приходит с опытом.

Но как это использовать, чтобы нарисовать лицо?

ВАЖНО: не позволяйте себе отвлекаться на мелкие детали!

Сначала сосредоточьтесь на больших площадях, а затем начинайте добавлять детали. Для того чтобы было проще, мой учитель всегда советовал прищуривать глаза. Так что замыливаем изображение! Теперь посмотрите на все эти фигуры.

Давайте начнем рисовать! Я хотел бы начать с самых темных участков. Вы должны смотреть на эталонное изображение столько же или даже больше, чем на свой рисунок.

Относитесь к своему рисунку как к игре «найди различия». Похожа ли фигура, которую вы только что нарисовали, на фигуру с изображения?

Неточности возникают часто. В процессе рисования я также сравниваю фигуры, которые я рисую, с фигурами на эталонном изображении. Я оцениваю светотеневое соотношение, положение по отношению к другим фигурам и так далее. Это нужно делать постоянно. Выделенная красным фигура выглядит странно.

Я представляю отрезок области рисования как линейку и заново рисую фигуру, чтобы она соответствовала той, которую видят мои глаза. Делая это, замечаю, что линия челюсти находится слишком далеко.

Я продолжаю совершенствовать свой рисунок. Я даже использовал инструмент преобразования в некоторых моментах, чтобы исправить эскиз. Не бойтесь стирать, даже если это большая часть работы. Впоследствии ваше изображение будет выглядеть лучше. Помните, что всегда можно перерисовать.

Ну что же, мы проделали немало работы, верно? Нарисовали много деталей. Настало время перевернуть изображение.

Ничего себе! Довольно хорошее начало, в самом деле. Чем больше вы будете рисовать, тем лучше у вас будет получаться.

Поздравляю! Вы научились использовать глаза вместо мозга!

Дамы и господа помните о мудрых словах Боба Росса: «Талант – это ложь. Никто никогда не получал хороших результатов, выпрыгивая из влагалища своей мамы. Талант означает, что вы усердно тренируетесь, рисуя каждый день. И гордитесь каждой своей работой, даже если не все получилось. Ведь это означает, что вы на один шаг ближе к тому, чтобы стать экспертом!»

Источник: BoredPanda

 

Что и зачем рисуют современные художники — Look At Me

Что и зачем рисуют современные художники — загадка для большинства. Но самое удивительное — при нашествии «цифры», радикальности перформанса и тотальных инсталляций их интерес к традиционной живописи никуда не делся. Сотни молодых художников новой волны экспериментируют с красками и поверхностями, не боятся писать картины после Малевича, Бэкона и Ротко и дают другое прочтение привычным подходам и жанрам.

За двадцать лет ренессанса живописи музеи и галереи снова наполнились холстами, предметы которых стали все более зыбкими и неузнаваемыми. Живопись становится похожа на кино: жанры и техники смешиваются между собой, а границы китча и искусства размыты как никогда раньше. В первой части гида по современной живописи Алиса Таёжная объяснила, что случилось с картинами во второй половине XX века, а теперь на примере самых известных современных живописцев показывает, что писать картины — совсем не старомодно.

 Текст: Алиса Таёжная

 

Предмет

Предмет в современной живописи совершенно не обязательно должен начинаться и заканчиваться на холсте, может существовать без тени и четкого очертания и вообще не ставит целью напомнить какой-то предмет или опровергнуть канон того, как рисовались предметы. Временами он настолько неуловим, что догадаться о нем можно только по надписи. Предмет без функции, но в контексте — наверное, таким было бы общее описание вещей в живописи здесь и сейчас.

Criss Canning, Arthur Merric Boyd Coffee Set, 2003Michael Craig-Martin, Knowing, 1996Susan Rothenberg, With Martini, 2002 Wayne Thiebaud, Cakes, 1963 Cindy Wright, Eat, eat, eat, 2007Luc Tuymans, Plates, 2012William Scott, Bottle and bowl, blues on green,1970

 

Человек

Портретное сходство остается уделом фотографии (и уже даже не как искусства, а как молчаливого регистра в фейсбуке или айфоне). Эмоция человека совсем не обязательно должна быть изображена в пределах лиц и тел — как смотрят на нас мускулистые мужички с полотен Машкова или Фрида со сросшимися бровями. Что же теперь рисует художник, когда рисует человека? В первую очередь — его человечность, нечто живое и неуловимое, что присуще только существам, которые умеют дышать. Направления жестов, полуповороты тела, акценты поз, тона теплокровной кожи, штрихи одежды — и незавершенность портрета почти всегда становится не только высказыванием, но и знаком качества.

Richard Phillips, Spectrum, 1998Martin Kippenberger, Untitled from the series Jacqueline: The Paintings Pablo Couldn’t Paint Anymore, 1996Marlene Dumas, Emily, 1984-1985Gary Hume, Young Woman,1998 Ellen Gallagher, Mr. Terrific, 2004-2005Elizabeth Peyton, Jarvis, 1995Francis Bacon, Head III, 1961Kehinde Wiley, Rubin Singleton, 2008Lucian Freud, Girl in a Dark Jacket, 1947

 

Ситуация

Жанровая сцена как раскадровка и застывшая картинка из театра исчезли из современной живописи чуть ли не раньше всего. Даже на мансардах Ренуара девушки в шляпках смотрят не на кавалеров, а куда-то между их трубками, сиренью и небом, и взгляд этот ловить не надо. Ситуация в живописи сейчас — это условно, минимум — живое в мертвом: от собаки на кресле до человека в аэропорту. И те, и другие одинаково плоские — перспектива убивает все: рука начинается или заканчивается в перилах, ноги уходят в лестницу, а волосы сливаются с фоном. Границы иллюзорны, и слияние с поглощением занимают сейчас художников больше всего, ведь аморфность и прозрачность — наша чуть ли не самая новая и интересная черта.

Neo Rauch, Die Fuge, 2007Wilhelm Sasnal, Untitled, 2004Mickalene Thomas, Just a Whisper Away, 2008Karin Mamma Andersson, Scener ur ett äktenskap, 2009Kara Walker, Gone, 1994Eric Fischl, Bad Boy, 1981Daniel Richter, The Entertainus, 2009 Enzo Cucchi, Ondeggiavano, 2007

 

Линия и форма

Кошмар обывателя — абстракция — продолжается, потому что рисовать нечеткое нечто, которое обретает новую суть через цвет, форму и размах линии — это бестелесная живопись с нуля, без впечатления, живопись из головы, идущая от импульсов. И хотя большинство абстрактных полотен — предмет инвестиций для бесхребетных коллекционеров и унылых банков, лучшие из современных абстракционистов продолжают вычленять из белого шума вещи, которых не существует в осязаемой природе.

Cy Twombly, Leda and the Swan, 1962Roger Hilton, September 1961, 1960 David Malangi, Water Hole, 1994Jasper Johns, The Dutch Wives, 1975Barnett Newman, Vir Heroicus Sumblimis, 1950-1951Brice Marden, The Muses, 1993Raoul de Keyser, Krijtlijnen HV, 1976Olle Baertling, Deni, 1961Lee Ufan From Line, 1979 Ellsworth Kelly, Blue, Green, Red II, 1965Christopher Wool, Untitled, 2007Charline von Heyl, Yellow Rose, 2007Tim Bavington, Voodoo Child (Slight Return), 2001Arturo Herrera, Say Seven, 2000Albert Oehlen, FM 16, 2008

 

Пейзаж

Природа у современных живописцев — не Божий храм и не мастерская, не декорации и не пастораль, из которой выкурили всех людей. На планете, где живет почти семь миллиардов человек, природа и среда — универсальная утопия, нарисованная пунктиром, в которой бывали или попадают все. Она без конца и без края, проявляется то в виде полей, то в мелочах — из плоской детской раскраски, где фон и герои не существуют друг без друга. Природа — это огромный человек без глаз и носа, утонувший в обыденности и безвременье.

Edward Hopper, Gas, 1940Hans VANDEKERCKHOVE, The road never ends, 2004Fred Williams, Waterpond in a Landscape, 1966Raqib Shaw, The Garden of Earthly Delights III, 2003Peter Doig, 100 Years Ago, 200David Hockney, A Bigger Splash, 1967John Baeder, Airline Diner, 1987Arthur Boyd, Australian scapegoat, 1987Anselm Kiefer, Paths: March Sand, 1980Milton Avery, Spring Orchard, 1959

 

Что рисуют художники?

Это тема школьного проекта, на которую мы постараемся ответить.

Изобразительное искусство, пожалуй, древнейшее из духовных проявлений человечества. Ещё в первобытный период появились первые наскальные рисунки. Уже тогда людям были свойственны эстетические поиски, а стремление к красоте зародилось как потребность выразиться, высказаться, раскрыть своё понимание мира. — Читайте подробнее на FB.ru: http://fb.ru/article/121891/rasskazyi-ob-iskusstve-chto-risuet-hudojnik

Что вижу – то и творю

Так что рисует художник? По сути, то, что видит вокруг себя. Или воспроизводит те моменты, которые случались с ним раньше и произвели на него особое впечатление. В этом случае живописец восстанавливает события, картины по памяти или пользуется эскизами, набросками, этюдами. Таким образом, получается, что рисует художник самые разные явления действительности. В зависимости от того, каким образом он это делает, его творчество относится к реалистическому направлению, фантастике, сюрреализму и т.д. Однако такое объяснение нельзя считать полным. Ведь чаще всего чем талантливее человек, тем более он самобытен, индивидуален, независим в своих взглядах и воззрениях. И запечатлевает на полотне или бумаге не всё подряд, а лишь глубоко затронувшее его. Потому можно сказать, что рисует художник, если, конечно, он следует своему таланту, а не продаёт себя, не только окружающий, но и свой внутренний мир. Ведь картины в изобразительном искусстве – не фотография. Это художественное произведение, созданное красками и кистями, карандашами и углём, т.е. тем, что является рабочим инструментом мастера. В нём воплощаются мысли и чувства автора, его мечты и надежды, этические, эстетические, нравственные ценности. И ещё один ответ на вопрос «что рисует художник?» может быть таким: свою Вселенную.

Живописные жанры А теперь подробнее о жанрах и формах изобразительного искусства. Живопись делится на станковую и монументальную. Монументальная – это фрески, роспись стен внутри и снаружи помещения. Станковая – это те рисунки, при создании которых автор ставит бумагу или вешает холст на мольберт. Он может работать «на натуре», в помещении – место роли никакой не играет. Что касается жанров – тут тоже есть своя специфика.

Например, художник, рисующий зверей, является анималистом. Вспомните мультфильмы о животных. Они называются анималистическими.

Портретист – тот, кто работает в жанре портрета. Пушкин кисти Ореста Кипренского – классический образец жанра.

Изображения живой природы переносит на холст пейзажист. Тут на ум приходят работы Шишкина, Левитана, других гениальных авторов. Но так как этот жанр весьма разнообразен в своих проявлениях, то внутри него есть своя градация.

Так, художники, рисующие море, получили название «маринисты» (от «марина» — море). И тут уж не обойтись без имени Айвазовского – именно он в первую очередь прославился в этом жанре из русских художников. Фрукты и цветы в вазах, разные вещи, несвязанные живыми предметами, изображаются в натюрморте. Название жанра так и переводится: «мёртвая природа». Машков с его знаменитой «Клубникой и белым кувшином» — один из самых наглядных примеров.

Историческая тема отражается в исторической живописи. Репин создал гениальное полотно, герой которого, Иван Грозный, убивает своего сына. Работал в жанре исторической живописи и Суриков (самая известная картина – «Боярыня Морозова»). Жанровая, декоративная, религиозная, архитектурная – таковы известные живописные жанры. В каждом из них оставили свой яркий след русские художники! — Читайте подробнее на FB.ru: http://fb.ru/article/121891/rasskazyi-ob-iskusstve-chto-risuet-hudojnik

Почему рисуют художники? Ответы | Меркулов Сергей

В разные периоды жизни у художника наступают серые времена, когда не знаешь, зачем нужно рисовать, кому это надо и куда это всё девать. У моей знакомой настал именно такой период. Она больше не чувствует, ради чего нужно рисовать и зачем. А действительно, зачем?

Поиск смысла в том, что делаешь — это почти утопия. Так же можно спрашивать о смысле жизни и не найти ответа. Может быть, и не нужно искать смысл, но вопросы задаются самому себе время от времени. Каждый находит свой вариант ответа. Поэтому я решил сделать опрос среди знакомых и незнакомых художников о том, почему они рисуют. Ответов получилось много, и они разные.

Очень сильно помогла Людмила Подкорытова, которая опубликовала у себя в ленте мой вопрос. За это ей большое спасибо. А также спасибо всем, кто ответил.

А теперь к ответам.

Зачем рисуют художники?

Анна Иванова:

Кто-то говорил, если можешь не рисовать, не рисуй. А я уже просто своей жизни не представляю без каждодневного рисования. Кругом вижу будущие картины. Не могу сказать, почему конкретно я рисую. Я просто так живу.

А. Иванова

Людмила Подкорытова:

Я не знаю, что ответить, т.к. на данном этапе моей жизни никакого смысла в моём рисовании я не вижу, кроме одного — люди реагируют на мои рисунки здесь — в ФБ и в ЖЖ, пишут хорошие слова, а я радуюсь. Поэтому я и рисую. Никаких других задач я уже давно не ставлю перед собой.

Л. Подкорытова

Руслан Гончар:

1. Для денег.
2. Для удовольствия

Р. Гончар

Анатолий Дымант:

Думаю, что рисовать должно в первую очередь просто хотеться. У меня это происходит порывом. Поэтому я пишу только тогда, когда хочется, и бывает, что это происходит с большим перерывом в несколько месяцев или же наоборот — с высокой интенсивностью за короткий промежуток времени. Цель создать какое-то произведение уже дело второстепенное, но тоже важное.

А. Дымант

Мила Наумова:

Поразмышляла-подумала. А у меня нет никакой высшей цели или великого смысла. Боюсь, что я эгоистка. Я рисую только потому, что мне это очень нравится. Меня это успокаивает, когда проблемки в жизни, радует, заряжает энергией, когда я устаю или наступает апатия. Я люблю это душой и даже на уровне физиологии! У меня слюни текут, когда я краски вижу, и акварельные, и масляные, когда из тюбиков на палитру выдавливаю. От созерцания множества оттенков порой голова кружится больше, чем от поцелуя с любимым человеком. У меня это чистый эгоизм. А если кому-то нравится то, что я намазюкала — отлично! Если не нравится — тоже хорошо. Нереально нравиться всем, и нереально всем угодить. Хотя если честно, своими рисунками я даже не стараюсь кому-то кроме себя угодить, просто получаю удовольствие. И бывают периоды, когда я долго не рисую, тогда я много созерцаю, наблюдаю, любуюсь жизнью вокруг. Отдыхаю и получаю удовольствие от нерисования.

М. Наумова

Oxana Zaika:

Я рисую, так как это мне нравится, и народу нравится, и это намного приятнее, чем мыть посуду или убираться, а ещё может и продаться, всё! Когда рисуешь, как-будто находишься вне событий и времени, исчезаешь, просто супер!!! И ещё, когда мы испаримся отсюда, хоть картинка потомкам останется, уже приятно.

O. Zaika

Marina Fudashkina:

Рисую, когда не рисовать невозможно. И когда нужно рисовать по работе, часто бывает страшно, что не придет это состояние музы.

А вообще, пусть художник не переживает, в дневниках многих известных людей можно почитать их мучения по этому вопросу, сразу станет немного легче)

Любовь Оборина:

Смысл рисования в самом рисовании. Можешь не рисовать — не рисуй!

Людмила Подкорытова. как-то нашли на чердаке рисунки давно умершего художника. Как же интересно было смотреть — как в душу заглянули к человеку, кот. уже нет. как будто он опять дышит и думает. А мы с ним.

Гуля Алексеева:

Я не рисую практически, если только эскизы, потому у меня нет полного права принять участие в твоем опросе, но рисует мой сын. И как-то он мне сказал, что для него рисовать, то же самое, что дышать. Так же органично. Т. е. он рисует так же, как дышит, не замечая, но жить без этого уже не может.

Когда у меня возникают мысли — зачем и кому, гоню их сразу. И тебе рекомендую. А иначе — что останется… Будет чем жить? Я не имею ввиду материальные выгоды, где они? Я о наполнении жизни жизнью.

Ирина Смирнова:

Я рисую, потому что привыкла так выражать свои эмоции. И ещё люблю рукоделие, как антипод хаоса. Конечно, бывают моменты, когда я думаю, что кроме меня, возможно, это никому не нужно. Но всё равно привычка к творчеству сильнее.

Ольга Гусева:

Вообщет я ничего другого не умею. и мне это нравиццо. Еще и деньги за это платят иногда.)

Надежда Тиунова:

Тянет. Буквально:)

Феликс Данкевич:

Я рисую, потому что иначе буду все время тупить и ходить как с утюгами на ногах.

Эдуард Сайфульмулюков:

Раньше рисовал ежедневно и ежечасно, по учебе, по настроению, по вдохновению. Потом рисовал чтобы прожить, было время, когда неделями не рисовалось ни черточки. В это время я со страхом думал, что вот оно, закончилось. Но вот случайная веточка или елка, освещенная солнцем, или вообще другая страна — и вот океан фантазии, и идей, и мыслей накрывает с головой. А вообще, когда не порисую, то реально плохо становится))

Marina Bitter:

В народе ценили певуний и умельцев… мне кажется, что рисование — это моё умение, я с ним родилась и рисую, сколько себя помню — жила бы в старое время на селе — рисовала бы на прялках)

M. Bitter

Ольга Ременева:

Просыпаешься с мыслью: «я — художник». Потом на картинки свои смотришь: «неее, ну какой я художник? не. не. не» (депресняк). На другие смотришь: «о! а ваще-то художник! (эйфория)… дык мне ж никто не поверит! (депресняк)» и то, и другое очень ярко в эмоциональном плане. Как влюблённость) Временами, когда я рисую, со смой случаются приступы искрящегося счастья XD))

Елена Кагальникова:

Я рисую, делаю кукол потому, что не могу этого не делать. Всякие идеи мучают меня и не дают спать. Откуда берутся — для самой загадка.

Сергей Сотолюк:

Для меня рисование-это лекарство. Рисуя, я получаю облегчение и успокоение.Катарсис.

Наталия Смирнова:

Мне кажется, я родилась именно для этого.

Afanassy Pud:

А я, нарисовав картинку, получаю огромное удовлетворение! А когда показываю её, то удовлетворяю свое тщеславие. Кроме того, через некоторое время я на свою картинку смотрю, и не понимаю, как я смог такую замечательную нарисовать. А если б я не нарисовал свои некоторые картинки (не все), то, наверное, давно бы кого-нибудь зарезал в автобусе. Так что одни плюсы.

Наталия Пономарёва:

Рисовать — это примерно то же самое, что летать. Всякое бывает, но тянет непреодолимо!

Natallia Sukhaya:

Творчество — это какая-то штука, которая удовлетворяет голод определенного рода. Когда долго не работаешь, голод растет, рукі чешутся сначала, потом ломіт іх… А воплотіл ідею, которая мозг теребіт і вот оно шчастье! Ага! І второе счастье, когда скажут: ну ты крутая, так класно сделала!

Zenya Aun:

Рисовать, писать- это способ поделиться своими чувствами, а то внутри много бывает, переполняет оно- а как отдать? А вот так- написать картиночку! Может порадуется кто!)))

Ольга Эр:

Это образ жизни.

Татьяна Корелякова:

Рисовать — это мой способ познания мира… И как-то так получается, что все остальное материально-социальное притягивается в этом процессе почти автоматически. У меня очень мало работ «в стол», только записи с идеями, которые, «отлежавшись», начинают воплощаться… Вобщем, я почти не парюсь, просто плыву в потоке и слушаю подсказки ноосферы…

Rimma Volkova:.

…вот скажи, зачем приходят ко мне рисовать люди от 70 и много старше? Сиди дома, нянькай внуков или болячки, а они ездят издалека, из пригорода, чтобы окунуться в этот рай. Бывшие педагоги математики, профессор университета, оперный певец на пенсии, ну этот хоть близко по теме, заведующая школой, инженеры, технари, строители и многие разные и всякие. Они балдеют от того, что им удается поймать это наслаждение! Они забывают обо всем на эти два часа!

Так вот для меня рисовать-это летать! Я летаю, я в раю, как сказала Рената Литвинова в фильме.

Я прыгала с парашютом и это похожее чувство-невесомость! Спасение, уход в мир грез и полет надо всем. Я рисую всю жизнь, сколько себя помню. На горшке рисовала, на всем, что было рядом, стена, шкаф и др. Мама меня кормила с карандашами, я рисовала и открывала рот. Сама не ела и была долго тощей жуть. У меня под рукой всегда клочки бумаги, талончики, блокноты и постоянно там что-то должно рисоваться. Это моя жизнь! В больнице рисовала шаржи на врачей и сестер, раздавала, в академии, в студенческие годы. И все друзья были у меня под стать. Мы разъехались в разные страны и увезли с собой гигантские папки архивов. А еще рисование лечит! Моя сестра, 12 лет, после диагностики последней стадии рака только этим и держится. Она постоянно работает, бежит в мастерскую или просит мужа отвезти. И рисует, набирает учеников и организовывает выставки. Никто не будет говорить здесь о том, шедевры она создает или мазню, главное в другом- ощущение востребованности.

Kira Sokolovskaya:

Да просто иначе не получается. не могу не рисовать. всё я отнекивалась от рисования, отнекивалась, в итоге поняла, чтоб без него-никуда и никак. не могу просто. теперь ещё и пытаюсь сделать это и средством существования… но это маловероятно в моём случае))) так что рисую, просто потому, что не могу не рисовать. естетсвенная потребность организма.

Константин Шамрин.

Для меня рисовать- это объяснять. То есть, ещё один вид коммуникации с окружающими и самим собой.

Юлия Тимошенко:

Когда я не рисую, мне плохо, тревожно, грустно. Это относится в гораздо большей степени к моему личному творчеству, но также и работе под заказ. Мне обязательно надо выразить свои мысли через рисунок, тогда я чувствую себя полноценным человеком.

Маша Якушина:

Как-то это физически необходимо. болею, когда не рисую. последние 5 лет есть ощущение, что я должна, что иначе всё бессмысленно. вот эту бессмысленность нужно обязательно победить! хотя до этого целую жизнь рисовала на заказ, и это была просто профессия, которая нравилась и приносила удовольствие и деньги. и еще — ответ, наверное, надо искать в детях, самых маленьких. они непонятно зачем и почему выбирают рисовать, или петь, или танцевать. им не нужны оценки и похвалы — им просто необходимо это зачем-то делать.

Татьяна Мельниченко:

Как ни прискорбен этот факт — деньги зарабатываю. Сделать что-то просто в подарок или для себя почти не успеваю

Дарья Герасимова:

Люда, я уже третий день с большим интересом читаю ответы на этот вопрос, но сама совершенно не знаю, как на него ответить. Больше всего хочется ответить, перефразировав Портоса «я дерусь, потому что дерусь» — я рисую, потому что рисую. Душа поет, вот и рисуется. И никаких мыслей о том, что это все для чего-то нужно…

Анна Филиппова:

Дааа, надо бы «подпустить разговорцу», но что-то не пишется) Эх, судьба! Бестолковое я существо, бессмыссленное, как и моё рисование. Но если мне ясно обрисовать, для чего я рисую, я немедленно перестану. В остальных случаях, кроме рисования, я так и поступаю. Благодарение Богу, что к моему «творчеству» никто не подсыкается.

Mali Song:

Согласна с теми, кто объясняет желание рисовать потребностью, от которой невозможно отмахнуться. Это очень по-детски, возможно… Но это тот выбор, который делаешь на фоне всех дел, занятий, которыми заполнен день (иногда и ночь))). И безусловно ещё один способ коммуникации. Вроде циркуляции некой субстанции, которую получаешь из внешнего мира, перерабатываешь внутри себя и результатами делишься с тем же внешним миром посредством рисунка. Если бы мне за это деньги платили, я бы не сопротивлялась. Нисколечко))) Но у меня совсем другая профессия. И за неё тоже никто не спешит большие деньги платить. Норовят за бесплатно.

Светлана Бузанова

Почему рисую я? Пожалуй потому, что мне кажется, в этом смысл моей жизни. Зачем иначе мне мой опыт, мои мысли, мои чувства… Есть такое выражение «информационный след» Думаю это то, что остается как итог жизни человека. Он состоит из памяти близких, из воспоминаний друзей, из открыток, писем, записок, а может быть и книг написанных. Связь времен должна быть и каждый из нас это тоненькая ниточка той связи. Все эти мысли пришли ко мне не сразу)) Начинала я рисовать, предполагая, что это окажется полезно для моего здоровья. Ну и просто потянуло к бумаге с карандашом. Вот как-то так.

С. Бузанова

И в конце я напишу, почему рисую я. Не могу сказать в данный момент, что я не могу жить без рисования. Могу. Но потребность в удовольствии и самозначимости присутствует, как у большинства людей. Об этом писал еще Дейл Карнеги в одной из своих книг. Поэтому я получают удовольствие от рисования и удовлетворение от лайков в соцсетях. Ну и еще какая-то история остаётся.

Может вы найдёте во всех этих ответах что-то для себя?

Если у вас есть свои варианты ответов на вопрос, то оставляйте их в комментариях. Удачи вам!

П.С.

И если вам было интересно читать это, то поделитесь статьей в соцсетях. Спасибо:)

Эти 15 художников заставят усомниться в том, что видят ваши глаза / AdMe

Мастерство некоторых художников превосходит все границы. Они рисуют чем угодно: маслом, акриловыми красками, углем, шариковыми ручками или простым карандашом, — но их работы не отличить от фотографий. Немалое упорство и талант авторов делают эти работы чем-то большим чем просто фотокопиями. В них жизнь, видение художника, эмоции и иллюзия мира, в котором мы живем.

AdMe.ru собрал 15 художников, глядя на работы которых мы буквально не верим своим глазам.

Диего Фацио

Диего работает как струйный принтер, начиная рисовать с края листа. Рисует простым карандашом и углем. На создание одного портрета у художника уходит по 200 часов работы.

Грегори Тилкер

Грегори Тилкер пишет свои «дождливые» полотна кистью, используя акварель и масляные краски. Просмотр картин Грегори напоминает путешествие на машине в холодный ненастный день.

Руфь Тайсон

Британская художница Руфь Тайсон, как и многие ее коллеги, не имеет художественного образования, однако обладает оригинальной манерой исполнения своих работ. Она рисует графитом и акварельными карандашами, но иногда берется и за краски.

Роберто Бернарди

Сложно поверить, что «сладкие» натюрморты Роберто Бернарди не сняты на камеру. Каждый натюрморт с изумительной точностью передает отражения на глянцевой поверхности стола, сгибы и блики.

Робин Элей

Лондонский художник создает масштабные реалистичные картины маслом. В картинах этой коллекции художник изящно «скрывает» наготу человеческих тел прозрачной пленкой.

Готфрид Хельнвайн

В своих работах Хельнвайн использует преимущественно акварельные краски. Он работает как живописец, чертежник, фотограф, скульптор и артист, раскрывая все стороны своего таланта.

Винсент Фатауззо

Работы известного австралийского художника Винсента Фатауззо выставлены по всему миру. Портрет Хита Леджера был написан за несколько недель до смерти актера.

Камальки Лауреано

Камальки Лауреано — талантливый доминиканский художник. Он применяет технику письма акриловыми красками на холсте. Для него работа — это не просто подражание фотографии, а подражание жизни.

Пол Кэдден

Единственный инструмент автора — грифельный карандаш. Его, оказывается, вполне достаточно, чтобы в точности передать каждую линию, морщинку или эмоцию. Сомневаться в гениальности автора не приходится.

Томас Арвид

Томас не имеет никакого формального образования. Наработав мастерство по собственной системе обучения, художник пришел к своей теме — теме вина. Так и возник «Винный погреб Томаса Арвида» — серия работ с изображениями бутылок, пробок, штопоров и бокалов с искрящимися напитками.

Брайан Друри

Американский художник окончил в 2007 году Нью-Йоркскую академию искусств и с тех пор работает в жанре реализма. Призер множества престижных премий США и Европы Друри фокусируется на органических качествах кожи и показывает ту сторону человека, которую от нас так часто пытаются скрыть.

Игаль Озери

Игаль невероятно точно передает игру света и тени, блики и солнечные засветы, тем самым мастерски создавая иллюзию фотографии.

Танер Цейлан

Известный турецкий художник, рисующий в стиле гиперреализма и специализирующийся на воспроизведении фотографий. Для своих работ использует преимущественно акрил.

Эндрю Тэлбот

Известный британский художник Эндрю Тэлбот занимается рисунком с 15 лет и с 2002 года зарабатывает себе на жизнь своими произведениями. Потрясающая реалистичность и яркие краски делают его стиль одним из самых узнаваемых, что ставит художника в ряды лучших в своем деле.

Чем рисуют художники | fotoloid.ru

Чем рисовать начинающему художнику. Материалы, используемые художниками.

Основным материалом, конечно же, являются краски. Все художники люди и предпочтения у них индивидуальные. Один вообще кистью не пользуется, работает палочками для удаления лишней краски, между прочем, очень даже красиво получается.

Кто-то рисует яркие картины с насыщенными цветами, кто-то мягкие и не контрастные, а кому-то нравится фактурный рисунок с визуализацией каждого штриха.

Гуашь растворяется в воде, после высыхания имеет некоторую бледность, но одновременно обладает бархатистостью. При работе ошибки легко исправляются, нанесением дополнительного слоя, но слишком толстый слой не желателен, потому что потом это место может растрескаться и некоторые фрагменты просто отпадут от основания.

Акварель растворяется в воде, может быть по тону бледноватой или сочной. Акварель в отличие от гуаши прозрачная, то есть сквозь слой просматривается основание. Акварелью обычно пишут воду и то, что в небе. При работе с акварелью ошибки не прощаются, и их уже не исправишь, но многообразие техник делает процесс творения приятным.

Пастель наносят не кистью, этот краситель выпускают в форме мелков. Для получения требуемых оттенков пастель смешивают специальной растушевкой или пальцами. Легко исправляются ошибки, перекрывая дополнительными слоями.

Темпера – это раритет, теперь ее почти не используют, но она самая долговечная краска. Краситель яркий и не меняет первозданный тон со временем. Темпера, растворимая в воде, но после высыхания не смывается водой. При обладании соответствующего опыта темперой можно получить свойства, присущие акварели или гуаши. То есть она может и прозрачной и не прозрачной. При этом сохранится индивидуальность этого красителя, своя изюминка.

Акрил растворяется в воде, относительно молодая краска, ей всего 60 лет. Образует стойкое покрытие к воде, не выгорает при солнечном свете и не теряет первозданный вид. При жидкой консистенции получается акварельная техника, но можно работать и с густой краской, что дает возможность получить интересную фактуру. Краска легко наносится на любые поверхности – стекло, дерево, керамика, ткань и другие.

Карандаш не растворяется в воде — шутка. Художники обязательно используют его, хотя бы для набросков. А некоторые заканчивают им всю работу. Карандаш дает возможность исправить ошибки, стерев его ластиком. Можно получить тонкие, толстые, серые, черные линии, можно растушевать их. Карандаш различается по твердости, обычно мягкие используют, когда рисунок остается, а твердые — позволяют легко удалить его.

Уголь похож на карандаш, но изображение получается мягче и расплывчатее, что придает свою оригинальность рисунку. Уголь дает глубокий черный цвет, который не получишь карандашом, легче растушевывается. Недостатком угля является его хрупкость, он легко крошится и пачкается, и его уже не сотрешь ластиком.

Сангина и сепия – это натуральные красители. Сангина минерал, им рисовали еще древние люди. Сепию получают из морского моллюска — сепия, отсюда и название красителя. Современные технологии позволяют сформировать из этих веществ мелки разных оттенков коричневого цвета. Художники сангиной обычно пишут обнаженную натуру, а сепией – пейзажи. Техника работы схожа с углем, интересно смотрятся комбинация сангины и сепии.

Тушь – это разбавленная сажа. Особенность туши в ее контрастной выразительности, но при ошибке се приходится начинать сначала – она не стирается.

Масляные краски и живопись неразделимые. С 6-го века художники используют масляные краски. Особенность этого красителя в реалистичности изображения, рисунок получается живой. Основой могут быть бумага, картон, дерево, холст и другие материалы. Но требуется предварительная грунтовка поверхности.

Кистей для начинающего художника на первое время достаточно трех: №8 для покрытия больших участков с круглым концом, № 6 с прямоугольным концом и №4 мягкая нейлоновая круглая для прорисовки.

Шпатели предназначены для смешивания красок на палитре, некоторые художники ими же накладывают краску на полотно. Имеет длинное лезвие с круглым периметром.

Мастихин — это нож в форме кельмы, которые используется совместно с кистями для смешивания красок на палитре.

Палитра нужна для смешивания красок, подойдет обычная неглубокая тарелка. Деревянную палитру, предлагаемую магазинами лучше не использовать, ибо она впитывает краску, если предварительно не промаслить ее, зато у нее есть отверстие для большого пальца. К палитре крепятся специальные чашечки, в которых содержатся специальные жидкости, например, скипидар.

Банка с плотной крышкой нужна для хранения уайт-спирита, который используется для промывки инструментов и кистей. Вовсе не обязательно выливать грязный уайт-спирит, через некоторое время краска оседает на дно, достаточно перелить чистую жидкость в другую посуду, а осадка избавиться.

Хлопчатобумажные тряпки нужны для быстрого удаления краски с кисти, когда нужно взять другой цвет.

Специальные жидкости. Кроме уайт-спирита художники используют скипидар для разжижения красителя. Существует разбавитель «Сонет», который не имеет специфического запаха.

Холст бывает уже с грунтовкой, его основа льняная ткань, остается только натянуть холст на раму. В задней части рамы должны быть специальные клинья для подтягивания холста, ибо он провисает из-за пропитывания красками или влажным воздухом мастерской. Бывает, что холст наклеивают на картон, чтобы избавиться от провисания.

Мольберт. Оказывается при работе с масляными красками, поверхность должна быть вертикальной, это обеспечивает мольберт. Можно, конечно, просто прислонить картину к стене, но это как-то не профессионально и похоже на фотографирование без штатива в студии.

Лак применяется на заключительном этапе, когда картина полностью высохнет, порой ждать приходится несколько месяцев. Лак наносится в два слоя – первый состоит из скипидара и живописного лака в равных пропорциях, второй слой – неразбавленный лак. Лак наносят мягкой широкой кистью в горизонтальном положении картины. Второй слой наносят после полного высыхания первого слоя, примерно через час. Лак защищает картину от разрушения и изменения оттенка под влиянием окружающей среды, хотя этого не достаточно. Даже обработанные лаком картины требуется хранить при определенной влажности, температуре и освещенности.

Список из 10 главных рисунков и чему они нас учат

Величайшим рисовальщиком в мире могла быть ученица другого художника в стиле рококо во Франции, или рисовальщик эпохи Возрождения, ставший невидимым из-за взгляда признанного мастера из более могущественного близлежащего города-государства, или скромный учитель рисования, работающий в настоящее время. в Миннесоте. Выбор 10 лучших ящиков всех времен — салонная игра сомнительной ценности. Вместо этого мы решили подсчитать, сколько раз исторические фигуры упоминались или воспроизводились в первых 10 выпусках журнала Drawing  и продемонстрировать их с яркими комментариями вдумчивого работающего художника и представителя одного из самых уважаемых художественных учреждений в мире. страна.Каждый из 10 художников, представленных здесь, предлагает рисунки изысканной красоты; но, что более важно для наших целей, каждый из них предлагает идеи и уроки, которые может использовать любой рисовальщик. Мы исследуем, почему работа этих людей так вдохновляет.

Леонардо да Винчи

«Голова молодой женщины» Леонардо да Винчи , металлический наконечник, перо и коричневые чернила, кисть и коричневая заливка, выделенная белой гуашью, 11 x 7 1/2. Собрание Галерея Уффици, Флоренция, Италия. Рисунок черным мелом в левом нижнем углу был нарисован другим художником.«Он дразнит вас маленьким уголком глаза», — комментирует Рубенштейн. — Он мог бы дать тебе полный профиль, но не сделал этого. Леонардо изолировал некоторые части и ударил по ним, а другие части отпустил. Это не портрет конкретного человека; это идеализированная форма. Как сказал Кеннет Кларк, с классической точки зрения обнаженная натура не относится к конкретному человеку. Это не портрет, это дизайн». Леонардо да Винчи (1452–1519) был первой бесспорной суперзвездой искусства, и его гениальность бесспорна. Но Эфраим Рубинштейн, художник, преподающий в Лиге студентов-художников Нью-Йорка на Манхэттене, смешивает свое восхищение Леонардо с тем, что даже этот великий ренессанс не возник из вакуума.«Леонардо так много получил от Андреа дель Верроккьо, которая была потрясающим учителем, — говорит Рубенштейн. «Все происходит из традиции; никто не приходит из ниоткуда. Леонардо научился основам сфумато от [своего учителя], среди прочего». Родившийся внебрачным сыном юриста в тосканском городе Винчи, Италия, Леонардо был ученым, изобретателем, пионером в изучении анатомии и художником шедевров «Тайная вечеря» и «Мона Лиза » — прототипа человека эпохи Возрождения. .Рубинштейн называет свои строки «сладкими, нежными и изящными. Он не делает ничего, что не имеет самых красивых изгибов». Но именно его альбомы для рисования делают Леонардо новатором. «Он был одним из первых, кто заговорил о том, чтобы взять блокнот на улицу, — объясняет Рубенштейн. «Леонардо сказал, что вы должны иметь прямой контакт с жизнью и наблюдать за действиями мужчин». Ресурсы :

• Мастер рисования Леонардо да Винчи, Кармен К. Бамбах (Метрополитен-музей, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
• Леонардо да Винчи: Полное собрание картин и рисунков Фрэнка Зольнера и Йоханнеса Натана (Ташен, Кельн, Германия)

Микеланджело Буонаротти

Голова молодого человека (?) Микеланджело , ок.1516 г., красный мел, 8 х 6 1/2. Собрание Ashmolean Museum, Оксфорд, Англия. «Этот рисунок предполагает влияние Леонардо, — говорит Рубенштейн. «Это более тонально и деликатно, чем многие другие его рисунки». Его потолок Сикстинской капеллы — одно из самых знаменитых достижений в истории искусства, но те, кто интересуется рисунками, сосредоточатся на более чем 90 работах мелом и тушью, которые Микеланджело (1475–1564) создал в рамках подготовки к этому и другим заказам. Некоторые художники проводят параллель между работами этого итальянского мастера и фантастическими мускулистыми формами из комиксов. Но если какой-либо начинающий рисовальщик за последние 50 лет с восхищением подходил к волнообразной человеческой анатомии в комиксах, то к работам Микеланджело он отнесся с благоговением. «С его мастерством в живописи, скульптуре и архитектуре ни один художник — за исключением, возможно, Леонардо — не был более технически одаренным», — говорит Рода Эйтель-Портер, заведующая отделом рисунков в библиотеке Моргана в Нью-Йорке. . «Его фигуры всегда напрягаются», — замечает Рубенштейн. «Они стремятся к чему-то, но связаны.Все мышцы напрягаются одновременно, что анатомически невозможно, но глубоко поэтично. Микеланджело создал пейзаж человеческого тела». Причина логична: Микеланджело был скульптором. Разделение между тактильным и визуальным нарушается; художник видит и рисует в трех измерениях. «Микеланджело [понимал], что конкретная мышца имеет яйцевидный характер, и он [находил] мелом эту форму», — говорит Рубенштейн, указывая на то, что отметки на его рисунках все больше и больше затачиваются на более законченных участках формы в манера, которая параллельна линиям долота на незаконченной скульптуре. В одних местах художник расставил грубые штрихи, в других более тщательно определил перекрестную штриховку, а в наиболее законченных местах отшлифовал тон. Работы Микеланджело отмечены двумя другими чертами: его почти полной преданностью обнаженному мужчине и вездесущей чувственностью в его искусстве. Даже женские фигуры в его работах были смоделированы по образцу мужчин, и даже его драпировка была чувственной. «Он мог сказать все, что хотел, обнаженным мужчиной», — отмечает Рубинштейн. «Он не отвлекался ни на что другое — ни на пейзажи, ни на натюрморты, ни на женские обнаженные тела.За исключением своей архитектуры, Микеланджело был монолитно сосредоточен на обнаженном мужчине, и даже в его зданиях можно было провести параллели с телом». Ресурсы :

• Рисунки Микеланджело: ближе к мастеру Хьюго Чепмена (издательство Йельского университета, Нью-Хейвен, Коннектикут)
• «Уроки Микеланджело», Майкл Бербан (Watson-Guptill Publications, Нью-Йорк, Нью-Йорк)

Альбрехт Дюрер

Рыцарь, Смерть и Дьявол Альбрехта Дюрера , 1513, гравюра, 9 3/4 x 7 3/8. «Технически это подвиг, которому еще не было равных», — утверждает Рубинштейн. «Возможно, это не самый важный аспект этой гравюры, но поскольку она технически совершенна, Дюрер переходит в другое царство от других граверов». Альбрехт Дюрер (1471–1528), возможно, величайший гравер в истории. Он опубликовал более 350 гравюр и гравюр на дереве и написал не менее 35 картин маслом, создав в процессе более 1000 предварительных рисунков и акварелей. Дюрер создал ряд широко известных и знаковых гравюр, а нюрнбергский художник пользуется большим уважением и влиянием среди рисовальщиков.Его тонкое изображение форм — нелегкий подвиг с жестким, неумолимым гравировальным инструментом — является причиной, по которой так много рисовальщиков изучают и восхищаются его работами. «Его рисунок исходит из чувствительности гравера», — комментирует Рубенштейн. «Он не может задать тон; он должен вылупиться. И никто не держит форму с безжалостностью Дюрера». Он был виртуозным, но, возможно, не новаторским. «Я думаю, что он многое получил от итальянцев», — говорит Рубенштейн, имея в виду визит художника в Венецию, чтобы увидеть друга и изучить искусство и идеи Италии эпохи Возрождения. Но его талант заключался не только в исполнении техники. Дюрер вложил много смысла в такие гравюры, как « Рыцарь, Смерть и Дьявол », включая две фантасмагорические фигуры, которые завораживают, но не доминируют над остальной композицией, но глаз легко улавливает основную идею, когда он не пирует. на чудесно прорисованных корнях и гальке. Откройте для себя возможности рисования в нашей бесплатной электронной книге «Уроки рисования эскизов». Просто введите свой адрес электронной почты ниже, чтобы начать наслаждаться рисованием таких мастеров искусства! [fw-capture-inline кампания=”RCLP-confirmation-pencil-sketch-drawing” спасибо=”Спасибо за загрузку!” интерес = «Искусство» предложение = »/wp-content/uploads/pdfs/PencilSketchDrawingGheno.pdf”] «Вы реагируете на интенсивность и плотность изображения», — говорит Рубинштейн. «Дюрер [изображал] причудливые явления природы в мельчайших подробностях, и все же он [был] в состоянии сохранить большую композицию четкой и сильной при всем этом происходящем. Он [знал], что даже среди корявых деревьев ему [пришлось] немного отступить, чтобы песочные часы [могли] выйти вперед. Он [контролировал] так много — он как жонглер, у которого в воздухе 30 мячей». Ресурсы :

• Полное собрание гравюр, офортов и рисунков Альбрехта Дюрера Альбрехта Дюрера (Dover Publications, Mineola, New York, New York)
• Альбрехт Дюрер и его наследие: графические работы художника эпохи Возрождения Джулии Бартрум (издательство Принстонского университета, Принстон, Нью-Джерси)

Питер Пауль Рубенс

Молодая женщина смотрит вниз (этюд головы св.Аполлония) Питера Пауля Рубенса , 1628, черный и красный мел, усиленный белым, ретушь пером и коричневыми чернилами, 16 5/16 x 11 1/4. Собрание Галерея Уффици, Флоренция, Италия. Красный мелок вызывает теплоту тела на лице субъекта, а черный мелок служит акцентами и изображает волосы. «Совместить эти два тона сложнее, чем вы думаете», — комментирует Рубенштейн. «Сравните это с женщиной Леонардо: это ангел; Рубенс — настоящая женщина. Вы можете прикоснуться к ней.Художник поворачивал мелок или заострял его, чтобы получить четкую линию, варьируя ширину штрихов и делая точные блики. Согласно стереотипу, художники ведут бедный богемный образ жизни, но Питер Пауль Рубенс (1577–1640) свидетельствует о том, что некоторые художники добиваются огромного успеха. По общему мнению, Рубенс был уважаемым, богатым и счастливым художником, который также собирал антиквариат, создал большую семью и заключил один или два мирных договора, работая дипломатом высокого уровня. Он был занятым человеком действия, и на бумаге никогда не рисовали легкомысленно — почти все его рисунки были предварительными набросками для более крупных заказов.Еще больше поражаешься уверенным, красивым линиям рисунков Рубенса в свете осознания того, что он наверняка счел бы их рабочими документами, непригодными для выставки. Что делает его особенным, так это «его мастерство в технике рисования мелом», по словам Эйтель-Портер. «Ему понадобилось всего несколько штрихов, чтобы передать не только позу фигуры, но и ее эмоциональное состояние». Действительно, бельгийский придворный живописец демонстрировал в своих рисунках невероятную легкость с оттенком напыщенности. Его рука была уверена.«Рубенс использовал естественно четкие, уверенные знаки и плавные жесты», — говорит Рубинштейн, который особенно восхищается рисунками художника, выполненными мелом трех цветов. «Красный мел прекрасен, но у него есть ограничение по диапазону — часто нужно использовать черный мел и белый мел, чтобы еще больше увеличить его на каждом конце диапазона значений», — объясняет Рубенштейн. «Это похоже на разницу между аккордом и одной нотой — расширение досягаемости красного мела». Ресурсы :

• Питер Пауль Рубенс: рисунки Анн-Мари С.Логан (Метрополитен-музей, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
• Peter Paul Rubens: A Touch of Brilliance, Михаил Пиотровский, (Prestel Publishing, Мюнхен, Германия)

Рембрандт ван Рейн

Женщина, несущая ребенка по лестнице, Рембрандт , ок. 1636 г., перо и коричневые чернила с коричневой заливкой, 7 3/8 x 5 3/16. Коллекция библиотеки Моргана, Нью-Йорк, Нью-Йорк. «Простыми жестами, движениями и выражениями Рембрандт уловил достоинство повседневной жизни — здесь нежный момент между матерью и ребенком, — говорит Эйтель-Портер, — хотя его изображение совсем не обычное.” «Он был наследником Леонардо в том, что всегда делал зарисовки с натуры», — говорит Рубинштейн о Рембрандте (1606–1669). «Его жесты были такими искренними и полными жизни». Если Рубенс был художником власти и королевского двора, то Рембрандт был художником человечества. Одаренный такой же способностью рисовать линии, голландский художник и рисовальщик умел рисовать очень быстро и уверенно добавлять простые штрихи, которые эффективно создавали темные и светлые узоры. Неумолимая среда чернил не была помехой для Рембрандта в погоне за сиюминутным действием; Например, задняя часть халата его жены убедительно сметается с лестницы в «Женщина, несущая ребенка вниз по лестнице ». Матери и дети представляли для художника особый интерес, возможно, отчасти потому, что он потерял троих детей в младенчестве; и смерть его жены прервала счастливый брак. «Человечность его рисунков… вы не чувствуете ее так сильно в работах кого-либо еще», — замечает Рубенштейн. «Он [казалось] знал, что [чувствовала] мать, что [чувствовал] ребенок — что происходит в этой сцене. И у него [была] спонтанная, невероятная линия, которая могла показать структуру чего-то, и все же [имела] свой собственный каллиграфический смысл.” Ресурсы :

• Путешествие Рембрандта: художник, рисовальщик, гравер, Клиффорд С. Экли (издания MFA, Бостон, Массачусетс)
• Рисунки Рембрандта и его школы, Vol. I, автор Jeroen Giltaij (Thames & Hudson, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
• Рисунки Рембрандта и его школы, Vol. II, автор Jeroen Giltaij (Thames & Hudson, Нью-Йорк, Нью-Йорк)

Шарль Лебрен

Этюд Муция Сцеволы перед Порсенной, Шарль Лебрен , ок.1642 г. , красный мел на коричневой бумаге, 15 3/4 х 9 1/2. Собрание Schlossmuseum, Веймар, Германия. Шарль Лебрен (1619–1690), стоявший на ногах как в эпоху классицизма, так и в эпоху барокко, был художником, который рано добился успеха и обладал политическими навыками, чтобы оставаться доминирующей фигурой при французском дворе и в Академии до самого позднего возраста. Лебрен был учеником Вуэ и другом Пуссена, и его композиции были построены на основных, простых массах, как в классицизме. И все же его фигуры могли ощетиниться энергией искусства барокко, как показано в змеевидной форме в этюде S для Муция Сцеволы «Перед Порсенной» . Святое семейство со святым Иоанном Крестителем, Шарль Лебрен , ок. 1648–1650, красный мел с контуром стилуса, 12 1/4 x 10 1/2. Коллекция Прата, Париж, Франция. Лебрен сделал больше, чем кто-либо, для установления однородного французского стиля искусства в течение трех десятилетий XVII века. Он добился этого как с помощью политики, так и с помощью живописи — Лебрен основал Французскую академию в Риме, и к 1660-м годам любой значительный заказ брался за него. Два рисунка, представленные в этом разделе, хорошо иллюстрируют, как прагматически менялся стиль Лебрена со временем — с художественным и материальным успехом.«Одно изображение показывает простую концепцию всех форм, очень уравновешенных и позированных как Рафаэль; а на другом изображена фигура, которая так сильно борется», — восхищается Рубенштейн. «Даже без указания трупа, который поднимает эта фигура, мы чувствуем, сколько усилий ему приходится прикладывать, чтобы удержать этого тяжеловеса». О уверенности Лебрена в обращении с инструментами для рисования ходили легенды; один миф утверждал, что этот сын скульптора начал рисовать в колыбели. Ресурсы :

• Шарль Лебрен: первый художник короля Людовика XIV, Мишель Гаро (Гарри Н.Абрамс, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
• Выражение страстей: происхождение и влияние конференции Шарля Лебрена по общему и частному выражению, Дженнифер Монтегю, (Издательство Йельского университета, Нью-Хейвен, Коннектикут)

Эдгар Дега

Эскиз «Танцовщица в трико». Эдгар Дега , ок. 1900 г., черный мелок, 23 5/8 x 18. Собрание Национального музея, Белград, Сербия. «Обратите внимание, как Дега сделал более темные линии и, таким образом, больше акцентировал внимание на стабилизирующей ноге и на нижней стороне другой ноги, несущей вес», — комментирует Рубенштейн.Переход рисовальщика от рисования четких, детализированных форм к более свободным, жестовым линиям является обычным явлением, но эти примеры показывают, что эта эволюция у Илера-Жермена-Эдгара Дега (1834–1917) была особенно естественной. Красота пронизывает обе работы, даже если у типичного зрителя обе работы могут не ассоциироваться с одним художником. «Он пытался определить фигуру на своих ранних рисунках, — объясняет Рубинштейн, — а на более поздних рисунках он отвязывал ее». Музой Дега была балерина, а движения и движения танца требовали свободных жестовых зарисовок.Рубенштейн отмечает, что даже в быстрых набросках, таких как « Этюд танцовщицы в трико», « Дега» проявляется его композиционный гений: колени почти касаются краев бумаги, а отрицательные формы, образованные конечностями танцора, создают мощное впечатление. дизайн. Красота спонтанной композиции выдает многолетний опыт, стоящий за этим исследованием. Ресурсы :

• Дега и танец, Джилл ДеВоньяр и Ричард Кендалл (Гарри Н. Абрамс, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
• Эдгар Дега: жизнь и творчество Дени Саттона (Rizzoli International Publications, Нью-Йорк, Нью-Йорк)

Винсент Ван Гог

«Дикая растительность» Винсента Ван Гога , 1889 г., тростниковое перо, перо, кисть и тушь на тканой бумаге, 18 1/2 x 24 5/8.Собрание Музея Ван Гога, Амстердам, Нидерланды. Это произведение, возможно, является предшественником абстрактного искусства или автоматического рисования. Помимо того, что Винсент Ван Гог (1853-1890) был типичным голодающим художником, он был повитухой в рождении абстрактного искусства, о чем свидетельствует его « Дикая растительность ». Как художник он известен своим ярким и смелым цветом, но риск, на который он пошел в композиции, возможно, в равной степени ответственен за его репутацию. Для ящиков Ван Гог также важен из-за его марки.«Ван Гог развил невероятный словарный запас с тростниковым пером, — говорит Рубенштейн. «Он [придумал] язык со всеми этими различными видами знаков: точками, тире, завитушками, длинными и короткими линиями. Но поскольку он [был] в таком контроле, это [имело] смысл. Он [создавал] ритмы. У природы нет таких знаков». Березы Полларда Винсента Ван Гога , 1884 г., перо, тушь и графит, усиленные непрозрачной акварелью на тканой бумаге, 15 1/2 x 21 3/8. Собрание Музея Ван Гога, Амстердам, Нидерланды.Сравнение Pollard Birches с Wild Vegetation показывает рост голландского художника от репрезентативного до почти полностью абстрактного. Переход в меньшей степени виден в портрете Зуав , в котором большая часть лица изображена с неким пуантилизмом, а отдельные черты, например нос, образованы классическими линиями. «Это очень личный язык, который он [придумал]», — комментирует Рубенштейн. «Но сами отметки завораживают. ” Зуав Винсента Ван Гога , 1888 г., тростниковое перо и тушь поверх графита на тканой бумаге, 12 1/2 x 9 5/8. Собрание Соломона Р. Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк, Нью-Йорк. Смешивая классический способ описания формы в некоторых областях с типом пуантилизма, Ван Гог говорил на своем собственном языке с отметинами на этом портрете. Черты тростникового пера оказали влияние на стиль рисования голландского художника — этот тип пера содержал очень мало чернил и, следовательно, предпочитал короткие тупые штрихи. Ресурсы :

• Винсент Ван Гог: рисунки Колты Айвз (Музей Метрополитен, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
• Ван Гог: мастер-рисовальщик, Сьерраар ван Хейгтен (Гарри Н.Абрамс, Нью-Йорк, Нью-Йорк)

Эгон Шиле

Истребитель Эгона Шиле , 1913 год, гуашь и графит, 19 1/4 x 12 5/8. Частная коллекция. Сравните это изображение с «Этюдом Муция Сцеволы перед Порсенной» Лебрена. В Le Brun субъект что-то несет. У Шиле нагрузка подразумевается — или внутри. «Это очень интроспективно, — говорит Рубинштейн. «Свернутое напряжение, голова повернута, чтобы смотреть прямо на вас, удлиненный торс. Он выглядит диким». Уроженец Австрии Эгон Шиле (1890–1918) был денди в богемной одежде, предполагаемым порнографом, решительным нарциссом и одним из самых провокационных и необычных рисовальщиков современности.«По сравнению, скажем, с Рембрандтом, диапазон невелик, — говорит Рубенштейн. «Но вы всегда знаете, если что-то Шиле. Как это произошло? Об этом стоит подумать». «Все его преувеличения глубокомысленны, — продолжает Рубенштейн. «Его искажения на деньгах — углубление бедра, выпуклость бедра, линия, которая явно связана с подколенными сухожилиями. Искажения основаны на очень точных анатомических ориентирах. Вот что делает их такими тревожными. Это и тот факт, что скелет часто очень присутствует.” Шиле оклеветали за некоторые откровенные рисунки несовершеннолетних девушек, но игнорирование всего его эротического искусства может быть ошибкой. Рубенштейн указывает, что не каждый может успешно заниматься эротикой. Искусство Шиле бросает вызов не только своим предметом, но и положением его предметов, блуждающими линиями, которые вибрируют от напряжения, и буйными красками, которые он использовал. «Посмотрите на красный цвет рядом с зеленым, проходящий через цифру Fighter », — замечает Рубинштейн.— Это говорит о чем-то невыразимом. Эйтель-Портер соглашается: «Использование им неестественных цветов и его жестовое нанесение краски с видимыми мазками, чтобы подчеркнуть выражение, отличают Шиле». Ресурсы :

• Эгон Шиле: Полное собрание сочинений Джейн Каллир (Гарри Н. Абрамс, Нью-Йорк, Нью-Йорк)
• Эгон Шиле: рисунки и акварели Джейн Каллир (Thames & Hudson, Нью-Йорк, Нью-Йорк)

Кете Кольвиц

Домашний работник Кете Кольвиц , уголь на желтоватой бумаге, 22 7/8 x 17 5/8.Коллекция неизвестна. Кете Кольвиц (1867–1945) видела много страданий и изображала их с редко встречающимся сочувствием. Ее муж был врачом для бедных в Берлине, что, вероятно, сыграло свою роль в ее симпатиях к социалистам. Потеря сына в Первой мировой войне вызвала длительную депрессию. Она также потеряла внука во Второй мировой войне. В результате ее душераздирающие образы матерей, плачущих над умершими младенцами, вызывают резонанс. «И она была таким замечательным рисовальщиком», — говорит Рубенштейн. «Коллвиц мог так много сделать с помощью простых форм.Здесь могут быть несколько тонких отметин, обозначающих волосы; а потом — бум, ты прикован прямо к этому глазу несколькими сильными линиями. Кольвиц была в первую очередь художником-графиком, ограничивая свою работу в основном черно-белыми изображениями. «Ее смелый графический стиль отражает огромную человеческую боль и страдания обездоленных», — комментирует Эйтель-Портер. «Это основа ее предмета. Мир, который она изображает, окутан тенью; лишь изредка вводятся цветовые штрихи». Вторит Рубинштейну: «С такой простотой, с такой экономией средств она внушала большое сочувствие.Она могла сделать невероятное человеческое заявление с помощью только обожженной древесины [древесного угля] на бумаге». Ресурсы :

• Каталог полных графических работ Кете Кольвиц, автор Август Клипштейн (Oak Knoll Press, Нью-Касл, Делавэр)
• Рисунки Кете Кольвиц, Герберт Биттнер (Томас Йоселофф, Нью-Йорк, Нью-Йорк)

*Вклад в статью Боба Бара

***

Для получения дополнительных советов по рисованию, инструкций, экспертных идей и вдохновения ознакомьтесь с прошлыми выпусками Drawing magazine.

советов для начинающих: начало работы в цифровом искусстве

 

Если вы думаете о том, чтобы начать заниматься цифровым искусством впервые, возможно, у вас возникли следующие вопросы:

 

«Могу ли я рисовать на моем нынешнем компьютере?»

«Программное обеспечение для рисования звучит дорого».

 

Если вас это беспокоит, прочитайте ниже краткое изложение всего, что вам нужно знать перед началом работы. (Обратите внимание, что цены в этой статье являются ориентировочными.)

 

1.

Компьютер

Если у вас уже есть компьютер, вы можете продолжать пользоваться им, не покупая новый. Вы также можете использовать ноутбук для цифрового рисования иллюстраций, если он имеет достаточно хорошие системные требования. Если вы обнаружите, что ваш компьютер сильно тормозит или зависает, вам следует подумать о том, чтобы добавить больше памяти или заменить ее.

 

Если вы идете в магазин, чтобы купить новый компьютер, сообщите человеку, помогающему вам, что вы ищете устройство для художественных программ и цифрового рисования, чтобы он помог найти устройство, которое лучше соответствует вашим потребностям.

 

С точки зрения памяти, хотя вы можете рисовать, используя только 4 ГБ памяти, я рекомендую использовать 8 ГБ или больше, если вы хотите получить максимальную отдачу от своего нового устройства.
Многие рекомендуют компьютеры Mac для рисования, но вы можете абсолютно без проблем рисовать на устройстве Windows. Не стесняйтесь выбирать операционную систему, которую вы предпочитаете.

 

 

У вас также есть возможность рисовать на смартфоне или планшете с помощью стилуса. Тем не менее, эти параметры, как правило, ограничены технологически, поэтому они могут сдерживать вас или лишать вас уверенности, поскольку они, как правило, не отражают детали штрихов.

 

Убедитесь, что вы выбрали устройство, которое соответствует вашим потребностям в рисовании, в том числе насколько серьезно вы хотите рисовать.

 

Стандартные компьютеры, поставляемые с программным обеспечением для иллюстраций

Модель Galaxy Book Flex2 5G , доступная в Германии и Великобритании, поставляется в комплекте с 6-месячной лицензией на Clip Studio Paint PRO.

Это ПК 2-в-1 с вращающимся на 360 градусов дисплеем и пером S Pen, чувствительным к 4096 уровням давления, что позволяет рисовать так же плавно, как если бы вы рисовали на настоящей бумаге.

Samsung.com UK «Galaxy Book Flex2 5G»

 

 

2.

Программное обеспечение для создания иллюстраций

Цифровая иллюстрация — это иллюстрации, нарисованные с помощью программы или приложения для рисования. Существуют различные типы программного обеспечения, от бесплатных до платных профессиональных программ и приложений.

 

Дорогостоящее программное обеспечение имеет расширенные функции, но это не обязательно означает, что с ним легче рисовать (или что оно будет соответствовать вашим потребностям).
Лучше сначала получить практический опыт. Большинство платных программ имеют бесплатную пробную версию, поэтому вы можете решить, покупать ли что-то после тестирования. Также учитывайте свой бюджет.

 

 

Громкие имена в программном обеспечении

Всемирно известная графическая программа. Благодаря своей долгой истории и расширенным функциям он привлек многих профессиональных дизайнеров. Его часто называют просто Photoshop.
Бесплатная 7-дневная пробная версия Adobe

 

Сложная программа для комиксов и иллюстраций. Программное обеспечение популярно среди многих профессиональных художников, особенно художников комиксов. Иногда его называют «Clip Studio» или «CSP».
30-дневная бесплатная пробная версия Clip Studio Paint

 

Интуитивное и простое программное обеспечение для рисования. Программное обеспечение имеет меньше функций, но работает без сбоев даже с низкими характеристиками.
31-дневная бесплатная пробная версия SAI

 

Программное обеспечение — важный инструмент для рисования. Вы должны выбрать программное обеспечение в соответствии с тем, что вы хотите рисовать, будь то иллюстрации, комиксы, портреты, искусство в стиле аниме, картины в стиле акварели, пейзажи или персонажи.

 

Дополнительные сведения о последних сравнениях программного обеспечения для рисования см. в этой статье.

Лучшее программное обеспечение и приложения для рисования в 2021 году (бесплатные и платные)

 

3.

Графический планшет

Подключите этот инструмент к компьютеру, чтобы рисовать.
С помощью графического планшета можно рисовать более плавные линии, поэтому, если вы хотите нарисовать рисунок на компьютере, отдайте предпочтение этому инструменту. Вы найдете несколько компаний, которые продают графические планшеты, но наиболее популярны планшеты Wacom.Линейка продуктов Wacom действительно надежна.

 

 

У Wacom есть огромный выбор планшетов разных размеров и характеристик, но если вы новичок, Wacom Intuos S — хороший бюджетный выбор менее чем за 100 долларов. Однако он поставляется только в небольшом размере 200 × 160 мм.
Несмотря на то, что он немного дороже, Wacom Intuos с Bluetooth выпускается в размерах малого и среднего размера (264×200 мм). Кроме того, этот продукт поставляется с двухлетней лицензией Clip Studio Paint, поэтому он идеально подходит для художников, не имеющих программного обеспечения для рисования.

 

В любом случае перед покупкой графического планшета необходимо проверить чувство рисования.
Имейте в виду, что наконечник постепенно укорачивается и требует замены через определенный период времени.

 

Подробнее о графических планшетах для начинающих см. в следующей статье.

11 лучших планшетов для рисования 2021 года!

 

4. Монитор

Вам не нужно покупать новый дисплей, если вы уверены в текущем.
Однако, если вы планируете купить новый монитор, выбирайте большой, потому что он снизит утомляемость. 20 дюймов или больше — это хорошо!

 

5. Прочее

Хотя это и не обязательный предмет, но если вы хотите нарисовать эскиз на бумаге, вам понадобится сканер. Вы можете преобразовать эскиз в цифровые данные, открыть его с помощью программного обеспечения и выполнить цифровое нанесение чернил. Вы также можете импортировать нарисованные от руки текстуры/цвета и использовать их в качестве материалов для иллюстраций. Если вы хотите экспортировать иллюстрацию, вам понадобится принтер.
Нет необходимости покупать новую мышь или клавиатуру, если у вас уже есть исправная. Подумайте о покупке нового, когда вы начнете использовать много сочетаний клавиш.

 

Если вы хотите начать цифровое рисование, начальные затраты могут сильно различаться в зависимости от того, что вы покупаете:

 

• Компьютер (включая монитор)… От 450 до 2800 долларов США
• Графический планшет … От 100 до 2000 долларов США иен и более
• Программное обеспечение … Бесплатно или до 300 иен (или даже больше, в зависимости от того, что вы покупаете!)
• Сканер … От 100 долларов США

 

С другой стороны, если вы решите не покупать компьютер и использовать бесплатное программное обеспечение с небольшим графическим планшетом, вы можете начать работу примерно со 100 долларов США.

 

 

При традиционном рисовании запасы рано или поздно заканчиваются, и вам приходится покупать их заново. Однако в цифровой среде вам не нужно заменять оборудование, что в долгосрочной перспективе обходится дешевле.
Вам не нужно начинать с высокопроизводительного компьютера, но при необходимости вы можете постепенно перейти на более подходящее устройство. Постепенно вы поймете, что вам нужно для создания более качественной иллюстрации, например, более чувствительный к давлению планшет или менее глянцевый монитор.

 

См. следующие статьи, чтобы узнать больше о создании иллюстраций и манги в цифровой среде!

 

(Создатель: Nyle Inc.)
(Автор: Вакако Исида)
(Иллюстрация: Энди♂)

«Вдохновение для рисования» демонстрирует художников, которые рисуют на бумаге, а не на холсте: NPR

Алисса Монкс, Пронзённый (рисунок), 2020, бумага, древесный уголь Авторское право Алисса Монкс / Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк скрыть заголовок

переключить заголовок Авторское право Алисса Монкс / Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк

Что ты думаешь? Это фотография? Лицо такое близкое и конкретное. В одной руке фотограф держал камеру, а в другой зонт? Может быть, хотите подержать зонт над женщиной, чтобы она не промокла? Немного не то. Это рисунок . Самый замечательный, кропотливо созданный рисунок. Я расскажу об этом позже, но поскольку рисунок является предметом этого эссе и нью-йоркской выставки, которая включает великолепный пример Алиссы Монкс, давайте немного задержимся на многих лицах, которые может выразить рисунок.

«На рисунках видна рука художника», — думает Никола Лоренц.Она исполнительный директор манхэттенской галереи Forum Gallery и куратор выставки «Вдохновение для рисования». Вы получаете более личную связь с создателем рисунка. «Нет двух художников, которые пишут свои работы одинаково, как нет двух людей, которые пишут одним и тем же почерком», — говорит она. Кроме того, это то, что мы все делали — рисовали в детстве, жалкие фигурки из палочек или, может быть, действительно красивые, если есть немного таланта. Для некоторых художников рисунок необходим.

Пикассо однажды сказал: «Я рисую так, как другие люди грызут ногти.» Он рисовал всеми средствами — карандашом, тушью, углем, мелом, мелком, акварелью. Да, акварелью. Как работа на бумаге, акварель также считается рисованием, поскольку она как бы охватывает миры живописи и рисунка.

At Галерея Forum, Рэнс Джонс, написавший акварель ниже, является одаренным стрэддлером. Он носит с собой альбом для рисования, когда путешествует, и находит жизнь и культуру Кубы богатым источником вдохновения. Во время многих визитов он превращал свои маленькие, быстрые впечатления в более крупные работы, фотографии кубинцев, занимающихся своими повседневными делами.«Вы видите жизнь, выгравированную на их лицах», — говорит Лоренц.

Рэнс Джонс, Azucar y Tabaco (сахар и табак), 2020, бумага, акварель Авторское право Рэнс Джонс / Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк скрыть заголовок

переключить заголовок Авторское право Рэнс Джонс / Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк

Rance Jones, Azucar y Tabaco (сахар и табак), 2020, бумага, акварель

Авторское право Рэнс Джонс / Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк

Всю свою жизнь этот человек торговал сахаром и табаком. «Что, если подумать, довольно странное сочетание». Но не на Кубе. Это основные культуры. На акварели Джонса изображены старые весы магазина, а также постоянный спутник мужчины — сигара.

Джонс — один из 28 современных художников, участвовавших в этой выставке рисунков. Форум представляет их всех. Пандемия закрыла 60-летнюю галерею на Парк-авеню на несколько месяцев. Продажи рисунков по цене от 5000 до 55000 долларов были спорадическими. Это намного дешевле, чем картины, и новые коллекционеры иногда начинают с их покупки.Некоторые покупают только рисунки. Если у вас есть лишняя мелочь, эта стоит 14 000 долларов.

Гильермо Муньос Вера, Молодой человек из Мали, 2019, бумага, карандаш и уголь Предоставлено Гильермо Муньосом Вера/Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк скрыть заголовок

переключить заголовок Предоставлено Гильермо Муньосом Вера/Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк

Гильермо Муньос Вера, Молодой человек из Мали, 2019, бумага, карандаш и уголь

Предоставлено Гильермо Муньосом Вера/Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк

Это лицо!? Немного озорной, готовый к приключениям. Рисунок — карандашом и углем — очень дотошный. Гильермо Муньос Вера, чилиец, живет в Испании и считается виртуозом, мастером-реалистом, известным своими картинами.

На протяжении столетий, по словам куратора Лоренца, рисунки были «репетициями художественного представления», то есть картинами. Это как разминка перед гонкой на 10 миль. Дега и Сера изменили это в середине 19 века, когда они представили свои работы на бумаге как полностью готовые произведения искусства. Как произведения Муньоса Веры или американца Стивена Ассаэля.

Стивен Ассаэль, Генри и Хаммер, 2020, бумага, графит и карандаш Авторские права Стивена Ассела/Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк скрыть заголовок

переключить заголовок Авторские права Стивена Ассела/Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк

«Его рисунки отрываются от страницы», — говорит Лоренц. Вы почти можете видеть, как они дышат. Ассаэля называют «новым старым мастером». Он рисует каждый день. «Отвлекает его от занятий живописью». И рисует с натуры. Старик Генри — модель и актер. Он одевается характерно, наносит макияж и соответствующую одежду, прежде чем уйти из дома на сеанс. В этот день Генри пришел в студию Ассаэля одетым так, как, по его мнению, мог бы одеваться бездомный. Какой он задумчивый, на рисунке. Отдых? Думаешь о ремонте, который ему нужно сделать с помощью этого молотка? Или, может быть, мечтает о более легких днях, которые у него когда-то были? Ассаэль, рисуя его, проявляет такое сострадание.Художник не только воображает жизнь, но и запечатлевает ее на бумаге.

Наконец, снова рисунок Алиссы Монкс Завороженный. Женщина все еще там, смотрит наружу, но не прямо на нас. Модели монахов обнажены. В душевых или ваннах. Я никогда не видел ничего подобного этому стилю, который является ее визитной карточкой.

Алисса Монкс, Пронзённый (рисунок), 2020, бумага, древесный уголь Авторское право Алисса Монкс / Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк скрыть заголовок

переключить заголовок Авторское право Алисса Монкс / Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк

Alyssa Monks, Transfixed (рисунок), 2020, бумага, виноградный уголь

Авторское право Алисса Монкс / Предоставлено галереей Forum, Нью-Йорк

Красивую купальщицу нам трудно увидеть. Это преднамеренно. Монкс начинает с того, что фотографирует то, что хочет нарисовать, а затем решает, что с этим делать. Мне такое решение кажется технически невозможным. Она заставляет нас смотреть сквозь воду, чтобы увидеть, что за ней. Здесь женщина смотрит сквозь мокрую стеклянную стену душа. Монахи всегда показывают лица сквозь какую-то пелену — стекло, воду, капельки, пар. Что-то, что мешает нам ясно видеть. Лоренц говорит, что это цель: «Чтобы мы замедлились, чтобы посмотреть и понять, без того, чтобы наш мозг сразу же делал какие-то предположения.» Какое настроение это создает.

Секретом создания настроения, помимо таланта и воображения, является виноградный уголь. Он намного мягче обычного древесного угля и оставляет следы мелкой пыли при каждом движении. Пальцами или размазыванием палочки, Монкс перемещает пыль, чтобы доставить ее туда, куда она хочет (это занимает несколько часов), а затем распыляет ее на место с помощью карандаша Sennelier Delacroix и фиксатора древесного угля. Издание 2006 г.Sennelier — магазин почтовых марок, продающий предметы искусства через Сену от Лувра.

Доминик Сеннелье, владелица Maison Sennelier, в магазине Sennelier в Париже, 7 апреля 2014 года. Джоэл Сагет / AFP через Getty Images скрыть заголовок

переключить заголовок Джоэл Сагет / AFP через Getty Images

Внутри полки забиты амбициями и надеждами.Поколения художников приезжали сюда за художественными принадлежностями — углем, закрепителями, пастелью (для Пикассо Сеннелье изобрел масляную пастель), красками. На виду у великого парижского музея молодые и старые, мужчины, женщины и дети приходят сюда, чтобы купить инструменты для творчества. Как и художники Forum Gallery, они берут чистые листы бумаги и со своими материалами делятся мирами воображения, которые видят.

Искусство там, где вы находитесь — это неофициальная серия, демонстрирующая онлайн-предложения музеев и галерей, которые вы, возможно, не сможете посетить.

талантливых художников делятся своими лучшими советами по рисованию, чтобы вдохновить ваше творчество

Стоковые фотографии от Dreadek/Shutterstock
Этот пост может содержать партнерские ссылки. Если вы совершите покупку, My Modern Met может получить партнерскую комиссию. Пожалуйста, прочитайте наше раскрытие для получения дополнительной информации.

Рисование может быть сложной задачей.Вы можете практиковаться десятилетиями и никогда не почувствовать, что полностью освоили это. Но не позволяйте этому факту сбить вас с толку. Это представление заставляет многих из нас рисовать; вы всегда будете чувствовать, что есть более интересные и забавные темы для рисования!

Если вы дождались совершеннолетия, чтобы начать рисовать, просто знайте, что никогда не поздно. Изучив основные техники и посвятив несколько часов практике, вы будете впечатлены своим прогрессом даже через короткий промежуток времени. Есть много способов сделать это, будь то онлайн-курсы, просмотр учебных пособий на YouTube или чтение книг.Каждая платформа предлагает свои советы и рекомендации по рисованию, которые сделают вас лучшим художником.

Чтобы вы начали свой путь к рисованию, мы поговорили с некоторыми из наших любимых художников об их лучших советах по рисованию . От того, как получить вдохновение до улучшения своих навыков, это проверенные и верные предложения, которые эти художники придумали за многие годы самоотверженного рисования.

Советы по рисованию: как вы находите вдохновение?

Лиза Перрин

Поиск вдохновения для вашего рисунка — это то, над чем вам нужно работать, независимо от того, сколько набросков вы сделали. Точно так же, как писатели испытывают писательский кризис, у художников могут быть такие же творческие препятствия. Одно простое решение? « Составьте список вещей, которые вам нравится рисовать, — рекомендует иллюстратор Лиза Перрин My Modern Met, — и обращайтесь к этому списку, когда чувствуете, что застряли».

Джозеф Катимбанг

Джозеф М. Катимбанг , он же Pentasticarts, всегда в поиске вдохновения. «Нарисуй везде, где ты », — говорит он. Catimbang всегда готов к наброскам.

«Я всегда ношу с собой карманный альбом , куда бы я ни пошел», — объясняет он. «Это помогает мне сделать мою концептуализацию. Всякий раз, когда у меня появляется идея, у меня с собой карманный альбом для рисования, чтобы я мог создать грубый набросок того, что я думал в данный момент, а позже я использовал эти концепции для создания окончательных иллюстраций либо для личного проекта, либо для сотрудничества».

Ворья Санчес

Artist  Vorja Sánchez повторяет этот наконечник для переноски альбома. «Я всегда беру с собой альбом для рисования.Всегда», — говорит он My Modern Met. «И не используйте этот блокнот с [целью сделать] его красивым, просто поймите, что это хороший инструмент для совершенствования. Запишите туда идеи … нарисуйте элементы улицы или леса. Рисунки в альбоме должны заменить значительную часть фотографий, которые мы бы сделали».

Не бойтесь также менять тему. «Как только вы посчитаете, что освоили некоторые элементы [такие как деревья, руки и портреты], откажитесь от них на некоторое время», — призывает Санчес.«Таким образом, ваш личный «фонд изображений» будет становиться все шире».

Всегда стремитесь сделать свой стиль рисования своим, независимо от того, какой художник повлиял на вас. Для этого у Санчеса есть этот полезный совет. «Если вам нравится творчество художника, не поддавайтесь его влиянию, попытайтесь выяснить, в чем заключается его влияние. Чем чище ваше влияние, тем более личной будет ваша работа».

 

Далее: Советы и рекомендации по улучшению навыков рисования.

3 причины, почему вы не умеете рисовать (и что с этим делать)

Иногда вы не можете понять это.

Кажется, как бы вы ни старались, как бы пристально вы ни смотрели на предмет, ваши рисунки выглядят неправильно.

Вы читали книги о том, как рисовать, возможно, посещали несколько уроков рисования, но искусство рисования все еще ускользает от вас.

И ты начинаешь спрашивать себя – А что, если это я? Что делать, если у меня недостаточно таланта?

Что, если я никогда не стану лучше?

Вы не одиноки.

Понимание рисования может стать ключом к вашему творческому успеху и новому острому творческому мышлению, но это может показаться тяжелой борьбой.

Но что, если бы существовало простое решение? Части головоломки, о существовании которых вы не знали,

3 секрета, которые могут мгновенно улучшить ваш рисунок и живопись?

Не могли бы вы попробовать?. .

1. Что, если бы я сказал вам, что вы слишком много говорите

Разговор и рисование несовместимы.

Основная проблема, связанная с рисованием, заключается в том, что когда вы говорите, вы задействуете свое логическое, языковое левое полушарие мозга. Эта сторона вашего мозга заинтересована в том, чтобы знать название объекта, маркировать его и организовывать.

Когда вы учитесь рисовать, вам часто приходится временно воздерживаться от суждений и стараться не гадать, как, по вашему мнению, должен выглядеть объект, а не то, как он выглядит на самом деле.

Когда вы пытаетесь научиться рисовать что-то реалистично, вы должны задействовать правое полушарие мозга, которое более остро реагирует на образы и пространственное восприятие.

Очень сложно делать и то, и другое одновременно.

Почему?

Потому что это замораживает разум.

Вы когда-нибудь были в творческой зоне погружения, в состоянии, в котором время движется быстро, и вы находитесь в том, что профессор психологии Михали Чиксентмихайи называет «потоком».

Каково это быть в потоке?

1. Полностью вовлечены в то, что мы делаем – сосредоточены, сконцентрированы.
2. Чувство экстаза – быть вне повседневной реальности.
3. Великая внутренняя ясность — знание того, что нужно сделать и насколько хорошо мы справляемся.
4. Знание того, что деятельность выполнима – что навыки адекватны задаче.
5. Чувство безмятежности – отсутствие забот о себе и ощущение выхода за пределы эго.
6. Безвременье – полностью сосредоточены на настоящем, наш грех пройти мимо за минуты.
7. Внутренняя мотивация – все, что создает поток, становится наградой.

Поток — это психическое состояние, когда вы полностью погружаетесь в деятельность, возникает ощущение полной вовлеченности и энергии.

Вы можете перейти к этому этапу во время рисования… пока вас не прервут.

Комбинация сражения левых и правых друг против друга усложняет попытку рисования.

Вы можете научиться говорить и рисовать одновременно, но для этого нужна практика.

Все начинается с понимания того, как работает ваш разум и как вы можете подсознательно саботировать свои лучшие усилия.

2. У вас суровый внутренний критик

Вы можете научиться рисовать; вы можете в это не поверить, что часто является первым камнем преткновения на пути к получению нового навыка.

Рисование — это не только интеллектуальная, но и наблюдательная игра.

Конечно, вам нужен базовый уровень навыков, чтобы держать карандаш и делать пометки, но не так много, как вы думаете. Это примерно тот же уровень мастерства, что и подписание своего имени или бросок и ловля мяча.

Тем не менее, ваше подсознание чрезвычайно мощно, и при изучении этого нового навыка оно может сыграть злую шутку с вашими усилиями.

Видите ли, ваше подсознание уже говорит вам, что это не может быть правдой.

Изменение внутреннего сценария

Часто успехи в нашей жизни проистекают из наших собственных внутренних убеждений. И это может нанести вред как вашему прогрессу как художника, так и любым другим сферам вашей жизни.

«Благонамеренные, умные люди часто прибегают к повторяющемуся саморазрушительному поведению в личной и профессиональной жизни»,

Роберт Брукс, доктор философии, и Сэм Гольдштейн, авторы книги «Сила стойкости».

Если вы продолжаете думать, что не умеете рисовать, вы и не будете.

Когда вы пытаетесь нарисовать что-то реалистично, и у вас начинает получаться «не так», ваш внутренний критик начинает поднимать голову.

Часто рисунки начинаются очень хорошо, и вы точно наблюдаете вещи; только когда вы доходите до воспринимаемой «сложной» части, вы начинаете сомневаться в себе.

Правда в том, что вы, вероятно, начали «придумывать остальную часть рисунка и перестали наблюдать, полагаясь на то, как, по вашему мнению, он выглядит.

Входит внутренний критик и говорит:

«Это не похоже на лодку, сдавайся сейчас же; похоже, что это сделал ребенок»

Итак, нам нужно перестать маркировать объекты и начать смотреть более абстрактно.

3. Вы слишком много маркируете объект

Не так ли?

Вы должны смотреть и маркировать объект; вы должны действительно сконцентрироваться на этом; это то, что вы должны сделать, верно?

Ну и да и нет.

Когда я рисую бутылку, я не рисую бутылку.

Я рисую фигуры вокруг бутылки, а затем для меня рисуется бутылка.

Запутались?

Позвольте мне кое-что объяснить.

Все ребра в чертеже являются общими ребрами; вы  не можете провести линию, не разделив два ребра.

Представьте, что вы рисуете днище лодки, одну прямую горизонтальную линию.

Эта линия теперь имеет общий край с дном лодки и водой.

Одна линия, два края.

Та лодка, с которой у тебя были проблемы, представляет собой набор линий и форм.

Как я рисую

Итак, если я рисую пространство вокруг бутылки, оно имеет общую границу с пространством и бутылкой, поэтому бутылку рисую я, а не рисую ее.

Рисуя, вы постоянно пытаетесь отделиться от обозначения реальных объектов, чтобы ваше логическое левое полушарие не могло пытаться сказать вам, как рисовать то, что оно распознает.

Кажется неправильным, кажется задом наперед, но именно поэтому ты не можешь рисовать.

Чтобы видеть как художник, вы должны научиться делать когнитивный сдвиг с левого полушария на правое полушарие.

Если вы продолжите разговаривать с собой, задействуя своего внутреннего критика, вы активируете левое полушарие.

Никогда не задумывались, почему Джексон Поллак пил много бурбона, абсента Ван Гога? Алкоголь успокаивает; ты не такой самокритичный.

Так что, хотя я и не предлагаю вам ударить по планке перед тем, как взять карандаши, просто постарайтесь осознать внутренний «голос», который будет мешать вашему прогрессу.

Рисунок — это парадокс.

Чтобы увидеть что-то так, как это видит художник, вы должны смотреть на Абстрактные элементы внутри этого.

Старайтесь не сосредотачиваться исключительно на объекте; старайтесь не обозначать объект, а просто воспринимайте его как простые формы.

Когда-то нарисованные абстрактные элементы становятся реальными перед вашими глазами, а левое полушарие активизируется, чтобы понять формы и обозначить их.

Краткий обзор левого полушария и правого полушария

Взгляд правого полушария на жизнь может дать вам целостное представление, в то время как левополушарные часто более ориентированы на детали.

Мыслящие левополушарные сосредотачиваются на логическом, рациональном, последовательном и аналитическом, в то время как правополушарные предпочитают более случайные, целостные и свободные ассоциации подходов.

Психологи говорят, что левополушарные люди сосредотачиваются на словах и числах, в то время как правополушарные люди сосредотачиваются на визуальных образах и шаблонах.

Люди с правым полушарием мозга строят латеральные ассоциации, в то время как люди с левым полушарием делают логические выводы из информации.

Большинство людей представляют собой нечто среднее между ними. Какие-то из этих черт характера кажутся вам знакомыми?

левых функций мозга

• использует логику
• Detail-ориентирован
• Факты
• Слова и языки
• Настоящие и последние
• Математика и наука
• могут понять
• знание
• , признание
• Photose Perception
• знает название объекта
• Reality
• Protifies

• Использование
• «Большая картинка» ориентировано
• Воображение правил
• символы и образы
• настоящее и будущее
• философия и религия
• могут «постичь» (т. е. Значение)
• считает
• Chantiates
• Spatial Perception
• знает функцию объекта
• Fantasy на основе
• представляет возможности
• импульсных

Рисунок в качестве учащихся навыка

Это пример одного из моих учеников «До» и «После» на моем курсе рисования для начинающих — это одна и та же кружка, нарисованная с разницей в 4 недели!

Как и в любом другом деле, ваши навыки будут улучшаться по мере изучения основных принципов и практики.

Ключ к обучению рисованию, как и к обучению письму, – это хорошая базовая инструкция, а затем работа, пока вы не овладеете ею.

Никто не говорил, что будет легко; делать ничего не стоит. Однако то, что это сложно, не означает, что со временем и тяжелой работой вы станете превосходным.

Как научиться рисовать (без долгих лет обучения)

Я считаю, что каждый может научиться рисовать точно и реалистично — без долгих лет изнурительного обучения.

Я разработал простой онлайн-курс из 7 частей, который можно загрузить, чтобы помочь разочаровавшимся художникам действительно понять, как работает рисунок.

Вы отправитесь в творческое путешествие, чтобы научиться «видеть как художник».

Вы научитесь уверенно брать карандаш и рисовать любую сцену перед вами.

Представьте, что вы по-новому смотрите на мир, «видя» рисунки и композиции вокруг себя!

Я хочу дать вам четкое объяснение и логическое развитие, чтобы каждый мог изучить концепции и методы рисования.

С более чем 3 часами видеоуроков, я хочу, чтобы у вас был момент «а-ха» и вы действительно «рисовали».

Если вас интересует простой метод обучения рисованию, вы можете присоединиться к моему мгновенному доступу «Курс рисования для начинающих», просто нажав на эту ссылку так что стоит подобрать приспособление для рисования к опоре. Есть три различных бумажных поверхности.

Шероховатая, как следует из названия, представляет собой бумагу с ямчатой, сильно текстурированной поверхностью. Он лучше всего подходит для более смелой, выразительной работы с использованием древесного угля, мела, пастельных карандашей и мягкого графита.

Бумага с очень гладкой поверхностью известна как «горячепрессованная» из-за того, что при ее изготовлении высыхающий лист целлюлозы пропускают через горячие стальные валки. Эта бумага лучше всего подходит для работы пером и тушью, размытых рисунков и тонкой работы карандашом и менее удовлетворительна при использовании с мягко пигментированными инструментами для рисования, такими как уголь и мел. Это связано с тем, что пигментная пыль нуждается в текстурированной поверхности, чтобы цепляться за нее.

Бумага со средней текстурой поверхности известна как «холодного прессования» или «НЕ» (что означает отсутствие горячего прессования).Бумага этой группы хорошо работает с большинством материалов для рисования и, возможно, является наиболее широко используемой бумагой.

Высококачественная бумага, обычно имеющая маркировку «бескислотная», нейтрализуется для противодействия кислотности и не становится коричневой или ломкой. Картриджная (стандартная чертежная) бумага чаще всего используется для рисования. Он может быть белым, кремовым или цветным, доступен разного веса, размера и качества. Акварельная бумага бывает разной плотности и подходит для всех видов рисования.

Бумага для пастели бывает различных оттенков и имеет «зуб» или зернистость, предназначенную для улавливания и удерживания мельчайших частиц цвета. Одна сторона бумаги обычно текстурированная, именно на ней рисуют большинство людей, но вы можете использовать и другую сторону, если хотите. Бумага для пастели бывает двух видов; более толстая бумага требует более интенсивного истирания и обработки, чем более легкая бумага.

Бумагу можно приобрести отдельно, отдельными листами или в альбомах и блокнотах. Отдельные листы позволяют попробовать несколько разных видов бумаги, их можно разрезать или разорвать по размеру.Однако при рисовании зданий на месте вы обнаружите, что альбом для эскизов бесценен. Они сделаны из бумаги различной поверхности, цвета и плотности, бывают разных размеров и переплетов как в портретном, так и в альбомном формате. Книги карманного размера можно носить с собой куда угодно, но они могут быть ограничены, когда вы занимаетесь более крупными предметами. Большие альбомы для набросков утомительно держать в руках, но они предлагают адаптируемое пространство с возможностью выполнения нескольких эскизов на одной странице.

Зачем учиться рисовать, если можно проследить? – Витрувианская художественная студия

Может ли калька помочь вам развить навыки рисования?

Научиться хорошо рисовать сложно.Это может занять годы практики и хорошего обучения, и даже в этом случае нет никаких гарантий. Мы убеждаемся, что наши студенты понимают это, прежде чем они начнут учиться у нас, и большинство из них готовы принять вызов. Но время от времени кто-нибудь укажет очевидную альтернативу. Обычно это выглядит примерно так:

» Боже, почему бы тебе просто не обвести фотографию? Я так и делаю, так проще! Ржу не могу!»

Такой ответ легко счесть наивным или просто чей-то троллинг. Но если вы заинтересованы в рисовании путем наблюдения без трассировки, вы должны быть в состоянии ответить на этот вопрос. Если рисовать так сложно, почему , а не просто обвести?

Это не новый вопрос. Было высказано предположение, что художники на протяжении всей истории, в том числе Норман Роквелл, Томас Икинс, Йоханнес Вермеер и даже художники еще в 1400-х годах, включали трассировку в свой процесс рисования. Эти художники использовали линзовые устройства, чтобы помочь им лучше понять и запечатлеть то, что они увидели, создав некоторые из величайших мировых шедевров.Сегодня практика отслеживания фотографий получила распространение во всем мире изобразительного искусства как быстрая и удобная альтернатива задачам хорошего рисования.

Итак, если многие художники делают это на протяжении столетий, неужели трассировка действительно так плоха?

Если вы знакомы с тем, что мы делаем здесь, в Vitruvian Studio, вы уже знаете, что мы предпочитаем рисовать путем прямого наблюдения, основанного на измерениях, без помощи трассировки или сетки. Однако есть некоторые законные способы использования трассировки при обучении рисованию, хотя бы в нескольких конкретных контекстах.В этом посте мы подробно рассмотрим проблему трассировки и рассмотрим плюсы и минусы трассировки как инструмента обучения. Можно ли использовать обводку, чтобы научить вас основам рисования, или она помешает вам полностью раскрыть свой потенциал? Ты будешь судьей.

Что можно узнать о рисовании по обводке?

Преимущество № 1: Трассировка может помочь вам привыкнуть к процессам рисования и материалам

Если вы только начинаете учиться, процесс рисования может показаться непосильным. Что-то такое простое, как держать карандаш и правильно перемещать его по странице, может быть трудным и разочаровывающим.Трассировка изображения может помочь вам сосредоточиться на физических требованиях к рисованию, не беспокоясь о том, правильно ли вы его понимаете. Это может помочь вам развить зрительно-моторную координацию и мышечную память, которые важны для управления материалами рисования. Это своего рода репетиция вашего будущего развития рисунка.

Такого рода упражнения также полезны для обучения принятию решений на первом этапе рисования. Обычно мы начинаем с того, что «зарисовываем» основные массы объекта упрощенными прямолинейными формами.Студенты иногда борются с этой концепцией. Как правило, мы пытаемся включить слишком много деталей на раннем этапе. Отслеживание референсов — это удобный и недорогой способ попрактиковаться в блокировке. Прослеживая самые длинные и широкие участки контура, вы можете узнать, что следует игнорировать при создании самых больших форм.

Однако важно пользоваться карандашом так же, как если бы вы не обводили его. Рисуя «от руки», мы склонны начинать с легких, мягких и временных линий, пока не сориентируемся.Однако начертания, как правило, дают более четкую, жесткую и непрерывную линию, что приводит к плоскому и мультяшному виду. Если вы обводите, чтобы привыкнуть к рисованию, попробуйте сделать это , как будто вы не обводите.

Пример калькирования рисунка Прюдона. Такого рода упражнения могут помочь начинающим учащимся попрактиковаться в блокировании сложных предметов и научиться упрощать сложные формы.

Преимущество № 2: Трассировка может помочь вам понять анатомию и структуру

Преподаватель Нью-Йоркской академии художеств иногда прописывал упражнение по отслеживанию.Для тех из нас, кто изо всех сил пытался нарисовать фигуру, он делал фотокопии основного рисунка и велел нам обвести его. Он сказал нам обратить особое внимание на кривизну контура. Обратите внимание, где он более округлый, где более плоский и где он перекрывает другие контуры. При этом учитывайте анатомию фигуры и попытайтесь понять почему контур меняется так, как он это делает. Нарисуйте даже кости и мышцы и попытайтесь связать их с тем, что происходит на поверхности. Затем, когда обводка завершена, снова нарисуйте фигуру, но на этот раз от руки и в большем масштабе.

Это упражнение содержит один-два удара. Прослеживание примера поможет вам узнать, как мастер-художник изобразил человеческую фигуру. Он концентрирует ваше внимание таким образом, что простое наблюдение не совсем эффективно. Это визуальный эквивалент чтения вслух во время подготовки к тесту. Воспроизведение этого рисунка в большем масштабе дает возможность попрактиковаться, а также требует от вас дополнительных усилий. Поскольку для крупного рисунка потребуется больше описания, чем вы можете четко увидеть в меньшем эталоне, вам придется немного импровизировать.

Такое упражнение по отслеживанию позволяет внимательно изучить работы другого художника и сопоставить их со своими знаниями и способностями. Это эффективный способ узнать, над чем вам нужно поработать, когда вы учитесь рисовать фигуру из наблюдения или даже из воображения.

Преимущество № 3: Трассировка может помочь вам понять ракурс

У этой фигуры Микеланджело «Отделение земли от вод» на потолке Сикстинской капеллы обе руки вытянуты.Однако рука слева от нас вытянута к нам в укороченном виде. Обратите внимание на резкое отличие формы этой руки от правой. Начинающие студенты склонны недооценивать такие различия

«Ракурс» — это слово, которое мы используем для описания того, как выглядит объект, если смотреть на него сбоку. Например, если бы вы рисовали фигуру с вытянутой к вам рукой, она выглядела бы «в ракурсе». Обычно мы боремся с ракурсом, потому что внешняя форма объекта, который мы рисуем, не соответствует нашим ожиданиям.Мы думаем о конечностях как о длинных и худых и склонны изображать их такими, даже если в ракурсе они кажутся совсем другими.

Трассировка может быть эффективным способом изучения эффектов ракурса. Попробуйте нарисовать «конверт» или элементарную блокировку поверх существующих изображений фигур в различных ракурсах. Это может наглядно проиллюстрировать разницу между нашими ожиданиями (длинные и худые конечности) и тем, что мы видим на самом деле. Такая трассировка может помочь вам освободиться от ваших предвзятых и неверных предположений о том, как выглядят цифры.

Преимущество № 4: Трассировка может помочь вам понять линейную перспективу

Основные принципы линейной перспективы, такие как расположение точек схода, можно прояснить, проследив фотографии, чтобы увидеть, где пересекаются удаляющиеся параллели.

«Линейная перспектива» — сложный предмет для учащихся, изучающих рисунок. Он часто включает в себя измерения и расчеты и может показаться слишком похожим на математику. Но иметь хотя бы базовое представление о том, как работает перспектива, важно для передачи трехмерного пространства в рисунках.

Трассировка изображений может быть эффективным способом изучения того, как точки схода работают в перспективе. «Точка схода» — это гипотетическое место, где параллельные края, удаляющиеся от зрителя, кажутся сходящимися. Любые два или более параллельных элемента изображения, которые удаляются назад и от зрителя, имеют общую точку схода. Студенты часто скептически относятся к этому принципу, когда рисуют с натуры. Наш мозг просто не приспособлен для того, чтобы замечать такие вещи. Но проследив поверх фотографии, чтобы увидеть, где пересекаются удаляющиеся параллели, можно получить убедительные доказательства того, что точки схода реальны и к ним следует относиться серьезно при рисовании.[bctt tweet=»Может ли трассировка научить вас основам рисования или она помешает вам полностью раскрыть свой потенциал?» имя пользователя = ”vitruvianstudio”]

Подводные камни розыска

Все эти примеры показывают, как трассировка может обеспечить эффективный способ изучения определенных навыков или концепций при обучении рисованию. Но слишком много трассировки может помешать вашему развитию. Вот несколько причин почему:

Ловушка № 1: отслеживание не побуждает вас анализировать свою работу

Умение рисовать в конечном счете означает принятие правильных решений.Речь идет о том, чтобы внимательно наблюдать за объектом, понимать, почему он выглядит так, а не иначе, и воссоздавать этот внешний вид на странице с помощью эффективного метода. Удачный рисунок — это продукт анализа.

Но трассировка часто делается бездумно, без всякого анализа. Отслеживание не требует от вас изучения вашего предмета или проверки вашего выбора. Если вы просто копируете строки, вам не нужно задавать вопросы или решать проблемы. Когда вы трассируете, учитываете ли вы источник света? Вы думаете о том, где находятся тени? Думаете ли вы о базовой структуре вашего предмета? Вы думаете о перспективе? Планируете ли вы свою композицию? Рассматриваете ли вы альтернативы тому, как изображение, которое вы рисуете, представляет объект? Обычно на эти вопросы отвечают «нет».Другими словами, когда вы рисуете, вы, вероятно, не совсем понимаете, что рисуете или почему рисуете именно так. На наш взгляд, это снижает общий опыт рисования.

Ошибка № 2: трассировка может привести к получению плоских чертежей

Трассировка часто выполняется одной непрерывной изогнутой линией. Это придает рисунку плоский, мультяшный вид, как набросок мелом на месте преступления.

Бумага плоская. Но рисуя наблюдательно, мы обычно стремимся создать иллюзию объема и пространства на странице. Другими словами, мы хотим, чтобы наши рисунки выглядели трехмерными. Достижение такого рода иллюзии требует, чтобы вы особым образом думали о том, что и как вы рисуете, тщательно учитывая различные трехмерные характеристики вашего объекта.

Однако, когда большинство людей рисуют, обычно получается очень плоский, мультяшный рисунок. Тенденция состоит в том, чтобы обводить контуры непрерывным, непрерывным контуром, который кажется равномерно расположенным в одной плоскости — как контур мела на месте преступления.Даже если формы в основном правильные, может быть излишне сложно сделать такой плоский рисунок в конечном итоге трехмерным и реалистичным.

Ловушка № 3: отслеживание может стать костылем

Начертить — это одно, а рисовать от руки — совсем другое. Если вы хороши в одном, это не означает автоматически, что вы будете хороши в другом. Если вы не будете осторожны, вы можете обнаружить, что цепляетесь за обводку, потому что боитесь рисовать без нее, или, может быть, вы пытаетесь, но результаты вас разочаровывают, и вы возвращаетесь к тому, что кажется вам лучше.

Но не нужно бояться рисовать с наблюдения. Хотя научиться рисовать от руки сложно и, безусловно, вытолкнет вас из зоны комфорта, это также даст вам силы. Как и в случае с любым навыком, на этом пути нужно пройти множество маленьких шагов, каждый из которых приносит свою награду.

Ловушка № 4: трассировка в любом случае не гарантирует хороших результатов

Мы живем в век фотографии. Каждый день нас бомбардируют сотнями изображений, полученных с помощью какого-либо объектива, и мы склонны принимать их как правдивых. Это состояние ума известно как «настроение камеры».

Но фотографии не соответствуют действительности. Вместо этого они искажают реальность бесчисленными изощренными способами. Эффекты объектива, настройки экспозиции, артефакты сжатия, предубеждения программного обеспечения и многое другое могут существенно повлиять на то, как мы воспринимаем любую фотографию. Тем не менее, мы по-прежнему часто указываем на фотографии как на высшее проявление точности изображения. «Вау! Этот рисунок выглядит совсем как фотография!»

Обведение фотографии может показаться кратчайшим путем к точности в рисовании, но если вы подходите к этому именно так, искажения, которые вы не заметили в референсе фотографии, перенесутся в вашу работу.Это, в сочетании с упомянутой выше тенденцией к упрощенной трассировке двумерным способом, может привести к довольно странным результатам. Это может быть весьма обескураживающим, особенно если учесть, что отслеживание должно быть простым.

Ознакомьтесь с нашим курсом «Основы рисования», чтобы приобрести базовые навыки рисования.

Ловушка № 5: отслеживание не передает вашу уникальную точку зрения

Последний аргумент против отслеживания касается того, кто на самом деле контролирует ваше произведение искусства.Часть того, что делает рисование путем наблюдения трудным, — это огромное количество решений, которые вы должны принять при разработке рисунка от начала до конца. Относительный успех вашей работы в значительной степени зависит от того, как вы решаете проблемы по мере их возникновения.

Но именно это делает рисование интересным и бесконечно разнообразным. Соберите вместе десять мастеров-художников в студии, рисующих одно и то же, и вы увидите десять разных результатов. Каждый рисунок будет точно отражать предмет, и все же каждый будет уникальным, потому что это продукт индивидуального ума.Каждый художник выберет свой собственный способ решения той или иной проблемы, что приведет к разным результатам. Вот как может проявиться индивидуальность в художественном произведении, даже в контексте строгого реализма.

Когда вы отслеживаете свою работу, вы не можете принять огромное количество решений. Такие вещи, как масштаб, размещение, пропорции, структура и перспектива на вашем рисунке определяются тем изображением, которое вы трассируете. С таким количеством решений, принятых за вас, вы не можете узнать, как выглядел бы ваш рисунок, если бы вы работали над этими вещами самостоятельно.Таким образом, отслеживание является ограничительным. Вместо того, чтобы делиться тем, что вы видите своим уникальным способом, вы копируете другую перспективу, будь то камера или чей-то еще глаз.

Рисунок по наблюдению — это всегда акт пересмотра и редактирования, исправления и уточнения. Мы принимаем собственные решения, основываясь на том, как мы воспринимаем предмет и страницу, что, в свою очередь, создает интимный взгляд глазами художника. Вот почему нам нравится смотреть на разнообразие работ в музеях: чтобы лучше понять мир, в котором жили эти художники, как они его видели, и почувствовать родство, сопереживание, понять точку зрения художника и его место в истории. .

Наше последнее слово по розыску

Хотя мы признаем, что обводка имеет место в качестве инструмента обучения в определенных контекстах, мы призываем вас бросить себе вызов, чтобы научиться рисовать без обводки. Возможность наблюдать за объектом вживую и принимать решения о линиях, форме, масштабе, расположении, пропорциях, перспективе и кривизне сложно… но также может быть приятно. Хотя трассировка может быть инструментом в вашем наборе инструментов, не позволяйте ей стать единственным инструментом, которым вы пользуетесь.